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出版者:广西美术出版社

作者:拉尔夫·梅耶

出品人:

页数:663

译者:

出版时间:1990-12

价格:10.00元

装帧:平装

isbn号码:9787805821108

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 艺术理论
• 材料
• 艺术里的圣经
• 艺术
• 油画技法
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• 美术
• 绘画
• 艺术
• 设计
• 技法
• 教程
• 工具
• 色彩
• 构图
• 素描

《艺术家手册》是一本旨在激发和指导当代艺术创作者的实用指南。本书不以罗列某一特定艺术流派或历史时期的作品为核心，而是聚焦于艺术家在创作过程中可能遇到的普适性挑战与机遇，并提供切实可行的思考框架与实践方法。 本书的架构设计，旨在为艺术家提供一个系统性的、贯穿创作始终的辅助工具。它并非一本艺术史教材，也非某个理论流派的宣言，而是对艺术家个体在面对创作从概念萌芽、技术探索、材料选择，到展览呈现、市场沟通等一系列环节时，所需的知识、技能与心态进行深度梳理和探讨。 在内容上，《艺术家手册》首先深入剖析了“灵感”这一创作的原动力。它并非简单地告诉你“去哪里寻找灵感”，而是引导读者认识到灵感的来源是多维度的，可能来自于日常的细微观察、深刻的情感体验、跨学科知识的碰撞，甚至是对现有艺术语境的质疑与解构。本书鼓励艺术家建立一套属于自己的“灵感捕获系统”，学会辨别、记录、转化和发展那些稍纵即逝的创意火花。 接着，本书着重探讨了“概念化”这一关键步骤。在当代艺术语境下，技术与媒介日新月异，但支撑作品价值的，往往是其背后清晰而有力的观念。手册将引导读者如何将模糊的感性体验转化为可清晰表述的艺术理念，如何通过研究、提问、批判性思考来深化概念，并探索不同的概念表述方式，以便于与观众进行有效沟通。 在“技艺与媒介”方面，《艺术家手册》不会局限于介绍某种特定的绘画技巧或雕塑工艺。相反，它强调的是艺术家对不同材料、工具和技术的理解与掌握。本书会鼓励艺术家在探索现有媒介的同时，也勇于实验新的材料组合与技术应用，将技术视为表达观念的有力手段，而非孤立存在的技能。无论是数字艺术、装置艺术，还是传统的绘画、雕塑，手册都会提供一套通用的方法论，帮助艺术家评估不同媒介的适用性，并掌握其潜能。 “创作流程与方法”是本书的核心内容之一。它将详细阐述艺术家可以采纳的各种创作模式，从 the solo studio practice 到 collaboration，从 project-based work 到 ongoing research projects。手册将提供一系列实用的工具，例如如何进行项目规划、制定创作时间表、管理创作资源，以及如何在创作过程中应对瓶颈和克服困难。它还会讨论“迭代”与“实验”的重要性，鼓励艺术家拥抱不确定性，并在过程中不断调整与优化。 对于“自我评估与反思”，本书也给予了极大的重视。它引导艺术家建立批判性视角，不仅审视自己的作品，也审视自己的创作过程与动机。手册将提供一些反思性的问题，帮助艺术家理解自己作品的优势与不足，以及在艺术生涯中可能面临的成长方向。这种内在的审视，是艺术家持续进步的关键。 此外，《艺术家艺术家手册》还关注到艺术家在“呈现与传播”方面的需求。当作品完成，如何有效地将其呈现给公众，如何与策展人、画廊、收藏家以及更广泛的观众群体进行沟通，都是艺术家需要面对的现实问题。手册将提供关于作品陈列、展览策划、艺术品摄影、撰写艺术家陈述（artist statement）以及参与公开讨论等方面的建议，帮助艺术家更好地讲述自己的艺术故事，并拓展其影响力。 本书的另一重要维度是“建立艺术家社群与学习网络”。在当代艺术实践中，孤立创作的模式越来越少，与其他艺术家、评论家、理论家、收藏家乃至公众的交流互动，对于激发灵感、获取反馈、甚至实现合作都至关重要。手册将探讨如何有效利用社交媒体、参与艺术活动、加入专业组织等方式，构建一个支持性的艺术网络。 最后，《艺术家手册》还触及了“艺术家的职业发展与伦理考量”。它将讨论艺术家在法律、财务、版权、知识产权以及职业道德等方面的基本认知，以及如何在复杂的艺术市场中保持独立性与创造力。 总而言之，《艺术家手册》是一本为所有渴望深化创作、拓展视野、并在这个快速变化的艺术世界中找到自己独特位置的艺术家而设计的。它不提供现成的答案，而是提供一套思考的工具和实践的框架，陪伴艺术家在创造的旅途中不断探索、成长和前行。

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说实话，我原本以为这本《美术家手册》会是一本冷冰冰的技术汇编，充满了冰冷的线条和刻板的教程。没想到，它在传授技艺的同时，也饱含着对艺术史脉络的尊重与理解。其中关于“材料的哲学”的探讨给我留下了深刻的印象。作者没有仅仅停留在介绍颜料的化学成分，而是探讨了不同材料在历史上如何影响了艺术家的表达范围和风格流变，比如石版画的兴起如何改变了商业插画的面貌。这种跨学科的视角，极大地拓宽了我对“美术”这个概念的理解，让我意识到创作不仅仅是手艺活，更是文化和历史的载体。书中穿插的一些艺术家的“侧记”，虽然篇幅不长，但寥寥数语便勾勒出了大师们在特定历史时期的创作困境与突破，极具感染力。它提醒我，站在巨人的肩膀上，不仅要学习他们的成果，更要理解他们攀登时的艰辛。这本书的格调很高，它在教你如何画得更好看的同时，也在潜移默化地提升你的艺术素养和人文关怀。

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翻开这本书，我立刻被它那种返璞归真的设计感所吸引。装帧和版式设计本身就是对“美”的一种诠释，清晰的布局、恰到好处的留白，让冗长的阅读过程变得赏心悦目。更重要的是，内容组织逻辑严密，仿佛一张精心铺设的路线图，引导读者按部就班地建立起对艺术的系统认知。特别是关于“构图原理”的那部分，我过去总是靠感觉来安排画面元素，效果时好时坏。这本书却用非常直观的图解方式，将黄金分割、三分法、对角线平衡等经典法则，结合当代视觉设计的案例进行剖析，让我终于明白了“为什么好的构图看起来舒服”。作者的文字表达非常精准，没有丝毫的拖泥带水，每一个句子似乎都承载着明确的信息量。读起来效率极高，感觉时间花得非常值。它不像那些华而不实的艺术评论，只管赞美或贬低，而是真正致力于解决创作者在实际操作中遇到的具体问题，提供了详尽的“操作说明书”。对于追求效率和系统学习的严肃学习者来说，这本书无疑是一笔宝贵的财富。

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我必须承认，我对这类“手册”性质的书籍通常抱持着审慎的态度，因为很多所谓的“秘籍”读完后发现不过是老生常谈的堆砌。然而，这本《美术家手册》却以一种出人意料的深度和广度，颠覆了我的固有印象。它并非仅仅停留在基础技法的层面，更深入地探讨了艺术创作中的“心法”——那种难以言传、但又至关重要的内在驱动力。书中有一章节专门讨论了如何建立个人的“视觉词汇库”，这一点极具洞察力。作者引导我们去观察、去解构大师作品中的风格元素，并鼓励读者尝试将这些元素进行重组和变异，最终形成一套独属于自己的视觉语言。这不再是简单的模仿，而是一种有意识的、策略性的风格构建过程。此外，书中对“失败”的讨论也异常坦诚和有建设性，它把创作过程中的挫折视为必然的阶段，并提供了具体的情绪管理和技术复盘方法，帮助创作者走出瓶颈期。阅读体验是层层递进的，从最初对技巧的好奇，逐渐过渡到对创作哲学的思考，让人在不知不觉中完成了心智的蜕变。这本书不只是给你工具，它更是在重塑你的创作思维框架。

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这本《美术家手册》简直是为我这种刚踏入艺术殿堂的新手量身定做的指南。它不像那些高高在上的理论书籍，动辄就是晦涩难懂的术语和深奥的哲学思辨，读起来让人望而却步。这本书的行文流畅自然，作者似乎总能站在一个过来人的角度，用最朴实、最接地气的语言，把那些看似复杂的技术点拆解得清清楚楚。比如，在谈到光影处理时，它没有堆砌复杂的几何光线分析，而是直接告诉我们，如何通过观察日常生活中的光照变化来捕捉色彩的微妙过渡，这一点对我启发太大了。我以前总觉得画光影像是套公式，生搬硬套，结果总是僵硬死板。但这本书强调的是“感受”光线，用更感性的方式去理解和表现，这让我的作品瞬间有了生命力。更让我惊喜的是，它对不同媒介的特性也做了详尽的说明，无论是水彩的晕染、油画的厚涂，还是素描的排线技巧，都有细致的步骤示范和注意事项，简直就像请了一位耐心的私教在身边手把手指导。读完前几章，我就迫不及待地拿起画笔，发现许多以前困扰我的技术难题竟然迎刃而解。这本书的实用性，绝对是市面上同类书籍中数一数二的佼佼者，强烈推荐给所有渴望快速提升技艺的艺术爱好者。

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我是一个偏爱实践甚于理论的人，对于那些长篇大论的理论阐述常常感到不耐烦。然而，这本《美术家手册》最成功的地方在于，它巧妙地将理论融入了实践的案例之中，做到了理论与实践的完美平衡。举个例子，当它讲解色彩学中的“补色对比”时，它没有给出枯燥的色轮图，而是直接展示了两个对比鲜明的画作片段，让你直观地感受到视觉冲击力的区别。然后，作者才在旁边用简洁的文字解释背后的原理。这种“先体验，后解释”的教学法，极大地提高了学习的趣味性和吸收率。而且，书中关于“数字艺术与传统媒介的融合”部分的内容更新颖、更具前瞻性，这在很多老牌美术教程中是看不到的。它正视了数字工具的普及，并提供了一些将传统手稿扫描后在数字环境中进行深化和调整的实用工作流。这对于我们这一代在传统和数字界面间摇摆的创作者来说，简直是雪中送炭，让我在拥抱新工具的同时，也不会丢弃扎实的传统功底。

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其实，我反而有耐心看《欧洲绘画大师技法与材料》，可能这本的目录有点问题

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很好的一本

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怎么才能明白？

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其实，我反而有耐心看《欧洲绘画大师技法与材料》，可能这本的目录有点问题