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出版者:中国青年

作者:日本MOSH books有限公司

出品人:

页数:127

译者:陈丝纶

出版时间:2011-10

价格:42.00元

装帧:

isbn号码:9787515301976

丛书系列:

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镜头之外的眼睛：探索光影叙事的情感脉络 这是一部关于如何以更深沉、更富有洞察力的方式“看见”世界的作品。它并非直接教授你如何操作相机，调整光圈快门，而是试图唤醒你内心深处对影像的感知力，让你明白，真正打动人心的照片，其核心在于捕捉和传达情感，而非仅仅记录表象。 本书将带领读者踏上一段自我探索的旅程，去审视那些构成我们生活经验的细微之处，那些常常被匆忙的日常所忽略的美丽与哀愁。我们会一起探讨，如何在平凡的场景中发掘出不平凡的意蕴，如何在寻常的人物身上洞察出丰富的情感层次。这不是一个速成的技巧指南，而是一个关于培养观察力、激发共鸣的深度思考过程。 第一章：世界的低语——如何倾听光影的语言 我们每天都生活在光影之中，但又有多少人真正“看见”了它们？这一章将引导你重新认识光影的本质，它不仅仅是亮度与暗度的对比，更是情绪的载体，是叙事的线索，是时间的印记。 光的性格： 探索不同类型光线所带来的情感暗示。是晨曦温柔的唤醒，是午后炽烈的张扬，还是夕阳余晖的沉思？我们会学习如何识别和利用这些光线“性格”，让它们为你的画面注入生命力。比如，顺光可能带来清晰明快的感受，而逆光则能营造出神秘、梦幻或戏剧性的氛围。侧光则能凸显物体的质感和立体感，从而加深观众的触感体验。我们会深入分析不同角度的光线如何在不同景物上投下独特的阴影，这些阴影如何不仅仅是黑暗的区域，更是造型和情绪的有力辅助。 阴影的深度： 阴影并非内容的缺失，而是构图的灵魂。我们将深入挖掘阴影在画面中所扮演的角色，它如何勾勒轮廓，如何引导视线，如何制造空间感，甚至如何传递孤独、压抑或神秘的情绪。例如，一道狭长的阴影可以瞬间将一个空旷的空间变得富有张力，而大面积的阴影则能让画面显得沉静，甚至带有一丝忧郁。我们将研究如何利用阴影的形状和走向来构建画面的叙事性，让观者在追随阴影的轨迹时，也能感受到一种故事的流动。 色彩的呼吸： 色彩是情绪最直接的表达。我们不再满足于简单的色彩还原，而是要去理解色彩的情感语言。冷色调带来的宁静与疏离，暖色调营造的温馨与激情，饱和度的变化如何影响画面能量，以及色彩的对比与和谐如何影响观众的心情。我们会讨论如何通过对色彩的敏锐感知，让画面不仅仅是“好看”，更能“有声有色”，仿佛在低语着一个动人的故事。例如，过于鲜艳饱和的色彩可能带来兴奋和活力，但也可能让人感到不安；而低饱和度的色彩则可能传递出一种怀旧、宁静或略带伤感的情绪。我们将深入探讨色彩心理学在摄影中的应用，以及如何通过调控色彩来引导观众的情绪。 质感的触碰： 冰冷的金属，粗糙的岩石，柔软的丝绸，光滑的肌肤…… 质感是影像触摸的延伸。本章将引导你如何通过光影的运用，以及对细节的捕捉，让观众仿佛能用指尖感受到被摄物体的质地，从而获得更丰富的感官体验。我们会研究如何通过高光和阴影的细微变化，来凸显物体的表面纹理，例如，在拍摄皱纹时，侧光可以巧妙地勾勒出皮肤的纹理，使其更具沧桑感；而在拍摄光滑表面时，大面积的高光区域则能营造出晶莹剔透的感觉。 第二章：情感的低吟——如何捕捉灵魂深处的共鸣 摄影的终极目标，或许不是记录世界的模样，而是触碰人心。这一章将聚焦于如何通过镜头，去触及那些隐藏在表象之下、触动人心的情感。 人物的瞬间： 人的脸庞是故事最丰富的载体。我们将探讨如何观察和捕捉那些转瞬即逝的表情，那些无意识的姿态，它们是如何泄露了内心的喜怒哀乐。这并非关于摆拍，而是关于耐心等待，关于理解，关于在对的时间、对的地点，用恰当的方式按下快门，定格一个真实的情感瞬间。我们会研究如何通过眼神、嘴角的弧度、眉宇间的微表情，以及身体的姿态，来传达人物的内心世界。例如，一个略带忧伤的眼神，一个轻松的微笑，一个疲惫的姿态，都能在瞬间传递出丰富的情感信息。 情绪的留白： 有时候，最动人的画面并非清晰地呈现一切，而是留下想象的空间。我们将学习如何运用构图、景深和氛围，来营造一种“犹抱琵琶半遮面”的神秘感和感染力，让观众在猜测和联想中，与画面产生更深层次的连接。例如，模糊的背景可以突出主体的情绪，让观众的注意力完全集中在人物或事物的关键部分；而巧妙的留白，则能为观众提供思考的空间，让他们在画面之外，构建自己的故事。 故事的碎片： 每一个场景，每一个物体，都可能是一个故事的片段。我们会学习如何从日常生活中发掘这些“故事碎片”，并将它们巧妙地组合起来，讲述一个引人入胜的叙事。这可能是一件遗落的物品，一个独特的角落，一次不经意的相遇，我们如何通过镜头，让这些碎片开口说话。例如，一件旧物件上的磨损痕迹，可能诉说着岁月的沧桑；一个杂乱的桌面，可能暗示着主人奔波忙碌的生活；一扇紧闭的门，则可能引发观众对门后故事的无限遐想。 环境的情感： 场景本身也是一种情绪的表达。我们将探讨如何让环境成为人物情感的映衬，甚至是叙事的参与者。一个孤寂的房间，一片繁华的街道，一片空旷的原野，它们各自承载着不同的情感力量，如何将它们与画面主体结合，是本章的重点。例如，将人物置身于阴暗潮湿的环境中，可以增强孤独感；而将其置身于阳光明媚的户外，则能传达出积极、开朗的情绪。 第三章：视角的重塑——如何用镜头看见不同 我们习惯于用固定的视角观察世界，摄影提供了一个绝佳的机会，去打破这种惯性，去尝试用全新的、意想不到的角度来看待事物。 平凡的非凡： 街边的一棵树，一张老旧的椅子，一个雨天的窗户…… 这些我们司空见惯的景物，在书中将会被赋予新的生命。我们将学习如何通过捕捉它们的独特形态，发现它们隐藏的美感，以及它们所承载的某种普遍意义。例如，一张从低角度拍摄的树冠，可以展现出树木向天空伸展的生命力；而特写镜头下的雨滴在窗户上形成的迷蒙景象，则可能 evokes 出一种淡淡的忧愁或宁静。 细节的魅力： 宏大的场景固然壮观，但真正打动人心的，往往是那些不易察觉的细节。我们将深入挖掘被摄物体上的微小之处，它们如何通过纹理、色彩、光影的变化，讲述着不为人知的故事，传递着独特的情感。例如，一片落叶上精美的脉络，一块老墙上斑驳的苔藓，一个孩童手中紧握的玩具，都可能成为引人深思的画面。 空间的游戏： 空间不仅仅是物体存在的场所，更是构图的语言。我们将探讨如何通过镜头，去感知和表现空间的关系，如何利用前景、中景、背景的层次感，来制造画面的纵深和立体感，以及如何通过留白和对齐，来营造简洁或复杂的空间氛围。例如，利用引导线可以有效地将观众的视线引入画面深处；而通过景深的变化，则可以模糊背景，突出主体，让画面更具焦点。 时间的回响： 时间是不可见的，但它的痕迹却无处不在。我们将学习如何通过捕捉动态的瞬间，或是记录静止的永恒，来表现时间的流逝、凝固或循环。这可能是一幅捕捉了风吹动的衣角，或是一张定格了日出日落的景象。例如，通过慢门拍摄的水流，可以展现出丝绸般的柔滑质感，暗示时间的流动；而通过拍摄一组连续的动作，则可以表现出动态的轨迹和过程。 第四章：内心的回响——如何让摄影成为一种生活方式 最终，摄影的学习不仅仅是技巧的提升，更是内在的成长。本书的最后一部分，将引导你如何将摄影的视角融入日常生活，让每一次的按下快门，都成为对世界更深层次的理解和对自我更诚实的表达。 耐心与陪伴： 好的照片往往需要耐心等待，需要与被摄对象建立一种连接。我们将探讨如何在摄影中培养耐心，如何与拍摄对象建立信任，从而捕捉到最自然、最真实的状态。 好奇心的驱动： 对未知世界的好奇，对生活细节的探究，是摄影的源泉。我们会鼓励读者保持一颗永不停歇的好奇心，不断去发现，去质疑，去探索。 反思与成长： 每一张照片都是一次思考的结晶。我们将引导读者如何回顾自己的作品，从中学习，不断调整和完善自己的视角和表达方式。 与世界对话： 摄影最终是与世界对话的方式。它让你以一种全新的目光去审视周围的一切，去感受生命的美好与复杂，并用镜头将这份感悟传递出去。 这本书，献给那些渴望用镜头“看见”更多，用影像“感受”更深，用光影“诉说”更远的人。它不会教你如何成为一个技术大师，但它会引导你成为一个更有深度、更有情感的观察者，让你的每一次按下快门，都充满力量，触动人心。

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说实话，我本来对这类“笔记”性质的书籍抱持着审慎的态度，总觉得它们可能只是零散想法的堆砌，缺乏系统性。然而，这本书完全颠覆了我的看法。它的章节编排逻辑性极强，从宏观的构图原则到微观的景深控制，层层递进，衔接得天衣无缝。我尤其喜欢其中关于“视觉语言”的探讨，作者并没有局限于技术层面，而是深入挖掘了如何用光影、线条和色彩来讲述一个故事，这极大地拓宽了我的创作视野。比如，它讲解如何利用负空间来增强主体表现力时，配上了几个极简主义风格的范例，那种留白的美感和张力，让人回味无穷。阅读过程中，我常常需要停下来，拿出自己的相机或手机进行对比实验，这种“即学即用”的体验非常棒。它更像是一位经验丰富的前辈，在你耳边低声细语地分享他的观察和心得，让你在不知不觉中提升了艺术修养和技术功底。

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作为一个已经摸索了几年摄影，但始终感觉停滞不前的“中年”爱好者，我在这本书里找到了久违的激情和方向感。最打动我的，是作者对器材的看法——强调工具为人服务，而非人被器材奴役。市面上太多书籍热衷于推荐最新、最贵的设备，让人焦虑不堪。这本书却非常务实，它教你如何用手头已有的设备，去观察、去发现生活中的美。书中对于不同光照条件下的处理方法，简直是教科书级别的指导。傍晚的魔幻时刻、正午刺眼的顶光，这些我过去常常避开的“困难”光线，在书中的指导下，竟然能转化成极具戏剧性的画面。我按照书中建议，尝试用小光圈去捕捉建筑的几何线条，那组照片出来后，我发现自己对画面的结构感有了全新的认识。这本书真正做到了化繁为简，将复杂的光影科学转化为直觉和本能。

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这本书的排版和文字风格，透露出一种非常沉静且克制的匠人精神。我注意到作者很少使用夸张的形容词，而是用精准、凝练的词语去描述复杂的摄影现象。这种平实的叙述方式，反而更有力量，让人感觉更可靠。其中有一部分内容是关于后期处理理念的探讨，它并没有陷入到“调色滤镜”的泥潭，而是强调“后期是服务于前期拍摄意图的二次创作”，强调准确的曝光和影调是后期成功的基石。这一点对我触动很大，让我开始重新审视自己过去过度依赖后期弥补前期缺陷的习惯。阅读完后，我明显感觉到自己拍摄时更加注重现场的光线把控，努力在按下快门的那一瞬间就完成大部分的画面构建。这种由“技术驱动”向“理念驱动”的转变，是这本书带给我最宝贵的财富之一。

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这部作品简直是摄影爱好者的福音！我最近刚入手这本，迫不及待地翻阅起来。首先，它的装帧设计就非常吸引人，纸张的质感和印刷的色彩都透着一股专业范儿，让人爱不释手。内容方面，我特别欣赏作者在基础理论上的讲解，那些光圈、快门、感光度的关系，原本在我脑海里是有些模糊的概念，经过作者的深入浅出地阐述，一下子变得清晰透彻，仿佛打通了任督二脉。尤其是一些实战案例的分析，不仅仅是教你如何设置参数，更重要的是引导你思考“为什么”要这样设置，这种思维层面的提升，远比单纯的技巧堆砌要宝贵得多。我试着按照书中的建议调整了拍摄时的光线控制，出来的照片效果立竿见影，那种从“拍得到”到“拍得好”的跨越，真是让人兴奋不已。这本书不是那种空洞的理论指导，而是真正沉淀下来的实战经验结晶，非常值得反复研读。

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我必须承认，这本书的篇幅不算短，但阅读起来却有一种停不下来的节奏感。作者很巧妙地穿插了一些个人在不同地域、不同场景下的拍摄故事，这些故事并非只是为了烘托气氛，而是紧密结合了当时所讨论的技术点。例如，当他讲到如何处理高速运动物体时，会立刻引述他在某个赛场上捕捉瞬间的经历，那份紧张感和捕捉成功的喜悦，仿佛能透过文字感染到读者。更令人称赞的是，书中对于“风格的建立”这一终极命题的探讨。作者并没有提供一个公式化的模板，而是鼓励读者去探索自己的“视觉指纹”，去思考自己想通过摄影表达什么。这种引导性的、启发性的写作方式，让这本书超越了工具书的范畴，更像是一份陪伴你成长的私教指南。它让我明白了，摄影的终极魅力，在于发现和表达你独一无二的世界观。

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适合不是那么学究的初学者

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很好用，入门必备。看完后发现是日本出的，难怪呀。

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