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出版者:

作者:Spring, Glenn; Hutcheson, Jere; Spring, Glenn

出品人:

页数:416

译者:

出版时间:1994-12

价格:$ 157.07

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isbn号码:9780697153678

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• 曲式
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• 音乐形式
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音乐的骨骼与肌理：一部关于形式与分析的深度探索 音乐，这门瞬息万变的艺术，其内在的秩序与逻辑，往往是理解其情感力量与审美价值的关键。本书并非直接解读某一部特定的音乐作品，而是致力于深入剖析音乐构建的根本原则——音乐形式。我们将一同踏上一段探索音乐“骨骼”与“肌理”的旅程，理解那些决定音乐走向、塑造听觉体验的结构性力量。 音乐形式，就像一座精巧建筑的蓝图，它为音乐提供了框架、方向与意义。从最微小的乐句组合，到宏大的奏鸣曲式与赋格，再到多乐章的交响曲与协奏曲，形式如同无形的脉络，将散落的音符编织成有逻辑、有深度、有情感的整体。本书将系统地梳理和解析这些核心的音乐形式，帮助读者建立起一套清晰的分析工具，从而更深刻地体察音乐的内在运作。 第一部分：形式的基石——动机、乐句与乐段 任何宏大的建筑都由最基本的砖石砌成。在音乐中，这个最基本的单元便是“动机”（motive）。动机可能仅仅是一个简短的旋律片段、一个节奏型，甚至是一个和弦进行，但它却蕴含着音乐发展的种子。我们将探究动机是如何被反复、变形、扩展，并最终成为构成更广阔音乐结构的基石。例如，贝多芬《命运交响曲》开头的标志性四音动机，其强大的生命力与无处不在的变体，完美诠释了动机作为核心驱动力的作用。 当动机经过组织与发展，便形成了“乐句”（phrase）。乐句如同语言中的句子，具有相对的完整性，能够表达一个初步的想法。我们会学习如何识别音乐中的乐句界限，理解乐句的起承转合，以及不同乐句之间的呼应与对比如何产生音乐的叙事性。一段旋律由几个乐句组成，它们之间可能通过重复、模进、转调等方式连接，形成一个连贯的“乐段”（period）。乐段是音乐思考的最小独立单元，例如“问-答”式的乐段结构，能够营造出对话般的生动感。我们将详细分析各种常见的乐段类型，如对称乐段、不对称乐段，以及它们在不同风格音乐中的应用。 第二部分：核心的结构——曲式与奏鸣曲式 在此基础上，本书将深入探讨更为复杂的音乐结构，即“曲式”（musical form）。曲式是组织乐段、乐句，乃至更大音乐单元的规范。我们将逐一剖析各种重要的曲式类型： 单二部曲式 (Binary Form)：由两个主要部分组成，通常以关系调或属调结束第一个部分，第二个部分则回到主调。我们将分析其AABB, ABAC等不同变体，以及它们如何构建出简洁而均衡的音乐结构。 单三部曲式 (Ternary Form)：由三个部分组成，通常为ABA结构。中间的B部分常与A部分形成对比，可以是情绪、调性、织体等方面的差异，但最终又回归到A部分，带来一种循环与稳定的听觉体验。我们将深入研究ABACA等扩展形式，以及这种曲式在小型器乐作品和声乐中的广泛应用。 回旋曲式 (Rondo Form)：以一个反复出现的“主部”（ritornello）与其他插入性的“插部”（episode）交替出现为特征。我们将分析其ABACA, ABACABA等不同序列，以及回旋曲式如何营造出轻快、活泼、富有歌唱性的音乐氛围。 变奏曲式 (Variation Form)：以一个明确的主题（theme）为基础，通过一系列的变奏（variations）来展开音乐。变奏可以涉及旋律、节奏、和声、织体、速度、调性等多个层面。我们将探讨不同类型的变奏，如装饰变奏、节奏变奏、和声变奏，以及如何理解变奏之间千变万化的联系与创新。 在所有曲式中，奏鸣曲式 (Sonata Form) 无疑是古典音乐时期最重要、最复杂的结构之一，也是本书重点关注的对象。奏鸣曲式通常包含三个主要部分： 呈示部 (Exposition)：在此部分，作曲家呈现出核心的音乐材料。通常包括主部（primary theme）、连接部（transition）、副部（secondary theme）以及结束部（closing section）。主部与副部通常处于不同的调性（主调与属调，或主调与关系大调），形成核心的冲突与张力。我们将仔细分析呈示部中各部分的特征、连接方式以及调性关系。 展开部 (Development)：这是奏鸣曲式中最具探索性和戏剧性的部分。作曲家将呈示部中的音乐材料进行分解、重组、变形和发展。在这个过程中，调性会发生频繁的变化，音乐情绪也可能经历剧烈的起伏。我们将探讨展开部中常见的作曲技法，如动机的发展、模进、卡农、对位等，以及它们如何制造出音乐的戏剧性。 再现部 (Recapitulation)：在此部分，呈示部中的音乐材料再次出现，但与呈示部不同的是，副部和结束部将回到主调。再现部是对呈示部音乐材料的“解决”，它为音乐带来了稳定与统一感。我们将分析再现部中的调性变化、材料的省略或补充，以及它如何与展开部形成有效的对照。 此外，我们还将触及奏鸣曲式的一些变体和相关概念，例如三部奏鸣曲式（包含一个独立的尾声）、奏鸣曲快板（Sonata Allegro），以及奏鸣曲式的历史演变。 第三部分：多乐章的整体——交响曲、协奏曲与奏鸣曲 许多大型音乐作品，如交响曲、协奏曲、弦乐四重奏以及独奏奏鸣曲，往往由多个相互关联的乐章组成。本书将分析这些多乐章作品的典型结构，以及乐章之间如何形成整体的逻辑与对比： 交响曲 (Symphony)：通常由四个乐章组成，其经典的四乐章布局为：第一乐章（快板，奏鸣曲式），第二乐章（慢板，通常为奏鸣曲式、三部曲式或变奏曲式），第三乐章（小步舞曲或谐谑曲，三部曲式），第四乐章（快板或急板，通常为回旋曲式、奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式）。我们将探讨每个乐章的功能和典型形式，以及四个乐章如何共同构建出宏大而深刻的音乐叙事。 协奏曲 (Concerto)：通常为三个乐章，省略了典型的第三乐章小步舞曲/谐谑曲。其乐章安排为：第一乐章（快板，奏鸣曲式，带有双呈示部，常包含华彩乐段），第二乐章（慢板），第三乐章（快板或急板，回旋曲式或奏鸣曲回旋曲式）。我们将特别关注协奏曲中乐队与独奏者之间的互动、对话，以及华彩乐段（cadenza）的意义与发展。 奏鸣曲 (Sonata, for solo instrument or solo instrument with piano)：其结构通常与交响曲类似，但规模和织体有所不同。我们将分析不同乐器独奏奏鸣曲或键盘奏鸣曲的典型乐章结构和风格特点。 第四部分：音响的维度——织体、对位与和声 形式分析并不仅仅是识别结构的名称，更重要的是理解这些结构是如何通过具体的音乐语言来实现的。因此，本书还将涉足一些重要的音乐语言要素： 织体 (Texture)：我们将分析单音织体（monophony）、主调织体（homophony）、复调织体（polyphony）以及它们在不同形式中的作用。例如，主调织体在古典时期奏鸣曲式的呈示部中常常用来清晰地呈现旋律，而复调织体则常用于展开部，增加音乐的复杂性和密度。 对位 (Counterpoint)：作为复调织体的重要组成部分，对位技法是理解巴洛克时期赋格等复杂形式的关键。我们将介绍对位的一些基本概念，如模仿、卡农、赋格等。 和声 (Harmony)：和声是音乐的“垂直”维度，它为旋律提供了色彩和支撑，并驱动着音乐的行进。我们将探讨不同和声功能（如主、属、下属）在形式结构中的作用，以及调性中心的建立与转换如何支撑起宏大的音乐形式。 第五部分：分析的实践与视角 本书的最终目标是赋予防读者一双敏锐的耳朵和一套严谨的分析工具。我们将提供： 分析方法论：如何系统地入手一部作品，从整体到局部，从宏观到微观进行分析。我们将强调倾听、记谱、识别主题、分析乐句结构、判断曲式、理解调性关系等关键步骤。 风格的理解：不同的音乐时期和作曲家，对音乐形式的运用和理解都存在差异。我们将提及巴洛克、古典、浪漫等时期在形式运用上的特点，并引导读者认识到形式并非僵化的规则，而是作曲家表达思想与情感的载体。 音乐的解读：通过对形式的理解，我们能够更深刻地体会作曲家的意图，理解音乐的情感逻辑，以及音乐作品的内在统一性。形式分析不仅仅是一项技术活动，更是一种通往音乐深层内涵的途径。 本书并非枯燥的理论说教，而是力求通过清晰的阐释、翔实的例子（尽管不直接引用具体作品的乐谱，但会通过对常见音乐模式的描述来帮助理解），引导读者主动去聆听、去发现、去思考。通过本书的学习，您将能够拨开音乐的重重迷雾，洞察其精妙的结构，从而获得前所未有的音乐体验。无论您是音乐学习者、演奏者，还是仅仅热爱音乐的听众，本书都将成为您探索音乐世界不可或缺的指南。它将教会您如何“读懂”音乐，如何在每一次聆听中，感受到那股驱动音符涌动的强大理性与非凡创造力。

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真正让我对这本书爱不释手，并愿意向同行推荐的，是它在拓展思维边界上的巨大贡献。很多音乐分析书籍往往局限于既定的流派或时代框架内打转，内容固化。这本书的可贵之处在于，它不断地在提醒读者，分析工具本身是流动的，是为人服务的，而非僵死的教条。作者会时不时地抛出一个反问句，挑战我们对既定范式的固有认知，促使我们去思考“如果脱离了传统结构，我们该如何描述这段音乐的张力？”这种鼓励批判性思维的引导，远比直接给出标准答案要宝贵得多。它培养的不是“复述者”，而是“思考者”。在最后几章，作者甚至开始探讨一些跨媒介的分析方法，比如如何将视觉艺术的构图原理引入到对音乐形式的理解中，这种前瞻性的视野，让我意识到学习音乐分析不仅仅是回顾历史，更是为未来的创作和理解开辟新的路径。这本书的影响已经超越了单纯的乐理学习，它提供了一种看待世界、理解复杂结构的高级认知框架。

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深入阅读后，我发现这本书的叙事节奏把握得极其到位，它不像有些枯燥的教科书那样，一股脑地将所有理论堆砌在一起，而是采用了一种螺旋上升的讲解模式。初级概念的铺陈轻盈流畅，像是一条缓缓流淌的小溪，让人心神宁静地适应水温。随后，随着章节的推进，难度会自然而然地增加，但作者总能巧妙地在关键转折点设置“知识的锚点”，即之前学过的某个基础概念，并将其与新的复杂结构联系起来。这种前后呼应的设计，让知识体系的搭建过程清晰可见，而不是一堆零散的知识点碎片。我特别喜欢它对一些历史背景的穿插描述，作者并没有将音乐史割裂开来，而是将特定的音乐形式的诞生，紧密地与当时的社会思潮、作曲家的人生轨迹结合起来探讨。这使得学习不再仅仅是机械地记忆“A跟着B，B推导出C”，而是理解了“为什么在那个时代，音乐会以这样的形态出现”。这种深层次的因果分析，极大地提升了阅读的趣味性，让我感觉自己不是在学习一门学科，而是在参与一场跨越时空的对话。这种对知识内在逻辑的挖掘，体现了作者深厚的学术功底和极高的教学智慧。

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从一个实际操作者的角度来看，这本书在工具性和实用性方面做得堪称典范。很多乐理书读完之后，你可能知道了很多理论，但一拿到乐谱却依然感到茫然，无从下手。这本书则完美地解决了这个问题。它不仅仅停留在对“是什么”的解释，更大量的篇幅投入在了“怎么看”和“怎么分析”上。作者提供了大量精选的、具有代表性的乐谱片段作为案例，这些案例的选择可谓是深思熟虑，兼顾了广度与深度，既有巴洛克时期的严谨对位，也有浪漫主义时期的情感喷薄。更重要的是，作者在解析这些案例时，不仅圈出了核心的结构节点，还配以详细的注解，告诉我们应该用什么样的分析工具（比如和声分析、力度对比分析等）去“解构”它们。这就像是拿到了一套高精度的显微镜，让我们能清晰地看到音乐内部的微观运作机制。我尝试着用书中的方法去剖析了几首我一直不太理解的奏鸣曲，那种豁然开朗的感觉，是其他任何阅读体验都无法比拟的，极大地增强了我对复杂音乐的掌控感。

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这本书的封面设计初见之下，着实让人眼前一亮，那种深邃的蓝色调配上古朴的金色字体，仿佛能瞬间将人拉入一个充满历史底蕴的音乐殿堂。拿到手中的质感也很不错，纸张的厚度和韧度都恰到好处，翻阅起来有一种庄重感。我最欣赏的是它在结构布局上的匠心独运，目录清晰得像一张精密的航海图，一下子就能定位到你最感兴趣的章节，这一点对于一个初涉复杂乐理的门外汉来说，简直是福音。书中的排版也处理得非常人性化，字里行间留有的余白足够多，即便是长时间阅读也不会觉得压抑。而且，我注意到作者在引入新概念时，总会先用一些非常生活化、易于理解的比喻来铺垫，这种“润物细无声”的引导方式，让那些原本晦涩难懂的理论知识变得像是老友间的闲聊，让人在不知不觉中就吸收了大量信息。比如，对于奏鸣曲式这种经典结构，作者居然用“建筑的承重墙与装饰性飞檐”来类比，一下子就抓住了核心的骨架与血肉，这种高明的类比手法，极大地降低了学习的心理门槛，让人有信心继续深入下去。这本书给我的第一印象就是：这是一本既有学术深度，又极其注重阅读体验的优秀教材，光是捧在手里，就已经感受到了作者的用心良苦。

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这本书的语言风格，在我看来，是一种极其罕见的“严谨中的灵动”。通常，涉及如此专业和体系化的内容时，语言会不自觉地变得冗长、晦涩，充满了行话术语，让人望而却步。然而，这本书的作者似乎有着天生的“翻译”能力，他能用一种极其精准的词汇，却不失温度的方式来传达信息。例如，对于一些微妙的听感差异，作者使用的描述性词汇非常考究，能精确地捕捉到音乐家试图表达的那种转瞬即逝的情绪波动。在需要定义专业术语时，他会毫不含糊地给出严格的定义，但在解释这些术语的实际应用时，笔锋一转，又变得充满画面感和感染力。这种双重特质，使得这本书既可以作为严谨的学术参考资料，被专业人士奉为圭臬，又可以作为引导初学者进入殿堂的友好向导。我尤其欣赏作者在论述过程中展现出的那种平和的自信，没有丝毫的卖弄或居高临下，只有纯粹地希望读者能理解音乐之美的强烈愿望，这种内在的气度，让阅读过程成为一种享受而非负担。

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