我认识世界:音乐卷

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出版者:东方出版社
作者:(俄)A.C.克林诺夫
出品人:
页数:348
译者:高昶等
出版时间:2002-07
价格:19.50
装帧:平装
isbn号码:9787506015745
丛书系列:
图书标签:
  • 历史
  • 音乐
  • 古典音乐
  • 世界音乐
  • 音乐史
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具体描述

《我认识世界(音乐卷)》作者用新奇的讲述方式、通俗生动的语言,者介绍了关于音乐的传说、音乐的科学、音乐与劳动、乐音的本质、爵士音乐家、古代音乐的缔造者等音乐的基本常识。

《穿越时空的旋律:西方古典音乐简史》 一卷探索西方古典音乐宏大叙事的深度指南 导言:聆听历史的回响 本书旨在为音乐爱好者、初学者乃至专业人士提供一部全面而深入的西方古典音乐历史导览。我们不满足于罗列作曲家和作品清单,而是致力于揭示音乐发展背后的文化、社会和技术驱动力。古典音乐的演进并非孤立的美学事件,它是人类思想、信仰、技术革新与政治变迁的交织产物。 本书将带领读者从公元9世纪的早期教会圣歌开始,沿着时间的河流,穿越中世纪的清冷与庄严,经历文艺复兴的和谐与理性,感受巴洛克的辉煌与激情,步入古典主义的平衡与清晰,最终抵达浪漫主义的个人情感爆发与民族精神的昂扬,直至20世纪现代主义的探索与解构。 我们将重点关注那些标志性的音乐形式的诞生与成熟——如格里高利圣咏、复调的兴起、奏鸣曲式的确立、交响曲与协奏曲的黄金时代,以及歌剧艺术的不断革新。每一次音乐风格的转变,都对应着社会视角的根本性偏移:从对神性的绝对服从,到对个体人性的赞颂,再到对内心世界的无限挖掘。 第一部分:根基与曙光(中世纪与早期复兴:约公元800年 – 1450年) 本部分探讨西方音乐的奠基时期。在漫长而幽暗的中世纪,音乐的主要功能是侍奉上帝。 格里高利圣咏(Gregorian Chant): 我们将深入分析单音音乐的结构、调式系统(教会调式)的构建,以及这些早期音乐如何在修道院中被规范化和传播。这不是简单的旋律,而是与拉丁礼仪紧密结合的冥想工具。 复调的诞生与发展: 这是音乐史上最关键的转折点。从早期的奥尔加农(Organum)到巴黎圣母院乐派(Notre Dame School,如佩罗坦),复调织体的复杂化标志着对声音空间和时间结构的初步控制。我们会详细解析等距对位(Isorhythm)和节奏模式的出现,这些是后来对位法的先声。 世俗音乐的萌芽: 与宗教音乐并行发展的是游吟诗人和游唱艺人(Troubadours and Trouveres)的世俗歌曲。这些作品虽多已失传,但其对爱情、骑士精神和政治讽喻的关注,预示着人文主义思潮的抬头。 第二部分:和谐的觉醒(盛期文艺复兴:约1450年 – 1600年) 文艺复兴的核心是“人”的回归。在音乐中,这表现为对清晰度、平衡性以及文本表达的重视。 人文主义与音乐的结合: 随着印刷术的发展,音乐的传播速度空前加快。作曲家开始致力于使音乐更贴合歌词的情感和含义。 复调的黄金时代: 这一时期的焦点是完美的无伴奏合唱——“纯粹的”人声艺术。我们将重点分析弗兰德斯画派(如雅各布斯·奥布雷赫特、若斯坎·德普雷)如何完善了模仿复调(Imitative Counterpoint)技巧。 宗教改革与反宗教改革的影响: 马丁·路德推动了德语圣歌(Chorale)的普及,使得平信徒也能直接参与音乐崇拜。与此同时,特伦特会议(Council of Trent)对教会音乐进行了规范,促成了帕莱斯特里那(Palestrina)那种清晰、庄严且极富神圣感的“纯净之声”。 世俗音乐的繁荣: 牧歌(Madrigal)成为表达复杂情感的载体,特别是意大利牧歌,其“文字描绘”(Word Painting)技法,生动地将自然景象或情感波动融入音乐结构之中,是巴洛克歌剧的直接前身。 第三部分:炫技与秩序(巴洛克时期:约1600年 – 1750年) 巴洛克,意为“不规则的珍珠”,代表着风格的巨大转变:从复调的交织转向对情感戏剧性的强调,以及数字低音(Basso Continuo)的引入。 歌剧的诞生: 佛罗伦萨的“歌唱学院”(Florentine Camerata)试图复兴古希腊戏剧,催生了以蒙特威尔第(Monteverdi)《奥尔费奥》为代表的早期歌剧,确立了宣叙调与咏叹调的对立。 器乐的独立: 键盘乐器(大键琴、管风琴)和弓弦乐器的成熟,使得器乐创作地位空前提高。奏鸣曲、组曲、协奏曲(Concerto Grosso与独奏协奏曲)形式确立。维瓦尔第的协奏曲结构清晰,成为后世模仿的典范。 对位法的顶峰: 巴赫(J.S. Bach)将巴洛克复调艺术推向了不可逾越的顶峰。《平均律键盘曲集》不仅是技术展示,更是对十二平均律的权威宣言。我们将分析赋格(Fugue)的结构精妙及其内在的逻辑美。 韩德尔的宏伟叙事: 亨德尔的清唱剧(Oratorio),特别是《弥赛亚》,展现了对大型合唱的驾驭能力,体现了巴洛克对宏大结构和崇高精神的追求。 第四部分:清晰与理性(古典主义时期:约1750年 – 1820年) 受到启蒙运动思想的深刻影响,音乐追求清晰的结构、平衡的比例以及普遍可理解的表达,告别了巴洛克时期的复杂装饰。 奏鸣曲式的确立: 这是一个结构决定一切的时代。呈示部、发展部、再现部的三部曲式成为交响曲、奏鸣曲和四重奏的核心骨架,赋予音乐前所未有的逻辑性和戏剧张力。 维也纳古典乐派三巨头: 海顿: “交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”,他奠定了标准交响曲的四乐章结构,并以其幽默感和精巧的展开部著称。 莫扎特: 音乐的“神童”,他在歌剧、协奏曲和室内乐中,将形式的完美与深刻的情感内涵熔于一炉,体现了古典主义的典范之美。 贝多芬的过渡: 贝多芬(特别是早期和中期作品)是古典主义的集大成者,但他通过扩大乐章规模、增加情感冲突和发展部的重要性,为浪漫主义的爆发埋下了伏笔。 第五部分:情感的洪流(浪漫主义时期:约1820年 – 1910年) 个人主义、民族情感、对超自然现象的迷恋,以及对古典主义理性秩序的反叛,构成了浪漫主义的核心驱动力。音乐的主题从“美”转向“真”与“深”。 交响诗与标题音乐的兴起: 音乐开始讲述故事,描绘风景,或表达抽象的哲学概念。李斯特(Liszt)发明的交响诗,打破了传统交响曲的束缚。 浪漫主义器乐的巅峰: 钢琴成为表达个人内心世界的最佳工具。肖邦将波兰民族精神融入如歌的旋律,而舒曼则专注于内省的性格小品。 歌剧的民族化与戏剧化: 意大利的威尔第将歌剧提升为民族精神的象征,侧重于强烈的戏剧冲突和旋律的感染力。在德国,瓦格纳(Wagner)通过“主导动机”(Leitmotif)和“乐剧”(Musikdrama)的理念,试图创造一种囊括一切艺术的“总体艺术作品”(Gesamtkunstwerk),极大地拓展了和声的可能性。 后浪漫主义的扩展: 晚期浪漫主义作曲家(如马勒、施特劳斯)将管弦乐队的规模推向了极限,和声色彩愈发浓郁,试图表达宏大的宇宙观或极端的心理状态。 第六部分:断裂与重构(20世纪至今) 工业化、两次世界大战以及科学思想的冲击,使得传统的美学体系全面崩溃,音乐进入了前所未有的多元探索期。 印象主义与象征主义: 德彪西和拉威尔从印象派绘画中汲取灵感,通过对音色、和声色彩和模糊节奏的探索,营造出朦胧、梦幻的听觉体验,挑战了传统的调性中心。 表现主义与无调性革命: 勋伯格(Schoenberg)认为,在经历了瓦格纳和马勒的极度扩张后,唯一真实的表达就是对内在焦虑和痛苦的赤裸呈现。他发展了十二音体系(Dodecaphony),彻底抛弃了调性,标志着音乐史上一次彻底的断裂。 原始主义与新古典主义: 斯特拉文斯基(Stravinsky)对原始冲动的探索(如《春之祭》)与随后对巴赫、莫扎特等古典大师清晰结构的回归(新古典主义),展示了作曲家在面对失序世界时,尝试从历史中寻找新秩序的努力。 实验音乐与电子合成: 从序列音乐到偶然音乐(约翰·凯奇),再到电子合成技术和计算机音乐的介入,20世纪的音乐探索边界不断被拓宽,我们开始重新定义“音乐”本身。 结语:永恒的对话 《穿越时空的旋律》不仅仅是一本历史书,它是一份邀请函——邀请读者进入一个充满复杂结构、激烈情感与深刻哲思的听觉宇宙。通过理解这些音乐是如何在特定的社会土壤中诞生、发展和演变的,我们可以更深切地体会到,每一次音符的排列,都是人类对自身存在、对时间流逝、对美与真理的永恒探索与对话。

作者简介

目录信息

莫扎特亚马孙河奇遇记
“音乐鉴赏家”与“音乐爱好者”之争
美丽的远古传说
这已经不是故事了
非同寻常的试验
音乐的另一种作用
关于音乐的传说
音乐无处不在
音乐的科学
音乐与劳动
战斗的音乐
教堂里的音乐
寻常百姓的音乐
达官贵人与平民百姓的音乐
同心协力的劳动
谈谈音乐的声音
最主要的东西
从声音的话题谈起
听觉的想象
乐音的本质
“唱出来的”乐音
在无生命的世界里
在活生生的自然界里
谈谈音乐听力
每个声音都有自己的“笔迹”
在“发声”和“倾听”之间
关于共鸣现象
特殊的听觉器官
听觉比视觉更加敏锐
大自然所造就的
颇为有趣的试验
人的音乐才能
绝对视觉记忆力
绝对音响记忆力
大自然的奇迹
让我们亲身来体验
小提琴手约瑟夫・斯拉维克
年轻的谢尔盖・拉赫玛尼诺夫
卓越的才华
读谱
即兴作曲的天才
繁纷复杂的音乐“游戏”
瞬息间的一气呵成
即兴作曲家的比赛
爵士音乐家
古代的音乐缔造者
第一部乐书
故事、神话与传说
乐器大家族的一员
并非偶然的巧合
什么悦耳动听什么刺耳难听
第一件乐器
各式各样的乐器
人类需要乐器
不同乐器的共同点
遵循共同的规律
音质
单乐音的乐器
稀奇的宫廷轶事
号角乐队
不能称做音乐家
可以设身处地想象一下
踏上“合奏”音乐之路
协调一致的演奏
调音师
著名的学者毕达哥拉斯
毕达哥拉斯的独弦琴
毕达哥拉斯音律
一桶蜂蜜加进一勺焦油
让・菲力普・拉莫
毕达哥拉斯计算得过于精确了
害怕狼就别到树林里去
巴赫是第一个支持者
另一位音乐巨匠
颇有教益的乐器史
长笛的奇妙变化
“桦木响物整三根”
排萧传说的余波
普通笛子的演化
一件乐器构成的乐队
再谈古老的长笛
长笛是怎么发声的
怎样缩短气鸣琴弦
短笛变调的问题
井上的汲水吊杆
另一个巧妙的发明
蛇形号的机械
竖琴的遭遇和演化
竖琴是古埃及的乐器
民间传说的保存者
“自由发声弦”乐器
起初活像猎人的一张弓
竖琴演变成了诗琴
竖琴子孙后代的遭遇
保留至今的江湖艺人乐器
弹起手中的三弦琴
小提琴与钢琴
“音乐王国的皇后”
斯拉夫民族的弓弦乐器
在豪华的客厅里
连小提琴也会纵情歌唱
斯特拉迪瓦里的诀窍
怎样制作小提琴
阿马蒂的学生
制作自己的小提琴
重提“斯特拉迪瓦里的诀窍”
老式小提琴有趣的特征
小提琴美妙绝伦的乐音
最主要的秘密
大师的内心歌喉
钢琴的特殊品格
原始的钢琴
琴键机械
极好的多乐音乐器
这毕竟是一种进步
大键盘琴的乐音图
钢琴师巴尔托洛缪・克里斯托佛里
小锤子的敲击
在钢琴内部增加20吨重量
大多数作曲家所喜爱的乐器
乐器的命运
音叉的历史
歌唱家们的“暴动”
让我们认识一下音叉
如果整个乐音排列升高
音乐不仅仅是伟大的艺术
步入音乐厅
台上的乐队
统一的整体――乐队
完美而又庄严的乐队形象
“音乐组合”现象
统一的节奏
调整好的节奏图案
节奏想像力
节奏是乐音的组织者
合奏同一个乐曲
会唱歌的巨大头颅
古希腊的剧场
古希腊剧场里的乐队
有一百个音乐家,也未必称得上乐队
真正的音乐组合
发声方法
乐音色彩的和谐
有亲缘关系的乐器会聚一堂
力争向多乐音发展
“小乐队”
只为自己演出的乐队
多姿多彩的乐队
新的乐音色彩
为乐队的完善做出过贡献
柏辽兹与竖琴
身在乐队才能了解乐队
“曼海姆市的卡佩拉”
所有器乐组已经趋于平衡
交响乐团
今天的乐团
乐团正在登台演出
从指挥站的位置上
最佳的“音乐向导”――指挥
指挥的手势语言
了解一下乐谱
假使没有乐谱的话
最早的尝试
唱诗人的学校
手势指挥法
乐谱构架
多、来、米、发、梭、扛、西
国际通用的乐谱
乐队指挥的功底
指挥大师
是看,还是听?
其他的指挥方法
乐队指挥手中的指挥棒
不约而同的改弦更张
职业指挥家
指挥家的“乐器”
演奏员的导师、监护人和教育家
面向演奏员们
各种复杂的和同时发生的行为
一场悲喜剧
指挥的使命
指挥家与机器人
指挥家需要乐队
优美的旋律
歌曲和舞蹈的旋律
把音乐变得一“听”如故
古典音乐的旋律
普罗料菲耶夫的回信
我们不能离开旋律
似曾相识的旋律
真正的旋律美
旋律是如何进行讲述的
智斗恶狼的彼得
音乐童话剧
讲述女妖的音乐童话
乐音的形象
变换音调多种多样
作曲家安东尼奥・威瓦尔第
音乐的共同情趣
竖琴的乐音
旋律的情趣
我们灵敏的听觉
仁者见仁,智者见智
怎样欣赏音乐
音乐必须以人为本
认识新的东西
为了不陷于尴尬境地
有这样一个概念――体裁
音乐的体裁
浪漫曲的“基本规则”
肖邦与小夜曲
船夫曲的由来
小夜曲及其他
最早的音乐体裁
最了不起的发明
歌曲的纪念碑
有口皆碑
民歌是人民智慧之所在
歌曲的音乐语言
“崇尚风格”的听觉
《儿童画册》
多民族的霍拉舞曲
怎样才使音乐得以保存下来的
口头传诵
1836年11月27日
相得益彰相辅相成
光彩夺目的进行曲
将军进行曲
行进者的画像
欢快的进行曲也在笑
《马赛曲》的来历
“舞曲家族”
舞曲之王――华尔兹
小约翰・施特劳斯
一心只听圆舞曲
所有的音乐体裁都交织在一起
另一个“音乐的圆环”
各种音乐形式在相互融合
“浪子回头”的叙事曲
音乐体裁的重叠
歌喉与乐器的结合
颂歌与清唱剧
在弹奏安魂曲的时候
莫扎特的《安魂曲》
包罗万象的歌剧
交响乐
音乐的变奏曲
美在变换形式
遵循戏剧的规律
海顿和莫扎特
在古典交响乐里
交响乐的音乐主人公
作曲家讲述自己
在音乐会的大厅里
译后记
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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这本书的论述逻辑之严谨和深入,简直让人叹为观止,它不是那种浮光掠影地介绍音乐史或流派的通俗读物,而是真正深入到了音乐理论和哲学思辨的深水区。作者似乎对每一个乐音的出现、每一次和声体系的演变,都有着近乎偏执的探究欲。他没有满足于描述“是什么”,而是不断追问“为什么会是这样”,并辅以大量来自不同文化背景的文本作为支撑,构筑起一个多维度的分析框架。阅读过程中,我常常需要停下来,反复咀嚼那些关于调式功能转换的段落,那种醍醐灌顶的感觉,仿佛原本模糊的音乐结构突然间被清晰的光束照亮。这种层层递进、环环相扣的论证方式,使得全书的知识体系异常稳固,绝不容许任何牵强附会的解释存在。它要求读者具备一定的知识储备,但回报也是巨大的,它彻底重塑了我对音乐结构本质的认知。

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这本书的引文和注释系统设计得非常巧妙,这绝对是区分普通读物和严肃研究著作的关键所在。很多时候,我发现自己被脚注中引用的那些晦涩难懂的德文或法文原著所吸引,那些来自十八、十九世纪乐评人的犀利观点,或是某个学院派大师的严苛批评,往往比正文本身更引人入胜。作者的处理方式是,他不会把所有内容都塞进正文里,而是将那些极具启发性但可能打断阅读流程的“岔路”信息,优雅地放置在页脚。这给予了读者充分的自主权:是快速浏览主线,还是深入挖掘这些“隐藏的宝藏”。我个人非常享受这种“挖掘”的过程,每当跳到脚注里去探寻一番,都会带来意想不到的收获,感觉自己像是在参与一场知识的寻宝游戏。这种对深度阅读者的尊重,在当代出版物中已属难得。

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我注意到作者在叙述风格上展现了一种非常独特的“平衡术”。一方面,他继承了十九世纪学者那种对宏大叙事的掌控力,能够将跨越数百年的音乐变迁描绘得气势磅礴,如同观看一场宏大的历史交响乐。但另一方面,他又极其擅长捕捉那些被主流历史所忽略的、微小的、甚至带有个人色彩的瞬间。比如,对于某个不为人知的作曲家书信中透露出的创作困境的细致描摹,那种细腻入微的笔触,瞬间拉近了读者与历史人物的距离,让人感觉他们不是高高在上的神祇,而是有血有肉的、在创作中挣扎的匠人。这种宏大与微观、理性与感性的交织,使得阅读体验充满了戏剧张力。它没有陷入纯粹的学术枯燥,也没有流于肤浅的情感宣泄,而是在两者之间找到了一个黄金分割点,让人读来既有智识上的满足,又有情感上的共鸣。

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这本书的装帧设计给我留下了非常深刻的印象,那种略带复古的米色封皮,摸上去有着细微的纹理,仿佛能感受到纸张本身的呼吸。中央烫金的标题字体选择了兼具古典韵味和现代简洁的混合体,既不失庄重感,又避免了老气横秋。内页的排版布局也着实花了一番心思,文字行距舒适,留白恰到好处,让人在长时间阅读时眼睛不容易疲劳。特别是章节标题的字体和颜色变化,虽然细微,却精准地引导了读者的阅读节奏,让人在严肃的内容中也能找到视觉上的喘息空间。我尤其欣赏作者在引用一些早期乐理文献时,采用的独特边注处理方式,它不仅提供了背景信息,其本身也像是一个小小的艺术品,与主体文字形成了有趣的对话。这种对实体书制作工艺的重视,让捧读这本书成为一种近乎仪式感的体验,远非普通的批量印刷品可比拟的。它成功地将知识的载体本身提升到了艺术品的高度,让人愿意珍藏,而不是仅仅将其视为一个信息源。

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真正让我感到震撼的是本书对“时间性”和“空间性”在音乐理论中相互作用的阐释。作者没有将音乐视为一种静态的符号系统,而是将其视为一种活生生的、在特定物理空间和时间维度内展开的事件流。他对于不同时代演奏场地的声学特性如何反作用于作曲家的创作意图,进行了惊人的溯源分析。比如,他讨论了巴洛克时期小礼拜堂的混响如何自然地柔化了对位线的清晰度,从而影响了对“清晰性”的审美标准。这种跨学科的视角,将物理学、建筑学、社会学等元素巧妙地编织进了音乐的历史肌理之中。它迫使读者跳出传统的音乐厅视角,去想象音乐诞生时的真实环境。这种环境决定论的视角,极大地丰富了我对音乐作品“语境”的理解,让我明白了音符的背后,蕴含着多么复杂的物质基础和文化契约。

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