可乐总动员Alias/WavefrontMaya三维角色动画创意与制作(含CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京希望电子出版社

作者:邵谦谦

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001-02

价格:46.00

装帧:平装

isbn号码:9787900056696

丛书系列:

图书标签:

• Maya
• 三维动画
• 角色动画
• 可乐总动员
• Alias/Wavefront
• 创意
• 制作
• CG
• 动画制作
• 影视特效

创意视觉的无限可能：探索数字媒体叙事与技术前沿 本书将带领读者深入数字创意领域，聚焦于如何将创新的概念转化为引人入胜的视觉体验。 本书并非关于特定软件的使用手册，而是致力于构建一套系统的、面向未来的数字内容创作思维框架。我们将探讨如何从零开始构建一个富有生命力的故事世界，无论您是独立创作者、小型工作室的动画师，还是寻求突破的影视制作人员，都能从中汲取宝贵的营养。 第一部分：叙事核心——构建引人入胜的数字故事 在所有精美的技术背后，驱动观众情感共鸣的始终是优秀的故事。本部分将深入剖析当代数字叙事（包括动画、游戏过场、沉浸式体验等）的核心要素，强调“概念驱动”的重要性。 1.1 概念的诞生与深化：从灵感到蓝图 我们首先要学会如何捕捉那些稍纵即逝的创意火花。本书将详细解析创意采集、主题提炼的过程。我们不谈论技术工具，而是关注“为什么我要讲述这个故事？” 这一根本性问题。 世界观的逻辑构建： 探讨如何设计一个既具有视觉冲击力又内在逻辑自洽的虚拟世界。这包括对物理法则、社会结构、文化习俗的精细设定。一个成功的世界观，能够自动产生无数的冲突和角色动机。 角色驱动的情感引擎： 深入研究如何塑造立体、可信的角色。重点在于挖掘角色的核心欲望、内在矛盾以及成长弧线。我们探讨的是角色的“灵魂”，而非仅仅是模型的外观。分析成功的角色设计如何通过动作、表情和动态剪影来传达复杂的情感信息。 视觉语言的统一性： 讲解如何通过色彩心理学、光影布局和镜头语言来服务于叙事主题。每一种视觉选择都必须为故事服务，共同营造出特定的氛围和节奏感。本书将通过案例分析，展示如何通过纯粹的视觉元素（而非对白）来推进剧情。 1.2 流程革新：从传统思维到敏捷创作 现代数字内容的制作周期日益紧张，要求创作者必须具备高效的流程管理能力。本书将介绍一套适用于快速迭代和概念验证的创作流程。 故事板的深度运用： 超越简单的画面排列，探讨如何利用动态故事板（animatic）来精确控制影片的节奏和时间感，提前暴露叙事和动作中的潜在问题。 预可视化（Pre-vis）的战略意义： 强调预可视化阶段不仅仅是技术验证，更是艺术决策的关键环节。如何用最快的速度搭建场景布局、测试复杂动作的实现性，从而避免在后期制作中进行昂贵的返工。 跨学科协作的桥梁： 探讨技术实现者（如程序员、技术美术）与艺术创作者（如导演、概念设计师）之间如何建立高效的双向沟通机制，确保技术手段能够完美承载艺术愿景。 第二部分：材质与表现力——超越表面的视觉深度 数字媒体的魅力在于其能够呈现现实世界中难以企及的材质和光影效果。本部分侧重于如何利用先进的渲染理论和材质设计，赋予虚拟物体以“真实感”和“艺术感”。 2.1 表面之下：高级材质的物理模拟与艺术表达 材质是连接观众与虚拟实体的桥梁。本书将避开软件特有的参数设置，转而探讨材质背后的物理原理和设计哲学。 光的交互哲学： 深入探讨次表面散射（SSS）、各向异性（Anisotropy）等高级光照现象的本质，以及它们在不同材质（如皮肤、金属、布料）中的体现。重点在于理解“光线如何被材质吸收、反射、折射”的规律。 纹理的叙事功能： 纹理不应只是表面的图案，更应是物体历史的记录。探讨如何通过程序化纹理和手绘细节，为资产（Asset）注入故事性——例如，磨损、锈蚀、灰尘的沉积，这些细节如何暗示角色的处境或场景的年代。 PBR（基于物理的渲染）流程的艺术化应用： 讲解如何驾驭 PBR 工作流的严谨性，同时不牺牲艺术上的夸张与风格化。如何平衡物理的准确性与视觉的冲击力。 2.2 动态的诗意：运动规律的精妙控制 成功的数字动画不仅仅是“移动”，而是“有目的的运动”。本部分聚焦于如何精确控制物体的动态表现，使其符合物理法则或艺术风格。 节奏与时间控制的艺术： 详细分析“预备动作”、“收尾动作”、“重叠动作”等经典动画原理在现代制作中的应用。如何通过精确控制帧数和缓入缓出曲线，来表达力量的传导、物体的重量感和角色的情绪波动。 流体与布料的模拟艺术： 探讨如何通过解算（Simulation）技术，处理复杂动态元素（如水流、火焰、飘扬的衣物）。关键在于找到模拟的“甜点”——既要保持物理上的可信度，又要避免因过度真实而导致的画面沉闷。 风格化运动的提炼： 分析不同风格（如卡通、写实、定格动画感）运动的本质差异，以及如何通过对关键帧的提炼和动态曲线的调整，实现特定风格的运动目标。 第三部分：沉浸式未来——技术与体验的融合 随着技术的发展，创作者面临着更广阔的画布——从传统屏幕延伸至虚拟现实和实时交互平台。本部分关注下一代数字体验的创作思路。 3.1 实时渲染的生产力革命 实时引擎正在成为主流的制作工具，它极大地压缩了反馈周期。本书将探讨如何利用实时技术，实现“所见即所得”的制作效率。 实时管线中的艺术决策： 讲解如何在保持实时渲染性能的前提下，做出高品质的灯光、后期效果和材质优化。这要求创作者具备更强的系统思维，理解技术限制如何反作用于艺术表达。 交互叙事的探索： 实时环境的最大优势在于交互性。如何设计环境元素和动态事件，使其能够根据观众或玩家的行为做出有意义的反应，从而深化沉浸感？ 3.2 风格的自我定义与前沿趋势洞察 数字创作领域永无止境，本书最后一部分将鼓励读者培养持续学习和自我革新的能力。 打破工具的局限： 强调技术只是实现手段，真正的创新来源于对媒介特性的深刻理解和跨界知识的融合。鼓励读者将电影、戏剧、绘画乃至建筑学的原理应用到三维创作中。 面向未来的创作心态： 探讨如何保持对新兴技术（如神经渲染、AI辅助生成）的敏锐观察，并将其融入到已有的成熟创作框架中，确保作品不仅具有技术的前瞻性，更拥有永恒的艺术价值。 本书旨在提供一个全面、深入且高度强调“思维构建” 的指南，帮助创作者建立起一套坚实的艺术理论基础和高效的制作流程，从而在快速迭代的数字媒体时代，持续产出具有深度和影响力的视觉作品。

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这本书的标题里提到了“CD”，这让我对随书附带的资源充满了期待。在三维制作领域，光有理论是远远不够的，视觉参考和项目文件才是最好的老师。我希望这个光盘（或者链接）里不仅仅是简单的模型文件，而是包含完整的项目场景，最好是那种带有清晰层级结构的、作者亲手制作的示例动画文件。这样我就可以“反向工程”，一层一层剥开看，观察关键帧是如何设置的，曲线编辑器里的切线是如何调整的，灯光是如何布局的。如果能附带一些高质量的教学视频，实时演示作者在操作过程中的思考过程，那就太棒了。这种“手把手带你走一遍流程”的感觉，是单纯阅读文字和静态图片无法替代的沉浸式学习体验。我希望这些资源是稳定可靠的，而不是下载链接失效的“数字废品”。

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从整体上看，我希望这本书能提供一种系统性的学习路径，而不是零散的技巧集合。我希望它能帮助我建立起一套完整的“角色动画思维框架”。这包括从前期对剧本的理解，到中期动画的表演设计，再到后期精修和优化输出的每一个环节。优秀的动画作品是技术与叙事完美结合的产物，我期望这本书能够引导我思考：我希望这个角色在这个时刻给观众带来什么样的感受？我希望通过我的动画，观众能够读懂角色的内心挣扎或喜悦。如果这本书能将那些枯燥的软件操作融入到生动的故事讲述中，让我感觉到自己正在学习的不仅仅是软件，而是一门如何用动态影像来沟通的艺术，那么这本书的价值就无可估量了。我期待它能成为我工作台上那本翻阅频率最高、充满使用痕迹的“圣经”。

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哇，拿到这本书的时候，我简直是迫不及待地想翻开它！我一直对三维动画制作，尤其是角色动画这一块充满好奇，总觉得那些栩栩如生的角色背后一定藏着许多神秘的技巧。这本书的封面设计就非常吸引人，那种充满活力的感觉，让我立刻联想到了那些精彩的动画短片。我特别期待书中能深入讲解从概念设计到最终渲染的完整流程。我希望能看到一些非常实用的操作指南，比如如何捕捉角色的细微表情，如何让肢体动作看起来自然流畅，而不是僵硬的“机器人舞”。毕竟，对于一个想入门或者提升自己的动画师来说，理论知识固然重要，但实际操作层面的“干货”才是最宝贵的。我希望作者能用非常清晰的步骤，配上详尽的图示，把复杂的流程拆解开来，即使是新手也能跟着做一遍，立马上手。如果能分享一些行业内专业的术语解释和快捷键设置，那就更完美了，这将大大提高我的工作效率。

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坦白说，我对“Maya”这个软件本身并不陌生，但要精通它在角色动画中的高级应用，确实需要高手的指点。我更看重的是，这本书是否能提供超越基础界面的深度技巧。比如，绑定（Rigging）部分的讲解是否足够深入？角色的骨骼设置、控制器设计是否兼顾了动画师的操作便利性和最终表演的自由度？毕竟，一个糟糕的绑定设置，会让后续的动画工作量增加一倍。我尤其希望能看到关于布料解算、毛发模拟等高阶物理效果的制作流程。这些往往是让作品从“能看”到“惊艳”的关键。我希望书中的截图和案例都能使用最新的软件版本进行演示，这样我拿着书对照操作时，才不会因为界面和功能上的差异而感到困惑和挫败。毕竟，技术日新月异，一本过时的参考书很快就会失去价值。

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这本书的厚度相当可观，光是这份“分量”就让人感觉内容一定非常扎实、有料。我关注的重点在于“创意与制作”这几个字。很多教程只教你怎么操作软件，但很少有书籍能真正触及到“创意”的核心。我希望作者能花大篇幅探讨如何在动画中赋予角色灵魂，如何通过镜头语言和表演节奏来烘托剧情情绪。比如，一个简单的走路动画，如何通过调整重力感、重心转移来表现角色的性格——是傲慢的领导者，还是胆怯的随从？这些微妙的差别，恰恰是区分“技术”和“艺术”的关键。我很期待书中能有针对不同风格（比如写实、卡通、皮克斯式）的案例分析，展示在不同风格下，角色动画的侧重点会有哪些不同。如果作者能分享一些自己过往项目中遇到的创意瓶颈以及是如何突破的，那简直就是无价之宝了，这比单纯的软件功能介绍要高明得多。

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