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目录信息
第一章 用两种耳朵倾听音乐
第二章 音乐的基本要素
第一节 旋律
一、声乐旋律与器乐旋律
二、旋律的一般结构及其发展
第二节 调式与和声
一、西洋大、小调式体系及其和声
二、五声调式体系及其和声
三、其它调式简介
第三节 节奏
一、常规节奏
二、非常规节奏
第四节 织体与音色
一、织体的类别
二、音色的表现意义
三、常见的音色组合方式
第三章 曲式
第一节 动机、乐节及乐旬
第二节 乐段
一、一部曲式
二、单二部曲式
三、单三部曲式
四、复二部曲式
五、复三部曲式
第三节 回旋曲式
第四节 变奏曲式
一、严格变奏曲
二、自由变奏曲
第五节 奏鸣曲式
一、呈示部
二、展开部
三、再现部
第四章 乐器
第一节 西洋乐器
一、木管乐器
二、弓弦乐器
三、铜管乐器
四、打击乐器
第二节 中国乐器
一、吹管乐器
二、弹拨乐器
三、拉弦乐器
四、民族打击乐器
第五章 乐队
第一节 西洋乐队的常见编制
一、管弦乐队
二、管乐队
三、铜管乐队
四、室内乐乐队
第二节 中国民族乐队的常见编制
一、吹打乐队
二、丝竹乐队
三、打击乐队
四、民族管弦乐队
第六章 音乐作品的体裁（一）
第一节 前奏曲、练习曲
一、前奏曲
二、练习曲
第二节 无言歌、船歌
一、无言歌
二、船歌
第三节 舞曲、进行曲
一、舞曲
二、进行曲
第四节 夜曲、序曲
一、夜曲
二、序曲
第七章 音乐作品的体裁（二）
第一节 重奏曲
一、贝多芬《F大调弦乐四重奏》（Op.18.No.1）
二、德沃夏克《F大调弦乐四重奏》（Op.96）
第二节 小夜曲
第三节 奏鸣曲
第四节 组曲
第八章 音乐作品的体裁（三）
第一节 协奏曲
一、巴赫《勃兰登堡协奏曲》第二首
二、勃拉姆斯《D大调小提琴协奏曲》（Op.77）
第二节 交响曲
第三节 交响诗
第九章 音乐作品的体裁（四）
第一节 歌剧
一、概述
二、比捷的四幕歌剧《卡门》
第二节 舞剧
一、概述
二、斯特拉文斯基的《春之祭》
第十章 音乐作品的体裁（五）
第一节 歌曲
一、概述
二、民歌
三、创作歌曲
第二节 戏曲音乐
一、概述
二、主要剧种简介
第三节 曲艺音乐
一、概述
二、曲艺音乐的发展和曲种分类
三、唱腔体式
四、音乐特点
第十一章 音乐的风格及流派
第一节 巴洛克时期的音乐
第二节 古典时期的音乐
第三节 浪漫时期的音乐
第四节 十九世纪末至二十世纪以来的音乐
一、印象主义音乐
二、新古典主义音乐
三、表现主义音乐
四、序列主义音乐
五、偶然音乐
六、电子音乐
· · · · · · (收起)
读后感
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用户评价
这本书的实用性强到令人惊叹，简直可以称得上是“音乐鉴赏的瑞士军刀”。我过去参加过一些讲座，往往讲者只罗列“这个作曲家很伟大，因为他如何如何”，但这本书却提供了“如何去验证”他伟大的具体路径。书中提供的那些“听力训练清单”和“对比聆听示例”，设计得极其精妙。它们不是简单地让你去听一首曲子，而是引导你去对比同一主题在不同时代、不同风格下被演绎出来的细微差别，比如巴赫的严谨与德彪西的朦胧。通过这种对比练习，我的耳朵变得异常敏锐，以前听着都差不多的段落，现在能清晰分辨出配器、力度和织体上的差异。这种“动手实践”式的教学法，远比死记硬背的知识点要牢固得多，我感觉自己的音乐品味在潜移默化中得到了质的飞跃。
评分这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种低饱和度的莫兰迪色调搭配上优雅的衬线字体，立刻就营造出一种沉静而又不失格调的艺术氛围。我本来还担心内容会是那种枯燥乏味的理论堆砌，但翻开内页后才发现，排版处理得极为考究。作者似乎非常注重阅读体验，大段的文字之间留白恰到好处，即便是面对复杂的乐理概念，也能让人感到呼吸顺畅，不至于在密集的文字中迷失方向。尤其值得称赞的是，书中穿插的那些高清的乐谱插图和乐器结构图，清晰度极高，即便是初学者也能轻易辨认出音符的位置和乐器的构造细节。这不仅仅是一本教材，更像是一件精美的艺术品，让人愿意长时间地捧在手里细细品味。封面材质的选择也很有质感，拿在手里分量适中，显示出出版方的用心，绝对配得上它所承载的知识价值。
评分我得说，这本书在叙事逻辑上简直是大师级的构建。它并没有采取那种横冲直撞、上来就抛出一大堆术语的传统教学模式。相反，作者像是耐心的向导，从最基础的听觉感知入手，像剥洋葱一样，一层层揭示音乐的奥秘。我特别欣赏它处理“情绪与和声”关系的那几个章节，作者巧妙地运用了大量日常生活中的场景来类比，比如将大小调的转换比作心情的起伏，将复调的交织比作人际关系的复杂性。这种将抽象概念具象化的手法，极大地降低了学习门槛。读到后来，我感觉自己不再是单纯地在“学习”音乐，而是在“感受”音乐的流动和变化，思维仿佛被打开了一扇全新的窗户，对以往听过的许多经典曲目都有了更深层次的理解和共鸣。这套梳理脉络的方式，实在高明。
评分这本书的“进阶”设计非常人性化，它平衡了入门者和已有一定基础读者的需求。对于新手来说，前几章内容讲解得细致入微，如同手把手教学，完全没有压力感。但当我们翻到后半部分时，会发现作者开始探讨一些更为深奥的领域，例如现代主义音乐中的十二音体系或者极简主义的结构逻辑。更重要的是，即便是这些高深的理论，作者也保持了克制和清晰，从不故作高深地使用晦涩难懂的行话，而是用清晰的逻辑链条将复杂的体系梳理清楚。这让我感到非常受用，因为这意味着我不是在“读完”这本书后就束之高阁，而是可以随着自己音乐知识的增长，不断地“回溯”和“重新理解”书中的后半部分内容，它具有极强的生命力和反复阅读的价值，是一部真正能伴随学习者成长的工具书。
评分要说这本书有什么让我感到意外的，那就是它对“时代背景”的融入程度。很多音乐书在讲技术时，就把历史背景抛到一边了。但这本书恰恰相反，它非常强调音乐是如何作为特定历史时期的“文化回声”而存在的。比如，它在讲解浪漫主义音乐时，会穿插介绍当时的社会思潮、工业革命对乐器制造的影响，甚至是哲学思潮对音乐家创作观念的冲击。这使得我们理解音乐不再是孤立的艺术行为，而是整个人类文明进程中的一个重要节点。这种宏观视野的构建，让原本以为是纯粹的艺术欣赏，变成了一场生动深刻的文化史考察。阅读过程中，我常常需要停下来查阅相关的历史资料，感觉自己像是一个穿越时空的观察者，去体验贝多芬创作《命运交响曲》时，世界正经历着怎样的风云变幻。
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