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出版者:

作者:房晓溪

出品人:

页数:94

译者:

出版时间:2011-10

价格:32.00元

装帧:平装

isbn号码:9787508488103

丛书系列:普通高等教育“十二五”规划教材·动漫游戏类

图书标签:

• 游戏美术
• 计算机科学-计算机图形学-游戏行业-游戏美术
• 美术艺术理论
• 照片级3D作品能力
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• 数字绘画
• 概念设计
• 角色设计
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• Photoshop

《数字绘图的艺术：从零开始的视觉创造之旅》 引言 在这个视觉信息爆炸的时代，数字艺术以其独特的魅力和无限的可能性，渗透到我们生活的方方面面。从令人惊叹的电影特效，到引人入胜的游戏场景，再到别具一格的插画作品，数字绘图已经成为一种强大的叙事工具和创意表达媒介。然而，对于许多怀揣艺术梦想的初学者而言，踏入数字艺术的浩瀚领域，往往会感到迷茫和无从下手。市面上充斥着各种各样的教程和资源，如何找到一条清晰、系统且真正能帮助自己从零开始掌握数字绘图技艺的道路，成为了一个亟待解决的问题。 《数字绘图的艺术：从零开始的视觉创造之旅》正是为此而生。本书并非一本关于“游戏美术基础教程”的书籍，而是希望为你打开一扇通往数字绘画世界的崭新大门。我们深知，数字艺术的精髓在于创意的实现，而创意的实现离不开扎实的基础和对工具的熟练掌握。因此，本书将循序渐进地引导你，从最基础的数字绘画理念入手，逐步深入到色彩、光影、构图、材质等核心视觉语言的探索，最终带领你掌握一套完整的数字绘画流程，让你能够自信地将脑海中的奇思妙想，转化为生动鲜活的数字图像。 本书旨在为你构建一个坚实的数字绘画知识体系，让你在掌握绘画技法的同时，也能理解其背后的原理和逻辑。我们将抛弃那些过于狭隘的、局限于特定领域的讲解，而是从更广阔的视角出发，聚焦于数字绘画最普遍、最核心的通用技能。无论你未来的兴趣是插画、概念设计、角色设计、场景设计，还是仅仅希望提升自己的数字绘画表达能力，本书都能为你打下坚实的基础，为你未来的探索提供源源不断的动力。 第一部分：数字化绘画的基石——认识你的画笔与画布 在踏上视觉创造之旅前，我们需要先熟悉我们的“新武器”。本部分将带你全面了解进行数字绘画所需的硬件和软件，以及它们的基本操作和理念。 数字绘画的硬件配置 数位板与数位屏：我们将深入解析不同类型数位板（绘图板、带屏绘图板）的优缺点、尺寸选择、压感技术等关键参数，帮助你根据预算和需求，选择最适合自己的绘画硬件。我们会讨论如何正确连接设备，安装驱动程序，以及进行基础的压感测试，确保你的设备能够准确捕捉你每一次落笔的力度和精细度。 电脑配置建议：了解不同软件对电脑性能的要求，推荐合适的CPU、内存、显卡等配置，以保证流畅的绘画体验。我们将讨论如何平衡性能与价格，避免不必要的投入。 其他辅助设备：鼠标、快捷键手柄等辅助工具的介绍，它们如何能提升工作效率。 主流数字绘画软件概览 软件选择的考量因素：我们将简要介绍市面上几款主流数字绘画软件（如Photoshop, Procreate, Clip Studio Paint, Krita等）的核心特点、适用人群和收费模式。本书不会深入讲解某一款软件的全部功能，而是侧重于介绍这些软件所共有的、重要的基本概念和工具。 画布的建立与管理：如何创建新画布，理解分辨率、尺寸、色彩模式（RGB/CMYK）的重要性，以及它们对最终作品的影响。我们将讲解图层（Layer）这一数字绘画的核心概念，包括图层的创建、命名、叠加模式（Blending Modes）、不透明度（Opacity）、填充（Fill）以及编组（Group）等基础操作，并强调图层在非破坏性编辑中的巨大优势。 数位板的使用技巧与软件基础操作 笔刷的认识与运用：笔刷是数字绘画的灵魂。我们将探索不同类型的笔刷，如铅笔笔刷、马克笔笔刷、喷枪笔刷、纹理笔刷等，以及它们各自的特点和适用场景。理解笔刷的预设参数，如大小、硬度、流量、形状抖动、颜色抖动等，并学会调整这些参数以达到预期的绘画效果。 橡皮擦与涂抹工具：掌握橡皮擦工具的使用，以及如何利用其调整透明度和硬度来塑造边缘。初步认识涂抹工具（Smudge Tool）在色彩过渡和模糊效果上的应用。 基础选择工具：介绍套索工具（Lasso Tool）、魔棒工具（Magic Wand Tool）、快速选择工具（Quick Selection Tool）等，了解它们如何帮助我们精确地选取画面中的特定区域，为后续的编辑和绘画提供便利。 快捷键的重要性：强调熟练掌握常用快捷键对于提升绘画效率的巨大作用，并推荐一些必备的快捷键组合。 第二部分：视觉语言的构建——色彩、光影与形态的魔力 掌握了工具的使用，接下来的关键在于如何运用这些工具来“说话”。本部分将带你深入理解色彩、光影、构图等视觉语言的基本原理，并学会如何将它们有效地运用到你的绘画创作中。 色彩的奥秘与运用 色彩基础理论：回顾基础的色彩理论，包括色相（Hue）、饱和度（Saturation）、明度（Value）的含义。理解三原色、三间色、互补色、邻近色等概念，以及它们在色彩搭配中的作用。 色彩模式与色彩心理学：了解RGB和CMYK模式的区别，以及它们在数字输出中的应用。初步接触色彩心理学，理解不同色彩传递的情感和氛围。 色彩搭配的技巧：学习如何运用单色、互补色、邻近色、三等分色等配色方案来营造不同的视觉效果。探索如何通过色彩的冷暖对比、明暗对比来突出画面主体，引导观众的视线。 色彩混合与调整：学习在数字绘画中如何进行色彩的混合与调和，以及如何利用色相/饱和度/亮度（Hue/Saturation/Brightness）、色彩平衡（Color Balance）、曲线（Curves）、色阶（Levels）等工具对画面色彩进行精准的调整和优化。 光影的叙事力量 光线的基本原理：理解光源的类型（点光源、面光源、环境光），以及光线照射下物体会产生的明暗关系。 塑造体积与空间：学习如何通过明暗对比来塑造物体的立体感和体积感。理解高光（Highlight）、亮部（Light Area）、暗部（Shadow Area）、反光（Reflected Light）和投影（Cast Shadow）的概念，以及它们在画面中的作用。 光影的情感表达：探讨不同光线效果（如逆光、侧光、顶光、漫射光）如何影响画面的氛围和情感。学习利用光影来烘托气氛、突出重点、营造戏剧性。 环境光与材质的互动：理解环境光对物体色彩和明暗的影响，以及不同材质（如金属、布料、皮肤、玻璃）在光线下的不同表现。 构图的艺术与法则 画面元素的组织：学习如何将画面中的元素进行合理的组织与安排，以达到视觉上的平衡、和谐或动态美感。 经典的构图法则：介绍黄金分割（Golden Ratio）、三分法（Rule of Thirds）、对称构图、对角线构图、三角形构图等经典构图法则，并分析它们在不同场景下的应用。 引导视线与突出主体：探讨如何利用线条、色彩、明暗对比等元素来引导观众的视线，将目光聚焦于画面的主体。 节奏与韵律的营造：理解构图中的空间感、透视关系以及元素之间的呼应，从而在画面中营造出视觉的节奏与韵律。 第三部分：技法的进阶与实践——从草图到精细渲染 掌握了基础的视觉语言，我们就可以开始将它们融入到具体的绘画过程中。本部分将带领你探索从草图到最终完成稿的各个环节，并提供实用的技法指导。 创意构思与草图绘制 灵感收集与发散：分享如何寻找绘画灵感，进行头脑风暴，并将零散的创意转化为初步的视觉构思。 草图的重要性：理解草图在绘画过程中的作用，它不仅仅是绘画的起点，更是探索想法、解决问题的关键阶段。 不同类型的草图：介绍速写（Sketch）、概念草图（Concept Sketch）、线稿（Line Art）等不同形式的草图，以及它们各自的特点和用途。 绘制清晰的线稿：讲解如何通过反复修改和提炼，绘制出清晰、准确且富有表现力的线稿，为后续的色彩和光影绘制奠定基础。 色彩的铺陈与光影的叠加 基础色块的铺设：学习如何快速地为画面铺设基础色块，建立画面的整体色彩基调。 理解“黑白灰”关系：在着色之前，理解画面“黑白灰”（Value）的分布至关重要。我们将示范如何通过灰度图来规划画面的明暗层次，再进行着色。 分层上色技巧：学习如何利用不同的图层和叠加模式，一层一层地添加色彩和光影，逐步丰富画面细节。 光影的二次塑造：在基础色块之上，运用笔刷和工具，细致地刻画光影的变化，增强画面的立体感和空间感。 材质的表现与细节的刻画 不同材质的绘画特性：针对金属、布料、皮肤、毛发、玻璃、水等常见材质，讲解它们在光线、色彩、纹理上的独特表现方式。 纹理笔刷的应用：如何选择和运用合适的纹理笔刷，来模拟物体的表面质感。 细节的添加与精炼：学习如何有选择性地添加细节，避免画面“过灰”或“过脏”。理解“详略得当”的原则，将精力集中在最能提升画面表现力的区域。 肌理与噪点的运用：适当地添加肌理和噪点，可以提升画面的真实感和视觉丰富度。 后期调整与作品的完善 色彩校正与饱和度调整：在完成绘画后，如何通过色彩平衡、曲线、色阶等工具对画面进行最后的色彩校正。 锐化与模糊的处理：适当地使用锐化工具增强细节，或使用模糊工具营造景深效果。 添加特殊效果：如镜头光晕（Lens Flare）、体积光（Volumetric Light）、辉光（Glow）等，如何巧妙地运用它们来增强画面的氛围感和故事性。 输出与分享：了解不同格式的图片输出要求，以及如何为不同的平台（网页、打印）进行优化。 结语：开启你的视觉创作无限可能 《数字绘图的艺术：从零开始的视觉创造之旅》并非一本终点，而是一个起点。它为你提供了一个坚实的起点，让你能够自信地开始你的数字绘画探索。我们希望通过本书，能够激发你内心深处对视觉创造的热情，让你不仅仅学会“如何画”，更能理解“为何这样画”。 数字艺术的魅力在于它的无限可能性。当你掌握了这本书所传授的通用技法和原理，你就可以将它们灵活地应用于任何你感兴趣的领域。无论是创作令人心动的插画故事，设计独具匠心的角色形象，还是构建宏伟壮丽的奇幻场景，你都将拥有实现自己创意所需的工具和信心。 请记住，绘画是一场持续的学习和实践过程。每一次的尝试，每一次的失败，都是成长的阶梯。坚持练习，保持好奇，不断探索，你终将在数字艺术的世界里，找到属于自己的独特声音和创作之路。祝你在这次充满惊喜的视觉创造之旅中，收获满满，乐在其中！

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我原本以为这只是一本讲述软件操作技巧的工具书，但阅读完之后，完全颠覆了我的认知。这本书的深度在于它对“设计思维”的阐释，尤其是在讨论如何将抽象概念转化为具象视觉符号时，那段论述简直是醍醐灌顶。作者花了大量篇幅去解析不同文化背景下的象征意义和色彩心理学，这对于任何从事概念设计或者UI/UX设计的人来说，都是宝贵的财富。它不像市面上很多速成指南那样，只教你“怎么做”，而是深入探讨了“为什么这么做”。举例来说，关于材质表现的部分，它不仅展示了如何利用笔刷模拟金属的冰冷质感或布料的柔软触感，更重要的是，它解释了这些质感背后的物理原理，这使得最终的画面更具说服力和沉浸感。我特别欣赏作者在处理复杂信息时的耐心，大量使用流程图和对比分析，使得那些晦涩难懂的理论知识变得触手可及，极大地提升了我对视觉叙事的理解层次。

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这本关于数字艺术和传统绘画的综合性教材，简直是为所有对视觉艺术怀有热情的人量身定做的！作者在开篇就用深入浅出的方式，讲解了从素描基础到色彩理论的完整路径，丝毫没有那种教科书的枯燥感。最让我印象深刻的是，书中对“观察力”的强调，它不是简单地告诉你如何去画，而是教你如何去看待世界，如何捕捉光影、结构和动态的微妙变化。特别是关于透视原理那几章，通常这是最让人头疼的部分，但这里的讲解配以大量的实例图解，即便是零基础的新手也能迅速掌握立体空间的构建方法。而且，它并没有止步于基础，随后便自然地过渡到了人体结构和动态捕捉，即便是想往角色设计方向发展的读者，也能从中汲取到坚实的骨架支撑。我感觉自己像是被一位经验丰富的大师手把手带着走，每一步都走得踏实而清晰，为后续更复杂的艺术创作打下了极其牢固的地基。这本书的价值，远超出了它所涵盖的知识点本身，它塑造的是一种艺术思维方式。

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这本书的装帧和排版质量，真的让人爱不释手，每一次翻阅都像是一次视觉享受。我尤其欣赏它在版面设计上所展现出的极高审美。大量的范例作品，不仅仅是作为教学演示，它们本身就是一件件精美的艺术品，每一页的留白、字体选择，都体现出设计者对细节的极致追求。这种对“美”的内在标准，在书中得到了潜移默化的熏陶。此外，书中对不同艺术流派的梳理，比如从古典主义到现代主义，再到赛博朋克和蒸汽朋克风格的演变，提供了极为清晰的历史脉络。这让我意识到，任何当下的创作都是站在前人肩膀上的，避免了“无根之木”式的空洞模仿。对于一个希望建立自己独特风格的创作者来说，这种对艺术史的尊重和借鉴，是至关重要的精神食粮。它教会我，真正的创新，源于对经典的深刻理解。

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这本书给我的感觉是充满了鼓励和前瞻性，它没有固步自封于已有的技法，反而大量探讨了未来技术对艺术创作的影响。例如，其中关于三维软件与传统绘画工作流如何无缝结合的部分，展示了利用数字工具辅助构图和光照设置的强大潜力，这对于提升最终作品的真实感至关重要。作者的写作风格非常具有感染力，语气中透露着对艺术领域永无止境探索的热情。它鼓励读者不要害怕犯错，要敢于尝试那些“看起来不可能”的视觉效果。阅读这本书的过程，就像是在进行一场与艺术大师的深度对话，他不仅传授了具体的技巧，更重要的是点燃了你内心深处对创造的渴望。我感觉自己不再是被动的学习者，而是主动的探索者，对未来的艺术道路充满了信心和清晰的方向感。这本书绝对是激励人心的艺术指南。

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从一个纯粹的实践者角度来看，这本书在“效率与迭代”方面的讲解达到了专业水准。书中详尽地对比了不同工作流程的优劣，例如，是先做黑白稿再上色，还是同步进行光影和色彩的铺陈。最实用的部分在于对“草图阶段”的重视，作者反复强调早期造型的准确性远比后期的精修来得重要，并提供了一套快速捕捉灵感的速写技巧。这套方法论帮我极大地缩短了项目初期的摸索时间，减少了返工率。更有价值的是，书中对“项目管理”和“自我反馈”的讨论。它没有把创作者塑造成一个孤立的天才，而是把它放在一个团队协作和商业周期的背景下。如何有效地向他人阐述自己的设计意图，如何构建一个可被迭代的视觉资产库，这些内容对于从爱好向职业过渡的人来说，简直是无价的实战指导，让艺术创作真正落地生根。

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