笛子基础教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国戏剧出版社

作者:彦 平

出品人:

页数:176

译者:

出版时间:1999-3-1

价格:18.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787104013112

丛书系列:

图书标签:

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《竹韵悠扬：中国传统乐器入门与赏析》 一、本书概述：开启传统音乐的探索之旅 《竹韵悠扬：中国传统乐器入门与赏析》是一部全面而深入的导览书籍，旨在引导初学者走进中国传统音乐的广阔天地，特别是对那些对丝竹管弦、弹拨吟唱充满好奇的读者。本书并非聚焦于某一种乐器的技法教学，而是提供一个宏观的视角，系统性地梳理和介绍中国主要传统乐器的历史渊源、分类体系、独特音色、演奏特点以及它们在中国文化中的地位与意义。 本书的编写理念是“重在理解，贵在欣赏”，它致力于打破传统乐器学习中常见的技术壁垒，使读者在没有深厚音乐基础的情况下，也能领略到中国传统音乐的独特魅力与深厚底蕴。我们将从乐器的“前世今生”讲起，探寻它们如何在历史的长河中演变、融合，最终形成如今我们听到的经典形态。 二、内容深度剖析：多维度构建知识体系 本书内容结构严谨，共分为六大部分，每一部分都侧重于不同维度的知识普及与文化解读： 第一部分：华夏之声——传统乐器的历史脉络与分类系统 本部分首先确立了中国传统乐器的宏大背景。我们将追溯中国古代“八音”的起源，即根据材料划分乐器的早期系统（金、石、土、革、丝、竹、匏、木）。随后，重点介绍现代通行的分类方法，如“乐器家族”的概念，主要基于演奏方式（吹奏、拉奏、弹拨、打击）进行划分。 详细阐述了乐器分类的演变过程，例如，介绍古琴、琵琶、二胡等核心乐器如何在不同朝代（如唐代的燕乐、宋代的词牌、明清的戏曲）中被赋予了新的角色和技术规范。通过大量的历史图谱和文献引用，展现乐器形态的细微变化，使读者明白手中的乐器是如何历经千年打磨而成的。 第二部分：丝与竹的对话——吹奏乐器的音色哲学 虽然本书不侧重于具体乐器的指法教学，但对吹奏乐器（如笛、箫、唢呐、笙等）的音色特性和美学价值的探讨是核心内容之一。 1. 笛与箫的对比研究： 深入分析笛子的“高亢明亮”与洞箫的“幽远深沉”在音色构建上的差异。探讨竹材的选择、音孔的排列如何影响其在不同曲牌中的表现力。例如，介绍曲目《姑苏行》中笛子如何通过滑音和花舌模仿江南水乡的灵动，而箫在表现《平沙落雁》时如何营造出空旷辽远的意境。 2. 管乐的合奏艺术： 重点介绍唢呐与笙在民间音乐，特别是戏曲和婚丧嫁娶中的核心地位，分析它们如何在嘈杂的环境中凸显其穿透力和表现力，以及它们与打击乐器配合时所形成的特殊节奏张力。 第三部分：弦动心弦——弹拨与拉奏的叙事能力 本部分聚焦于最具叙事性和表现力的弦乐器群体，包括古筝、古琴、琵琶、二胡、板胡等。 1. 古琴的“言外之意”： 详细解读古琴的“文人音乐”属性，讲解徽位、散音、泛音的概念，并探讨“减字谱”如何记录情绪而非绝对音高。通过分析如《流水》等名曲，阐释古琴如何通过微妙的指法变化表达“空灵”与“哲思”。 2. 琵琶的“武曲”与“文曲”： 剖析琵琶的“扫、轮、扫”等基础技法在构建宏大叙事（如《十面埋伏》）和细腻描绘（如《昭君出塞》）中的作用。 3. 二胡的“人声化”表达： 探讨二胡的弓法与揉弦技巧如何使其音色无限贴近人声。分析不同地域流派（如江南丝竹与北方拉弦）在二胡情感处理上的地域性差异。 第四部分：金石之声——打击乐器的节奏基石 打击乐器常被视为音乐的骨架，本章将不再把它们视为简单的伴奏元素，而是提升到“节奏美学”的高度来讨论。 介绍大鼓、钹、锣以及小型木鱼、梆子等，分析它们在戏曲锣鼓点中的功能性划分——如“头槌”（开场）、“收尾”和“过门”。探讨大型民乐合奏中，定音鼓（如堂鼓）如何通过力度和密度变化，引导观众的情绪走向，并介绍不同地域的鼓板文化，如潮州大锣鼓的复杂节奏层次。 第五部分：融合与新生——民乐合奏的现代演绎 随着时代发展，传统乐器不再局限于独奏或小型民间合奏，大型民乐团的建立标志着新的发展阶段。 本部分分析了民乐团的编制结构（高、中、低音声部如何构建和声基础），以及指挥在引导不同音色、平衡强弱方面的挑战。着重介绍经典合奏曲目，如《春江花月夜》、《赛马》，分析作曲家如何运用传统乐器的特性来描绘宏大场景和复杂情感，实现跨乐器间的“对话”。 第六部分：走进生活——传统乐器与当代文化 最后，本书将目光投向当代，探讨传统乐器在现代流行音乐、影视配乐中的应用。分析如何将传统乐器的音色元素融入现代作曲技法，使得古老的乐器焕发出新的生命力。这部分旨在激发读者的创造性思维，鼓励他们在欣赏之余，思考传统音乐的传承与创新之路。 三、阅读价值与受众定位 本书适合所有对中国文化、民族音乐感兴趣的读者。无论您是零基础的音乐爱好者、希望为孩子选择入门乐器方向的家长，还是正在学习其他乐器（如笛子、古筝等）希望拓宽视野的学员，本书都能提供一个全面、清晰、且富有文化深度的知识框架。它不是一本“如何练习”的工具书，而是一部“为何如此动听”的文化解读志。通过本书，读者将能更好地理解音乐背后的历史重量与人文情怀，从而真正实现从“听到”到“听懂”的飞跃。

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细节处理上，这本书简直达到了变态的程度，每一个小小的标注和图示都透露出作者对读者的体贴入微。我注意到，在讲解某些需要精确控制力度或角度的地方时，作者不仅使用了清晰的线条图，还贴心地用不同颜色和阴影来强调关键受力点或运动轨迹的微妙差别，这种多维度信息的叠加，极大地降低了理解的难度。此外，书中对术语的定义也做到了前所未有的严谨，每当引入一个新概念，作者都会立刻提供一个简洁明了的定义，并辅以一个形象的比喻来巩固记忆，确保读者不会在术语的迷宫中迷失方向。更令人称赞的是，书中对于“常见错误分析”这一板块的构建，几乎囊括了初学者会遇到的所有陷阱，并且针对每一个错误，都给出了“为什么会犯错”的深层原因分析，而非仅仅是“这样做是错的”，这种对错误成因的深挖，无疑能帮助我们从根本上避免走弯路，避免形成错误的肌肉记忆。

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这本书的内容编排逻辑简直可以用“庖丁解牛”来形容，层层递进，脉络清晰得让人拍案叫绝。初学者往往最怕面对晦涩难懂的理论，但作者似乎深谙此道，开篇就用一种极其口语化、充满生活气息的方式，将最核心的概念娓娓道来，完全没有高高在上的姿态。随后，每一个章节的过渡都自然得像是水到渠成，前一个知识点未解的疑问，总能在下一个章节中得到完美的衔接和解答。我尤其欣赏它对实践环节的重视，理论讲解完毕后，总会紧接着附带一系列精心设计的练习题组，这些练习并非机械的重复，而是巧妙地将不同技巧进行组合和变化，强迫读者调动全局思维去应对。这种由浅入深、螺旋上升的结构，让学习过程充满了探索的乐趣，而不是枯燥的填鸭式灌输。读完其中几章，我感觉自己对整个领域的认知框架一下子被搭建起来了，那种豁然开朗的感觉，是其他同类书籍从未带给我的。

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这本书的作者文笔极具个人魅力，读起来简直像是在听一位技艺精湛的老师傅在炉火旁闲谈家常，却字字珠玑，蕴含着深厚的功力。他的叙述风格时而幽默风趣，时而又深沉凝重，仿佛一个多面的智者，用最朴素的语言讲述着最深刻的道理。书中穿插的一些个人经历和行业轶闻，更是神来之笔，它们不仅调剂了略显严肃的学习内容，更重要的是，让读者真切地感受到作者对这门技艺的热爱与执着，这种情感的传递是任何冰冷的公式或教条都无法替代的。我发现自己常常在阅读那些并非直接教授技巧的段落时停下来，反复品味其中蕴含的人生哲理，它早已超越了一本纯粹的技艺手册的范畴，更像是一部关于专注、坚持与追求极致的“心灵鸡汤”，但它的“鸡汤”绝不廉价，而是浸透了无数汗水和经验的精华。

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如果说一本好的书是能改变一个人学习习惯的，那么这本书无疑具备这样的潜力。它成功地打破了传统教程中那种“知道是什么”和“能做到什么”之间的巨大鸿沟。它不满足于教会你“做什么”，更着重于引导你理解“为什么这样做有效”，以及“如何根据自身情况进行微调”。书中多次强调了“个体差异”的重要性，鼓励读者不要盲目照搬书本上的范例，而是要学会倾听自己身体的反馈，去探索最适合自己的节奏和方法。这种强调内省和自我校准的教育理念，使得这本书真正成为了一个“引路人”，而非一个“指挥官”。它培养的不是一个只会模仿的匠人，而是一个懂得思考、能够自我修正和持续进步的学习者。这种思维模式的塑造，才是这本书带给我最宝贵、也是最持久的财富。

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这本书的装帧设计简直是吹毛求疵的典范！封面采用了一种哑光处理的纸张，触感细腻温和，拿在手里就像捧着一块温润的玉石，让人爱不释手。色彩搭配上，设计师显然下了不少功夫，那种深沉的黛青色与点缀其间的金色纹理，营造出一种古典而又不失现代感的氛围。内页的纸张选择也极其考究，米白色的纸张既保护了读者的视力，又让墨水的呈现效果显得格外清晰雅致。排版布局更是体现了匠心独运，字体的选择兼顾了易读性和美观性，段落之间的留白恰到好处，使得整本书看起来疏朗有致，即便是长时间阅读也不会感到丝毫的拥挤和压迫。装订部分更是无可挑剔，平整而坚固，让人相信它能够经受住岁月的考验。总而言之，这本书在视觉和触觉上都给人带来了一种极高的愉悦感，仅仅是翻阅的过程，就已经算是一种享受，这绝对是市面上很多追求快速消费的书籍所无法比拟的。

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