国画集(3) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国美术学院出版社

作者:

出品人:

页数:16

译者:

出版时间:1997-08

价格:18.00

装帧:平装

isbn号码:9787810195249

丛书系列:

图书标签:

• 新民谣
• 摇滚
• 国画
• 绘画
• 艺术
• 中国画
• 水墨画
• 写意画
• 工笔画
• 传统艺术
• 文化
• 艺术作品

《宋代山水画研究：从范宽到李唐》 内容简介： 本书是一部深度聚焦于中国宋代山水画发展脉络、风格演变及代表性画家的学术专著。全书以时间为轴，辅以专题分析，旨在系统梳理宋代山水画在继承五代遗风的基础上，如何实现革命性的变革，最终确立其在中国艺术史上的高峰地位。本书不仅关注宏观的历史背景与时代思潮对绘画艺术的影响，更深入剖析具体画家的笔墨技法、构图章法以及作品所蕴含的哲学意境。 第一部分：时代背景与学术源流 宋代，特别是北宋时期，是中国封建社会走向成熟和文化艺术空前繁荣的阶段。士大夫阶层对自然的敬畏与对宇宙哲思的探求，深刻地影响了山水画的创作方向。本部分将首先概述北宋初期，在李成、荆浩、关仝等前辈的基础上，山水画如何从注重写形转向追求“卧游”的审美趣味。 北宋初期的过渡与奠基： 分析董源、巨然的“江南山水”对后世的影响，探讨“墨分五色”在早期实践中的体现。 院体画的兴盛与规范： 探讨宋徽宗时期翰林图画院在山水画技法规范化、程式化方面所做的贡献，以及院体画与文人画之间复杂的互动关系。 第二部分：北宋山水画的“巨碑时代” 本部分集中探讨北宋中期至晚期，以范宽、郭熙为代表的，将山水画推向雄伟、壮阔高峰的巨匠群体。他们的作品不仅是视觉上的震撼，更是对“可游、可居、可观”的理想山水秩序的构建。 范宽与“近景雄强”的表达： 深入剖析范宽如何通过其标志性的“雨点皴”和对北方太行、华山等山体的刻画，展现出山川浑厚、磅礴的气势。重点分析《溪山行旅图》中对“势”的把握与对人与自然关系的哲学思考。 郭熙与“可行、可望、可游、可居”的理论建构： 阐述郭熙在《林泉高致》中提出的山水画理论，以及他如何以“三远法”（高远、深远、平远）来表现空间的层次感与时间性。对比分析其在不同时期的代表作，揭示其“卷舒开合”的动态构图特点。 李唐与过渡的先声： 探讨李唐在北宋末年，如何开始引入李思训父子“金碧山水”的笔墨元素，并逐渐将画风导向更具力度和线条感的方向，为南渡后的“院体”变革埋下伏笔。 第三部分：南宋画院的变革与院体的“院体”化 靖康之变后，宋室南渡，山水画的审美趣味也随之发生了深刻变化。从北方山川的雄伟转向南方丘陵的秀润，从对宇宙的敬畏转向对个体情感的寄托。 李唐与“斧劈皴”的成熟： 考察李唐在南宋初期的创作，如何将北方的雄强气势通过更硬朗、更具雕塑感的“斧劈皴”来表现，强化了山石的结构感。 刘松年与南宋院体的典范： 分析刘松年在构图上的精炼与笔墨的简练，探讨其如何使画面更具装饰性和精致感，迎合了南宋偏安一隅的审美情趣。 马远与“边角式”的意境： 重点研究马远对“一角、半边”构图的极致运用。探讨这种“留白”的艺术手法，如何突破传统轴线对称的构图，将观者的目光聚焦于特定空间，创造出“言有尽而意无穷”的空寂意境，体现了南宋士人敏感而内敛的情感世界。 夏圭与“带 L 型”的构图哲学： 探讨夏圭如何进一步简化笔墨，以更加洒脱、简练的笔法来表现江南水乡的烟雨迷蒙，其构图的疏朗与马远的深邃形成了鲜明的对比。 第四部分：文人山水画的勃兴与对院体的超越 在院体画走向精微、程式化的同时，以米芾、米友仁为代表的文人画派，则坚守“为自己写胸中逸气”的理念，开创了“文人画”的主流方向。 米氏父子与“文人笔墨”的宣言： 详细解析米芾的“刷书”笔法以及“水墨之妙”，探讨他们如何通过“米点”这一全新的点苔与皴擦技法，将主观的情感抒发置于客观描绘之上。 对院体的反思： 总结宋代院体与文人画在材料、题材、目标受众上的差异，并指出后者的笔墨创新如何对未来的元代山水画产生了决定性的影响。 结语： 本书通过对北宋盛期与南宋变革期的深入考察，揭示了宋代山水画如何从追求“形似”的阶段，迈向追求“神似”与“意境”的巅峰。宋代山水画不仅确立了此后数百年中国绘画的基本范式，更以其深邃的哲学思考与卓越的笔墨成就，成为世界艺术史中不可或缺的重要篇章。本书力求以扎实的文献考据与细致的图像分析，为研究者和爱好者提供一个全面而深入的学术视野。

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这本书的装帧设计，尤其是内文的留白处理，非常具有禅意和东方哲学的美感。那种恰到好处的空白，仿佛留给观者无限的想象空间，这本身就是中国画“计白当黑”思想的一种现代体现。每一页的边距都经过精心计算，使得原本紧凑的画面在视觉上得到了充分的呼吸。我特别喜欢它在部分小品画旁边，用宋体小字标注的那些极简的题跋，文字的力度与画面的意境达到了完美的平衡，不喧宾夺主，却又起到了画龙点睛的作用。这本书在纸张的选择上也非常用心，那种略带粗粝感的哑光纸，极大地减少了反光，让观看体验变得柔和而专注。这不仅仅是一本画册，它更像是一个经过精心策划的“展览空间”，引导着我们一步步走进画家的内心世界，感受那种从容不迫的东方气度。这种对细节的极致追求，使得即便是反复翻阅，也总能发现新的美感和设计上的巧思。

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这本书的编辑排版简直是灾难，我花了整整一个下午才勉强看完我对其中几幅花鸟作品的初步印象，但整体阅读体验极其不连贯。首先，印刷的色差问题非常严重，有些原本应该清雅的设色，在书页上显得过于饱和甚至有些俗艳，这极大地削弱了原作的韵味。我特别关注了关于“写意花鸟的生命力捕捉”这一章节，理论部分写得还算扎实，提到了宋代院体与文人画在表现手法上的差异，但紧随其后的范例图例却混乱不堪，风格跨度太大，让人难以找到一个清晰的脉络去理解作者的意图。举个例子，前一页还是工笔重彩的牡丹，下一页突然就跳到了极简的写意梅花，两者之间的过渡完全没有衔接，让人有一种被强行拉扯的感觉。如果不是我对这些画种有基础了解，恐怕初学者会被这些碎片化的信息搞得一头雾水。希望下一版在图文对应和整体节奏把控上能有巨大的改进，目前的版本更像是将一些零散的资料堆砌在一起，缺乏一个统一的策展视角。

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我必须吐槽一下这本书中关于“近现代名家风格流变”的章节，简直是草草了事，毫无深度可言。几位大家的作品陈列得非常随意，缺乏应有的历史语境支撑。比如，当讨论到二十世纪初国画如何应对西风东渐的冲击时，书中只是简单地罗列了几张作品，然后用几句含糊不清的“融合创新”来概括，完全没有深入剖析他们是如何在借鉴西方透视法和光影概念的同时，保持了东方美学的核心精神。我期待的是一场关于文化冲突与融合的精彩论述，而不是简单的“看到了什么”的流水账。那些作品的选择也很有问题，很多都是名家不太有代表性的应酬之作，而不是他们艺术生涯中的巅峰力作。这种选择，严重稀释了整本书的艺术分量。作为一个对近现代史有兴趣的爱好者，我希望能看到更具批判性和思辨性的分析，而不是这种浅尝辄止的介绍，读完只觉得意犹未尽，甚至有点被敷衍了的感觉。

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说实话，这本书的价值主要体现在其对“古代水墨技法复原”的详尽考证上。我之所以购买，主要是冲着那几篇关于宋元时期设色纸本的材料分析去的。作者在这方面投入了巨大的心血，他不仅引用了大量的文献记载，还结合现代的化学分析手段，对古代颜料的来源和配比进行了推测和模拟。尤其是在介绍如何用天然矿物粉末调制出那种独有的“石青”和“石绿”时，那种严谨细致的步骤描述，简直让人如同身临其境地回到了古代画家的工作室。我尝试按照书中介绍的几处“破墨法”小技巧进行练习，虽然只是临摹，但立刻感受到了笔触在宣纸上产生的不同反应。这部分内容对于专业的国画修复师或者希望深入研究材料特性的学者来说，简直是无价之宝。它突破了仅仅停留在“欣赏”层面的局限，真正触及到了艺术创作的物质基础。对我个人的创作而言，它提供了一个重新审视传统材料的视角，让我不再只是机械地使用现代化工颜料，而是去体会古人作画的艰辛与乐趣。

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天哪，这本书简直是艺术的盛宴！我最近沉迷于这本书的《山水意境的探索》部分，那位作者对于光影的把握简直是鬼斧神工。他不仅仅是在描绘山峦和流水，更像是在捕捉大自然的呼吸。我记得有一幅描绘烟雨江南的作品，墨色的浓淡变化层次感极其丰富，近处的树木仿佛触手可及，而远处的群山则笼罩在一层薄雾之中，那种“可望而不可即”的朦胧美，让人心神俱醉。我甚至能想象到空气中湿润的泥土气息和竹叶上滑落的水珠。更让我惊叹的是，他对传统笔墨技法的运用达到了炉火纯青的地步，那些皴法，有如行云流水，遒劲有力却又不失温润，与现代的写意精神完美地融合在了一起。这本书的装帧设计也十分考究，纸张的质感很棒，很好地承托了画作的细节。对于任何一个热爱中国传统艺术，尤其是痴迷于山水画的同好来说，这本书无疑是案头必备的宝典，它不仅仅是图册，更是一本关于“如何观看”世界的哲学书。我强烈推荐给所有希望提升自己审美境界的朋友们，它带来的精神滋养是无可替代的。

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