走向新空间.当代雕塑艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南美术出版社

作者:邢永川

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-05

价格:22.00

装帧:平装

isbn号码:9787535613073

丛书系列:

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走向新空间：当代雕塑艺术 引言 雕塑艺术，作为人类文明进程中最为古老且持久的艺术形式之一，从未停止其演进的步伐。进入二十一世纪，随着科技的飞速发展、社会结构的深刻变革以及全球化浪潮的推进，当代雕塑正以前所未有的广度和深度，挑战着我们对“雕塑”的传统认知。它不再仅仅是石头或青铜的凝固，而是跨越媒介、融入语境、直击心灵的复杂场域。《走向新空间：当代雕塑艺术》试图全面梳理和深入剖析当代雕塑艺术在材质、形式、观念及与社会环境互动等方面所展现出的革命性变化与未来趋势。 第一部分：媒介的拓宽与边界的消融 传统雕塑的定义往往受限于实体性、三维性和对物质的依赖。然而，当代雕塑艺术的核心特征之一便是对这些限制的彻底突破。 1. 数字化与虚拟现实的介入： 随着计算机辅助设计（CAD）、3D打印、参数化建模技术的成熟，雕塑的“制作”过程被彻底颠覆。艺术家不再仅仅依赖手工雕刻，而是通过算法生成复杂结构，并通过增材制造（Additive Manufacturing）实现以往无法想象的形态。更进一步，虚拟现实（VR）和增强现实（AR）开始成为雕塑的载体。虚拟雕塑挑战了作品的“在场性”，允许观众以全新的方式进入和体验艺术作品，模糊了实物与图像、实体与虚拟的界限。作品可能只存在于数字代码中，却拥有与实体雕塑同等的观念重量。 2. 软性材料与非常规介质的崛起： 工业材料如塑料、橡胶、泡沫、霓虹灯管，乃至日常废弃物，已成为当代雕塑家钟爱的“颜料”。这些材料的引入，不仅改变了作品的物理质感（从坚硬到柔软，从永恒到易逝），更重要的是，它们承载了关于消费主义、环境污染和物质文化的反思。例如，使用可降解材料或可再生能源驱动的作品，直接将生态议题嵌入了雕塑的物质性之中。 3. 时间性与动态介入： 雕塑不再是静止的瞬间，时间性被主动纳入作品结构。动态雕塑（Kinetic Art）的现代变体，利用机械、电子或自然力量（如风、水）驱动作品变化，使作品成为一个持续发生的“事件”。此外，装置艺术（Installation Art）和场地特定艺术（Site-Specific Art）的兴起，使得雕塑的完成依赖于观众的移动、光线的变化，甚至空气的流动，强调了作品与时间序列的共存关系。 第二部分：空间语境的重塑与社会批判 当代雕塑的“新空间”不仅指媒介上的拓展，更深层次地指向了作品与它所处的环境、社会结构以及观众之间的关系重构。 1. 从纪念碑到场所精神： 传统的雕塑多以纪念碑的形式，占据公共空间，宣扬既定历史或英雄主义。当代雕塑则倾向于解构纪念碑性，转而关注“场所精神”（Genius Loci）。艺术家深入挖掘特定地点的历史、社会和政治纹理，创作出与场地紧密对话的作品。这些作品往往是暂时的、干预性的，它们揭示了空间中被隐藏的权力结构、记忆断裂或被遗忘的社群故事。例如，在城市废墟或特定历史遗址中进行的干预，其意义的生成完全依赖于场所的语境。 2. 身体、感知与在场： 许多当代雕塑作品将观众的身体体验置于核心。作品的尺度、材料的触感、声音的环绕，都在邀请观众从被动的观察者转变为主动的参与者。身体成为衡量作品尺度的标尺，也是作品意义得以完成的必要条件。这种强调感官参与和身体在场的艺术实践，是对纯粹视觉审美的挑战，它要求观众“走进”雕塑，而非仅仅“观看”雕塑。 3. 政治介入与身份政治： 当代雕塑已成为探讨身份认同、殖民历史、性别政治和全球不平等的有力工具。艺术家利用熟悉的符号进行挪用、重组或颠覆，以雕塑的形式对既有的文化叙事提出质疑。例如，对古典雕像的解构或对公共空间纪念物的“反向纪念碑”的构建，都是当代艺术家介入公共话语、推动社会反思的有效策略。 第三部分：观念先行与过程的彰显 在许多当代雕塑实践中，作品的最终形态往往让位于其背后的概念结构和创作过程本身。 1. 过程雕塑与偶然性： 强调创作过程本身即是作品的一部分。这包括对材料自然变化（如氧化、腐蚀、生长）的捕捉，或是故意引入随机性和不可控因素。这种对“未完成”状态的拥抱，反映了当代社会对确定性和永久性的怀疑。观众看到的不是一个固定不变的终点，而是一个持续演变的状态。 2. 观念与物质的张力： 观念艺术的遗产依然深远。在许多情况下，一个精妙的观念可以转化为任何物质形式，甚至无需实体。当代雕塑家往往在观念的精准性与物质载体的偶然性之间建立一种张力。雕塑的物质形态可能极为朴素甚至“反艺术”，其价值完全由其所承载的批判性或哲学思辨所支撑。如何用“物”来承载“非物”的思想，是当代雕塑家持续探索的课题。 结论：通往未来的开放性 《走向新空间：当代雕塑艺术》描绘的图景，是一个充满活力、不断自我否定的领域。当代雕塑不再被单一的审美标准所束缚，它主动拥抱技术、介入社会、解构传统。这种开放性、流动性和跨学科的特质，确保了雕塑艺术在信息爆炸的时代，依然能以其独特的三维语汇和物质力量，继续对人类的生存状态进行深刻而复杂的叩问。它不仅是艺术史的一个章节，更是我们理解当代世界复杂性的一个关键视角。

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这本书的价值，在于它提供了一个极具批判性且不失温度的视角，来审视雕塑艺术如何在飞速变化的现代语境中寻找自身的立足点。它没有把当代雕塑塑造成一个神圣不可侵犯的殿堂，而是将其描绘成一个充满实验、试错与大胆冒险的“思想实验室”。作者对那些尝试模糊艺术与日常用品界限的作品的探讨，非常到位，揭示了艺术如何从精英化的小圈子，渗透到我们生活的每一个角落。我特别欣赏书中对“缺席的艺术”这一概念的阐释——那些看似空无一物的空间，如何通过明确的边界定义和观念的植入，反而比具象的作品更具震撼力。这种对“负空间”的强调，是理解当代雕塑深层观念的关键。阅读完毕后，我的脑海中留下的是一片充满可能性的、不断延展的思维导图，而非仅仅是几件作品的图像记忆，这无疑是作者高超的引导能力所致。

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初读此书，我最大的感受是，它迫使我重新定义“雕塑”这个词汇的边界。它不再仅仅关于“三维体积”，而更关乎“空间关系”和“时间体验”。书中对那些运用时间维度作为核心材料的作品分析，尤其精彩。比如，那些缓慢腐蚀、自然演变，或需要特定光照周期才能显现全貌的作品，它们挑战了我们对艺术品“永恒性”的期待。作者通过大量的案例分析，展现了当代艺术家们如何利用科技手段，将原本固态的艺术品转化为流动的、适应环境变化的生命体。我尤其欣赏作者在分析中对“观看者”这一角色的重新定位：你不再是一个被动的接受者，而是一个必需的“共创者”，你的移动、你的停留，甚至你的呼吸，都构成了作品完成的必要条件。这种以观众为中心的叙事视角，使得整本书读起来毫无滞涩，充满了互动性和参与感，让人渴望立刻走进美术馆去印证书中的观点。

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这本关于当代雕塑艺术的著作，着实让人眼前一亮。作者以一种近乎考古学家的严谨与热情，深入挖掘了过去几十年间，雕塑语言是如何挣脱传统材料和形式的束缚，向着更广阔的、更具观念性的“新空间”拓展的。书中对那些挑战我们感官认知的作品进行了详尽的分析，比如那些利用光影、声音甚至空气流动来构建场域的装置艺术，它们不再是静止地占据一个物理位置，而是成为了一个动态的、需要观众参与才能完成的事件。尤其欣赏作者在探讨媒介转变时所展现的洞察力，他/她并没有停留在对技术革新的简单罗列上，而是深入剖析了这种转变背后蕴含的哲学思考：当雕塑不再是“雕刻”或“塑造”，而是“构建”或“定义”时，艺术家的角色和作品的本质究竟发生了怎样的变化？特别是对那些涉及数字化、生物科技的最新探索的描述，非常具有前瞻性，让人感觉仿佛正在目睹一门古老艺术形式的彻底重生与跨物种的对话。阅读过程中，我几次停下来，试图在脑海中重构那些文字所描绘的复杂空间结构，这不仅仅是知识的吸收，更是一次深度的视觉与思维的漫游。

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坦率地说，我原本对当代雕塑的理解还停留在那些大型公共艺术品的阶段，直到翻开这本书，才意识到自己错过了多少精彩的“幕后革命”。这本书的叙事结构非常流畅，没有那种晦涩难懂的学院腔调，相反，它更像是一位资深策展人带着你穿梭于各个重要的国际双年展和实验性工作室。它巧妙地将那些看似孤立的个体艺术家的实践，串联成一条清晰的脉络，展示了从后现代解构主义到当代体验主义美学的演进路径。最让我印象深刻的是，作者没有回避那些具有争议性的、挑战伦理边界的作品，而是将其置于历史和文化语境中进行审视，这使得讨论显得更为深刻和立体。我特别喜欢它对“场所特定性”（Site-Specificity）的深度剖析，探讨了艺术家如何通过对特定场域的介入和转化，让原本平淡无奇的空间，转变为具有强烈叙事性的艺术现场。这种对物质与非物质边界的模糊处理，确实是理解当代雕塑核心命题的关键钥匙。

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这本书的文字有一种独特的节奏感，读起来仿佛能感受到那种不断推翻、不断重塑的艺术冲动。它没有固守传统的美学标准，而是专注于发掘那些在看似“丑陋”、“随机”或“反结构”的形式下所隐藏的深层秩序感。其中对于材料的反叛性使用——比如那些被扭曲、降解或重新组合的工业废料——的描述，充满了力量。作者没有简单地赞扬这些“颠覆”，而是引导读者去思考，这种对材料的“暴力”处理，是否正映照了我们当下社会对可持续性、对既有体系的反思？我特别关注到其中关于“触感”与“非触感”雕塑的讨论，在后疫情时代，这种强调远程感知、注重数字叠加和虚拟交互的艺术形态，显得尤为及时。全书的论证逻辑严密，但表达却充满激情，就像是作者亲身参与了每一件作品的诞生过程，并被其深深震撼。它成功地将抽象的理论概念，转化为可供想象和体会的具体视觉经验。

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