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出版者:新蕾出版社

作者:颜宝臻

出品人:

页数:47

译者:

出版时间:1994-11

价格:6.80

装帧:平装

isbn号码:9787530715215

丛书系列:

图书标签:

• 速写
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《浮光掠影：一瞥现代都市的灵魂与肌理》 内容简介： 《浮光掠影》并非一本描绘具体景物的写实画册，也非专注于某一特定艺术流派的理论专著。它是一部关于现代都市生活瞬间感知、情绪捕捉与内在疏离的文学与哲学散文集。本书以其独特的“掠影”视角，邀请读者穿梭于钢铁森林的缝隙、霓虹灯下的边缘地带以及人潮汹涌中的个体孤岛。 全书结构松散而内在统一，由数十篇独立却相互呼应的短篇章节构成，每一章都像一次快门极短的曝光，试图定格那些常被日常奔波所忽略的“存在时刻”。作者摒弃了宏大叙事，转而聚焦于极微小的细节——例如，清晨地铁车厢里人们疲惫的眼睑、便利店里冰柜散发出的微弱蓝光、雨后柏油路上积水对天空的扭曲反射、以及在深夜咖啡馆里，两个陌生人之间电波般无声的交流。 第一部分：光影的几何 本部分着重于描绘现代都市空间的物理特性及其对人类心理的影响。作者深入探讨了“垂直化”生存的焦虑。高耸入云的摩天大楼，它们象征着效率与资本的胜利，但在作者笔下，却成了遮蔽星空、压缩个体内心的巨大屏障。章节如《混凝土的叹息》和《玻璃幕墙的自恋》深入剖析了建筑材料如何无声地塑造着居民的心态——从封闭到反射，从坚硬到易碎。这里没有对城市景观的赞美，更多的是对功能至上主义所带来的情感贫瘠的反思。 作者以细腻的观察力，捕捉了光线在城市中的“行为”。阳光如何被分割成锐利的几何图形投射在人行道上，路灯如何在黄昏时分率先“觉醒”，以及LED屏幕那冷峻的、永不疲倦的白光如何取代了自然光的温暖。这些光影的舞蹈，构成了城市的情绪底色——一种高效、疏离而又充满压抑的躁动。 第二部分：时间切片与瞬间的重力 《浮光掠影》的精髓在于对“瞬间”的执着。作者相信，真正的生活不是由漫长的历史或清晰的计划构成的，而是由无数个被快速遗忘的瞬间堆叠而成。本部分致力于挖掘这些“重力时刻”——那些因为其短暂性而具有强大冲击力的情景。 例如，在一篇题为《零点五秒的对视》的篇章中，作者描述了在拥挤的人群中，与一个陌生人意外目光相接的短暂瞬间。在那极短的时间内，两个完全不相干的生命体共享了某种未言明的理解或恐慌，随后便被人流冲散，再无交集。这种“短暂的共谋”成为了一种现代生活的隐秘仪式。其他章节则探讨了等待红灯时对时间流逝的感知扭曲、社交媒体信息流刷新的机械性节奏，以及对“即时满足”文化的内在批判。时间在这里被分解为碎片，每一个碎片都承载着沉重的现实重量。 第三部分：数字时代的幽灵与触觉的缺失 随着故事深入，作者将视角转向技术如何重塑了人与人之间的连接方式，以及随之而来的“触觉饥渴”。在信息的洪流中，个体变得异常“可见”，却又异常“不可触及”。 《虚拟的皮肤》探讨了屏幕作为介质的悖论：它极大地扩展了我们的交流范围，却也形成了一层厚厚的、隔绝真实体温的薄膜。作者关注那些沉迷于屏幕反射光芒的人，他们的手指在冰冷的玻璃上滑动，寻找着不再需要承诺的陪伴。本部分充满了对“在场”的渴望与“缺席”的无奈。 此外，书中也穿插了对消费主义文化中“物质的符号意义”的探讨。新的电子产品、流行的服装款式，它们如何迅速地被符号化，又如何在下一次迭代中被无情地抛弃？这些物品的生命周期，成为现代人焦虑和身份构建的缩影。 文学风格与主题思想 《浮光掠影》的语言风格是克制而富有张力的。作者擅长使用精确的动词和意象强烈的名词，避免冗余的形容词堆砌。其叙事结构模仿了意识流的跳跃性，时而冷静地记录，时而突然插入一段哲思式的独白。 本书并非旨在提供解决方案或清晰的道德指南。相反，它是一面镜子，映照出当代城市生活所特有的那种“高饱和度下的低密度情感”。它提醒读者，在被效率和连接性高度武装的世界里，真正的意义和温暖，往往隐藏在那些最不起眼、最容易被我们“速写”掉的瞬间之中。这是一本献给所有在喧嚣中试图听清自己心跳声的人的非虚构观察集。它邀请读者慢下来，不是为了看清全貌，而是为了更深刻地体会那“一瞥”的重量。 适合读者： 对城市社会学、现象学观察、现代哲学思考以及细腻的纪实文学爱好者。尤其适合那些在快节奏生活中感到精神倦怠，渴望重新连接自身感知力的读者。

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这本画册，拿到手里沉甸甸的，纸张的质感非常好，那种带着微微粗糙的触感，让人忍不住想去触摸每一个线条。我本来对速写学习有点望而却步，总觉得那得是天赋异禀的人才能玩转的玩意儿，但这本里面的内容，完全颠覆了我的认知。它没有上来就给你一堆复杂的解剖学或者光影理论，而是像一个经验丰富的老画师，手把手地带你走进观察的世界。开篇的那些“随手涂鸦”的示范，看似随意，实则充满了对物体动态的精准捕捉，寥寥数笔，人物的精气神就跃然纸上。我特别喜欢它讲解“动态速写”的那一部分，不是干巴巴地告诉你“要画出动感”，而是通过分解动作，比如“行走时重心是如何转移的”、“手臂挥动时身体的扭转角度”，用非常直观的线条图来展示。我试着模仿了几次，哪怕只是一个简单的侧身站立，都能感觉到自己的线条一下子“活”了起来。对于我这种基础薄弱的初学者来说，这种由浅入深的引导，简直是雪中送炭，让我不再惧怕手中的铅笔。这本书的排版也很有心思，留白恰到好处，不会让人感觉信息量过载，每翻一页都是一次视觉的放松和知识的吸收。

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我是一位已经有一定基础的插画师，这次尝试翻阅这本作品，主要是想看看它在“风格化速写”方面能提供什么新思路。老实讲，大部分速写书都会强调“准确性”，但这本书的高明之处在于，它明确鼓励我们在准确的基础上进行“夸张”和“变形”。其中有一节专门探讨了“情绪的线条表达”，作者通过对比同一个人物在“喜悦”和“疲惫”状态下，肩线、脊柱和五官线条的细微变化，非常精妙地阐述了如何用线条本身来传递情感的重量。我印象最深的是它关于“建筑速写”的章节，通常这部分内容都很枯燥，但作者用一种近乎表现主义的手法，去捕捉光影在老建筑上投下的强烈对比，几乎是用“情绪”在描绘砖石的纹理，而不是简单的结构复制。这对我启发很大，我开始尝试将这种高对比度的处理方式应用到我的人物设计中，发现作品的张力和故事性立刻提升了一个层次。这本书真正做到了“术道兼备”，它既有扎实的技法基础，又不被传统束缚，鼓励读者去寻找自己独有的“速度与激情”。对于想要突破瓶颈、寻求创作新方向的进阶学习者，这本书无疑是一剂强心针。

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说真的，市面上那些强调“速”的书，往往忽略了“写实”的根基，画出来的人物像火柴人，缺乏内在的生命力。但这本《速写》在速度和深度之间找到了一个非常奇妙的平衡点。我尤其对其中关于“材料特性表现”的篇幅印象深刻。比如，它如何仅用几种深浅不同的笔触，就能清晰地区分出皮革的厚重、丝绸的飘逸和牛仔布的粗粝感。作者没有使用复杂的排线技巧，而是通过对边缘线的控制——是硬朗的断裂感，还是柔和的过渡感——来暗示材质的物理属性。我以前画衣物总是画得像块平板，自从学习了这部分内容，我开始关注褶皱的“形成逻辑”，而不是简单地描摹褶皱本身。这种由内而外的理解，让我的速写作品从“物体表面的描摹”上升到了“对三维形体的把握”。此外，书中穿插了一些作者在不同城市、不同天气下完成的速写作品案例，这些案例的背景介绍非常详尽，让我们能清晰地看到环境因素是如何影响最终的线条选择和墨色浓淡的。这是一本非常注重“情境化学习”的优秀教材。

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坦白说，我买过好几本关于快速绘画技巧的书，大部分都成了我书架上的“装饰品”，因为它们要么过于学院派，要么就是空洞的理论堆砌。但这一本，给我的感觉是“实用”二字写在了封面上。我最欣赏它对“观察与提炼”这个核心理念的深入剖析。作者似乎非常理解现代人碎片化的学习习惯，因此每一章的结构都非常清晰，可以直接针对性地解决某个绘画痛点。比如在处理复杂场景的速写时，它提供了一套“留白策略”——哪些是需要刻画的重点，哪些是可以通过暗示性线条带过的背景元素，这极大地提高了我的效率。我拿它去咖啡馆尝试“偷拍”路人的时候，过去总是因为紧张和时间不够而画得一团糟，但遵循了书中的“三秒捕捉”原则后，我竟然能快速抓住人物的关键特征，比如他专注看手机时的头部角度，或者他喝水时嘴唇的微小动作。这本书的价值不在于教你画得“像”，而在于教你如何在一瞬间“理解”你看到的东西，并迅速将其转化为具有个人风格的视觉语言。这对于需要大量现场练习的艺术学习者来说，绝对是一本可以随身携带的“速成宝典”，内容紧凑，干货十足，绝不拖泥带水。

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我是一名艺术系的学生，需要大量的草图积累来支持我的毕业设计。坦白讲，我更习惯于使用数位板进行创作，对于传统媒介，特别是铅笔和炭笔的“即时反馈”有些生疏。然而，这本画册的“互动性”和“启发性”让我重新爱上了纸笔的直接对话。它最大的特色在于，它将“速写”的概念从“快速的草稿”扩展到了“思维的速写”。在讲解人物动态捕捉时，它没有固定的步骤，而是给出了一系列“问题驱动型”的练习，比如“如果这个人正在极度不耐烦地等待，他的身体会是什么形状？”、“如果他刚刚完成了一次长跑，他的手臂应该如何放松？”。这种引导方式迫使我的大脑进入一种快速、联想式的思考模式。我发现，当我不再纠结于每一个细节的完美时，我的整体构图反而更具张力。这本书的语言风格也很有感染力，它充满了对艺术创作过程的热爱与激情，读起来就像是听一位导师在旁边鼓励你大胆尝试。它教会我的不仅仅是画画的技巧，更是一种面对空白画布时，敢于下笔的勇气和探索未知的精神。

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