具体描述
在欧美音乐中，对古典音乐也有多种解释：1、特指自18世纪中叶至19世纪20年代，以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐，也就是所谓的“维也纳古典音乐”。2、从维也纳古典音乐时代往前推溯至蒙泰威尔第、维瓦尔第、巴赫、亨得尔为主的音乐，甚至更往前推移到欧洲文艺复兴时期的音乐。3、从维也纳古典音乐时代往下延伸到19世纪末、20世纪初的欧美专业音乐，也就是把浪漫派音乐与民族乐派含括进来。在这个意义上，古典音乐与20世纪初发展出来的“现代音乐”形成一个对应的观念。4、把20世纪初以来非纯粹性的现代音乐也包括在古典音乐的范畴里。在这层意义上，古典音乐与严肃音乐概念相合，而对应着轻音乐、流行音乐与通俗音乐。
《古典音乐400年》这一套书涵盖的范围从16世纪的蒙泰威尔第（1567~1643）到20世纪的肖斯塔科维奇（1906~1975）等36位音乐大师，时间的跨度约为400年。
本书以音乐时代为主轴分为八部分。每部分有正册和副册。正册既介绍了作家生平创作，杂以逸闻趣事，具有趣味性和可读性；书内配有大量精美的图片，更适应读图时代的阅读需求。副册为乐曲赏析，选择精当，充分考虑到爱乐者的专业需要。
这套丛书的出版是我国目前音乐出版一次空前规模的推出；是国内的广大音乐爱好者和音乐专业人士的精神大餐，对于古典音乐的普及和推广，提高民族音乐素养和文化水平有切实帮助。
作者简介
许钟荣
职务：董事长
任职单位： 锦绣文化企业（原）
所在地区： 台湾
简历： 台湾大学农化系毕业
台湾大学海洋研究所毕业
曾任中央研究所助理研究�
大地地理杂志创办人
锦绣文化企业董事长
邵义强
职务：台湾成功大学音乐系副教授
曾任音乐美术教师多年，兼任台南神学院音乐系讲师近20年
担任台南市亚洲唱片公司、台北市声美唱片公司、高雄市松竹唱片公司等顾问与解说作者
任台、港地区《音乐生活》、《音乐与音响》、《音乐文摘》、《乐典》等杂志担任执行编辑、主笔等职务
著及编译有关音乐教育、音乐欣赏评介书籍，如《乐林啄木鸟》、《璀璨的音乐世界》等著作达108本
目录信息
《巴洛克的巨匠》
《巴洛克乐曲赏析》
蒙泰威尔第/维瓦尔第/巴赫/亨德尔
第二分卷
《维也纳古典的乐圣》
《维也纳古典乐曲赏析》
海顿/莫扎特/贝多芬
第三分卷
· · · · · · (收起)
读后感
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用户评价
这本书简直是音乐爱好者的一剂强心针，尤其对于那些沉醉于古典乐浪漫主义时期磅礴情感和华丽技巧的听众来说。我从第一页开始就被那种扑面而来的激情和细腻的笔触所吸引。作者似乎拥有某种魔力，能将那些晦涩的乐理知识，通过生动的故事和恰如其分的历史背景，转化为我们可以触摸、可以感受的艺术体验。比如，他对于某位作曲家早期作品中那种挣扎与突破的描绘，读起来就像是在亲历作曲者内心的风暴，那种对形式的挑战和对自由精神的渴求，被文字精准地捕捉住了。我特别欣赏作者在分析乐曲结构时，并没有陷入纯粹的技术分析泥潭，而是始终将技术与情感表达紧密结合。每一次的转调、每一个主题的再现，都被赋予了清晰的情感逻辑。读完一个章节，我立刻会去重听相关的乐曲片段，那种豁然开朗的感觉，就像是第一次看懂了一幅大师的画作，每一个笔触的意义都清晰可见。这不仅仅是一本“赏析”，它更像是一把钥匙，打开了理解浪漫乐派灵魂深处的通道，让人不得不感叹那个时代音乐家们对人类情感光谱的深度探索。
评分说实话，我原本以为这是一本枯燥的学术著作，毕竟“乐曲赏析”听起来就充满了分析和术语。但出乎意料的是，这本书的叙事风格极其流畅且富有画面感。作者的文字功底非常扎实，他擅长用比喻和联想来解释复杂的音乐概念。举个例子，当他描述某一首协奏曲中两个声部如何交织、对话时，他用了类似于史诗电影中英雄与宿敌对决的场景来比拟，这种手法极大地降低了阅读门槛，让即便是对配器法不太熟悉的读者也能立刻抓住核心的戏剧张力。更让我印象深刻的是，作者对不同时期、不同地域的音乐家之间的“精神继承”与“风格碰撞”进行了细致入微的梳理。他并没有将他们孤立地看待，而是构建了一个宏大的艺术谱系图，让你清晰地看到灵感是如何代代相传，又是如何被新的时代精神所扭曲和重塑的。读到后半部分，我甚至产生了一种错觉，仿佛自己正置身于那个沙龙密布、激情燃烧的年代，亲眼见证着这些不朽作品的诞生过程，那种代入感是其他同类书籍难以企及的。
评分这本书的价值，我认为主要体现在它对“时代精神”的捕捉能力上。浪漫乐派的音乐，从来就不是孤立于社会背景而存在的，它与政治变革、哲学思潮、乃至个人命运紧密交织。这本书高明之处在于，它没有将乐曲视为静态的文本，而是将其视为特定历史情境下的“声音化石”。作者在介绍某几首充满民族主义色彩的作品时，深入剖析了当时欧洲的社会动荡和民族觉醒运动，使得那些原本听起来略显沉重的旋律，瞬间充满了历史的重量和人民的呼喊。这种深挖背景的做法，让音乐的感染力提升了数个维度。我个人尤其喜欢其中关于“个人英雄主义”在音乐中体现的章节，那种对自我表达的极端推崇，对崇高与毁灭的迷恋，被作者用非常具有批判性又充满敬意的笔触描绘出来。阅读过程中，我时常停下来沉思，思考这些一百多年前的艺术家们，是如何用五线谱记录下人类永恒的困境和对理想的狂热追求的。
评分我必须称赞作者的选材和编排逻辑，它展现出一种极其成熟的、非线性的叙事智慧。它没有按照传统的作曲家生平时间顺序来排列，而是根据“情感主题”和“技术创新点”来进行模块化划分。比如，他会把所有关于“对自然与无限的渴望”的作品放在一起探讨，不论这些作品出自哪位作曲家之手，这使得听众可以更容易地建立起一种跨越流派的、纯粹的情感连接。这种组织方式极大地提升了阅读的趣味性，避免了传统音乐史阅读带来的疲劳感。书中对“和声语言的突破”这一部分尤其精彩，作者没有简单罗列新的和弦，而是详细解释了这些新和声如何成功地营造出“悬而未决”、“梦幻迷离”或“压抑爆发”的心理状态。读完这一部分，我感觉自己对听音乐时的耳朵被“重新校准”了，过去听到的旋律和和声，现在听起来多了许多层次和更微妙的情绪变化，仿佛从黑白世界进入了高清彩色世界。
评分对于资深乐迷来说，这本书的价值在于它提供的“重新发现”的机会。很多我们耳熟能详的“名曲”，在经过作者的深度剖析后，会展现出前所未见的面貌。作者并非只是重复教科书上的观点，他常常会提出一些独到且富有争议性的解读，这些解读往往基于对初版手稿的细致比对或对历史文献的重新挖掘。例如，他对某位著名钢琴奏鸣曲中某个被认为是“败笔”的段落，提出了一个完全颠覆性的解释，认为那恰恰是作曲家对当时音乐体制的一种反讽。这种挖掘“隐藏信息”的能力，让阅读过程充满了寻宝般的乐趣。我发现自己不再是被动地接受既有结论，而是变成了一个积极的参与者，不断地与书中的观点进行辩论和思索。这本书的印刷和排版质量也非常优秀，注释详尽且引用得体，确保了专业性和可读性之间达到了一个罕见的平衡点，实为音乐爱好者的案头必备佳作。
评分这套书很好的 那时候一直没舍得买 然后就一直跑书店蹭看
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