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出版者:上海教育出版社

作者:童炜钢

出品人:

页数:270

译者:

出版时间:2004-08

价格:15.50

装帧:平装

isbn号码:9787532092079

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 童炜钢
• 博士论文
• 中西交通史
• 东方绘画
• 西方视角
• 艺术史
• 文化交流
• 绘画艺术
• 中国画
• 日本画
• 亚洲艺术
• 艺术批评
• 审美

《西方人眼中的东方绘画艺术》是一本引人入胜的学术著作，深入探讨了西方艺术史学家、评论家和收藏家如何理解、阐释和接纳东方绘画的历程。本书并非对东方绘画本身进行全面梳理，而是将焦点置于东西方文化交流的视角之下，呈现出一种独特的学术视角。 本书开篇，作者首先梳理了西方对“东方”的早期认知，这种认知往往笼罩着神秘、异域和想象的色彩。在尚未有大规模直接接触之前，西方世界的东方形象大多来源于文本、传说甚至是传教士的片面描述。这种模糊的印象，自然也延伸到了对东方艺术的初步想象。随后，本书将重点放在19世纪中叶以后，随着西方列强的东进和贸易往来的日益频繁，东方艺术品开始大量进入西方视野。从日本浮世绘对印象派画家的颠覆性影响，到中国瓷器、丝绸和卷轴画在欧洲沙龙中的惊艳亮相，本书细致地描绘了这一过程。 作者深入剖析了西方艺术家和评论家如何尝试用他们固有的美学框架去解读东方绘画的独特之处。例如，他们如何在西方强调写实主义和透视法的背景下，去理解东方绘画中的平面化构图、象征性色彩和留白艺术？本书详细探讨了诸如“线条的韵律”、“墨色的层次”、“意境的营造”等东方绘画的特质，在被西方学界吸收和转译过程中所经历的误读、重构与再创造。 书中着重分析了几个关键的西方艺术运动与东方绘画的关系。印象派、新艺术运动、野兽派等，都不同程度地受到了东方艺术，尤其是日本版画和中国水墨画的启发。梵高对日本版画的临摹，高更对异域色彩的运用，莫奈对东方园林的描绘，都成为了本书分析的生动案例。作者通过对这些艺术家的书信、笔记和作品的细致考证，揭示了东方绘画元素如何在潜移默化中，影响了西方现代艺术的生成与发展。 除了艺术家的个体创作，本书还关注了西方艺术机构在推广和定义东方绘画中所扮演的角色。博物馆的收藏策略、画廊的展览策划、艺术评论家的评价体系，都在塑造着西方社会对东方艺术的认知。作者揭示了早期西方艺术史学家如何试图将东方绘画纳入其宏大的艺术史叙事中，有时是将其视为“异域情调”的补充，有时则试图从中发掘普适的艺术规律。 本书的另一重要贡献在于，它并没有停留在简单的“影响”论述，而是进一步探讨了西方在解读东方绘画时所可能存在的文化偏见和权力关系。在殖民主义的语境下，“东方”往往被简化和符号化，其艺术也可能被笼统地归为“工艺品”或“装饰品”。本书批判性地审视了这种现象，并呼吁一种更平等、更尊重的跨文化艺术对话。 作者还关注了西方翻译和阐释东方哲学思想与艺术观念的过程。例如，佛教的“禅”意，道家的“虚实相生”，儒家的“天人合一”，这些深刻的哲学思想是如何通过艺术作品，被西方世界所理解和接受的？本书通过解析一些经典的东方绘画作品，如山水画、花鸟画等，来展现西方学者是如何尝试解读其背后蕴含的文化精神和哲学思考。 此外，《西方人眼中的东方绘画艺术》还涉及到西方收藏家对东方艺术品的鉴赏标准和收藏趣味的变迁。从最初的猎奇心理，到后来对东方绘画艺术价值的深入认识，收藏家群体的活动也在一定程度上推动了东西方艺术的交流与碰撞。 最后，本书并非仅仅停留在历史的回顾，而是尝试为当代的跨文化艺术研究提供一种方法论。在全球化日益深入的今天，东西方艺术的界限变得模糊，理解对方的艺术，既需要我们了解其自身的传统，也需要我们审视自身的文化立场。本书提供的正是这样一个视角，它鼓励读者以开放的心态，去认识和欣赏东方绘画艺术，同时也反思西方自身在艺术史发展中的定位。本书内容丰富，论证严谨，对于艺术史研究者、艺术爱好者以及所有对跨文化交流感兴趣的读者，都具有重要的参考价值。

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这本书的论证逻辑严密得令人赞叹，它成功地避免了将东方艺术简单地浪漫化或符号化的陷阱。作者采取了一种“去中心化”的叙述策略，将焦点从传统的欧洲大师转向了那些鲜为人知的、在文化交汇点上进行创作的艺术家们。我印象最深的是其中关于色彩理论的章节，书中对比了当时西方对色彩的科学解析与东方传统绘画中基于哲学和情感的用色理念，指出二者在特定历史时期是如何相互“激活”的。这种对比不是对立，而是融合前的张力。阅读过程中，我时常停下来，去翻阅网络上那些被提及的画作，试图用书中的理论去重新解读它们，这种主动参与式的阅读体验，极大地提升了阅读的深度和乐趣。它不提供标准答案，而是鼓励读者去构建自己的理解框架。

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这是一部充满了温度的作品，它超越了冰冷的艺术史记录，探讨了文化接触中人性层面的复杂情感。作者似乎对那些试图理解“他者”的西方艺术家的迷茫与兴奋感同身受。书中对一些信件和日记片段的引用，让那些历史人物变得立体而真实，他们对遥远国度的想象与现实图景之间的巨大落差，构成了强大的戏剧张力。我特别关注到书中对“手工艺”与“纯艺术”界限模糊的处理。在西方艺术界努力将自己从工匠身份中抽离时，东方那些精湛的装饰艺术却以一种截然不同的姿态进入了视野，并被重新定义。这本书以一种近乎诗意的笔调，描绘了不同文明在审美上的“意外相遇”，它揭示的不仅是艺术史的走向，更是一种跨文化理解的艰难而美丽的历程。读完后，我感到自己对“美”的定义也变得更加宽广和包容了。

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这部作品的笔触细腻入微，尤其是在描绘那些跨越了文化壁垒的艺术交流时，那种微妙的张力与和谐被展现得淋漓尽致。作者似乎有一种魔力，能够将那些尘封已久的史料，重新赋予生命，让读者仿佛置身于十九世纪末的巴黎沙龙，亲眼目睹那些东方艺术元素如何像一股清新的风，席卷了西方艺术界。我尤其欣赏他对印象派画家们如何从日本浮世绘中汲取灵感这一主题的深入探讨。那些色彩的运用、构图的打破，不再是简单的模仿，而是一种深层次的文化对话。书中对细节的捕捉达到了令人称奇的地步，例如某位画家工作室里一幅屏风的摆放位置，如何影响了他对光影处理的转变，这种宏大叙事与微观观察的完美结合，让整本书读起来充满了探索的乐趣。它不仅仅是在陈述历史，更是在解构一种艺术现象的产生和演变，让人不禁反思，真正的“艺术”是如何在碰撞中诞生的。

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这本书的叙事节奏把握得相当高明，它没有采用线性叙事，而是通过一系列相互关联的个案研究，构建起一幅关于艺术互动的全景图。我特别喜欢它对那些早期收藏家和中间人角色的刻画。正是这些在文化边缘游走的人物，无意中或有意地将那些远方的审美趣味引入了欧洲的艺术圈。书中对某些早期展览目录的复原和解读，简直像侦探小说一般引人入胜，那些被遗忘的标签、模糊的描述，都被作者通过严谨的考据工作重新定位。这使得我们对“东方主义”的理解，不再停留在理论层面，而是落脚于具体的文物和画作之上。每一次对一件作品的剖析，都像是在剥开一层历史的迷雾，让我看到了艺术品跨越地理限制时所经历的身份转换和意义重塑。对于任何对全球艺术史感兴趣的人来说，这本书都是一个不可多得的参考坐标。

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读完这本书，我最大的感受是它提供了一种全新的视角来审视我们习以为常的艺术史。过去我们总是习惯于从内部视角去理解东方艺术的传承与发展，而这本书则巧妙地架起了一座桥梁，让西方评论家那些略带“异域情调”的好奇心，如何被转化成推动艺术革新的强大动力。作者对“他者”凝视的分析非常犀利，他没有简单地褒贬这种凝视是殖民式的还是欣赏式的，而是将其放在一个更广阔的现代性语境下考察。比如，书中对德加对舞者描绘与同时期东方版画中人物动态处理的对比分析，就极其精彩。那不仅仅是形式上的借鉴，更是一种对个体在现代社会中存在状态的共同追问。语言风格上，它不像传统学术专著那样枯燥，反而充满了散文般流畅的节奏感，读起来像是在听一位博学的长者娓娓道来那些陈年往事，却又字字珠玑，引人深思。

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