刘天华创作曲集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:刘育和

出品人:

页数:80

译者:

出版时间:1954-1

价格:7.20元

装帧:

isbn号码:9787103007099

丛书系列:

图书标签:

• 刘天华
• 二胡
• 中国传统音乐
• 民族音乐
• 古典音乐
• 乐谱
• 器乐
• 独奏
• 教材
• 音乐

古韵新声：二十世纪中国音乐的辉煌足迹 《古韵新声：二十世纪中国音乐的辉煌足迹》 是一部宏大而细致地梳理二十世纪中国音乐发展脉络的权威著作。本书并非聚焦于某一位音乐家的创作合集，而是以宏观的视野，深入剖析了近百年间，中国音乐在民族音乐传统与西方音乐思潮激烈碰撞、交融并最终实现创造性转化的波澜壮阔的历史进程。 本书的结构严谨，内容涵盖了从清末民初的“西风东渐”初期，到新中国成立后的社会主义音乐建设高潮，再到改革开放后多元化探索的各个阶段。全书分为上下两卷，共计二十章，旨在为读者提供一个全面、立体、多维度的二十世纪中国音乐图景。 第一卷：变革与奠基（1900-1949） 本卷重点探讨了中国音乐在传统与现代之间艰难而富有创造力的摸索时期。 第一章：晚清遗韵与新思潮的涌动。 追溯传统戏曲、说唱音乐在近代社会结构变动下的困境与转型。讨论以柳尧儿、王洛宾等为代表的民间音乐家在地域文化中孕育新声的努力。 第二章：留洋学子的归国与学院体系的建立。 详细考察了第一批赴日、赴欧学习音乐的仁人志士，如萧友梅、黄自等人，如何将西方和声学、对位法、管弦乐队编制等引入中国，并在上海、北平等地创办音乐学校，为现代音乐教育奠定基础。 第三章：新音乐的萌芽与早期实践。 重点分析了早期艺术歌曲（“新歌”）的创作特征，探讨它们如何运用中国传统五声音阶和意境，结合西方曲式结构，试图表达民族精神。本书特别收录了对早期合唱运动的考察，揭示音乐在救亡图存中的社会动员功能。 第四章：民族管弦乐的初步探索。 论述了在有限的乐器资源下，音乐家们如何尝试改编传统乐曲，并开始对民乐乐器进行标准化改造的努力。这部分内容详述了早期民族器乐合奏的形态及其对日后民族管弦乐发展的意义。 第五章：歌剧与话剧音乐的早期探索。 考察了现代音乐戏剧形式的引进与本土化尝试，分析了早期作品在叙事结构、人物塑造上如何挣扎于传统文学审美与西方戏剧理论之间。 第六章：民间音乐的田野考察与理论梳理。 记录了如杨荫浏、王洛宾等音乐人类学家在广阔土地上的田野工作，梳理了不同地域音乐文化的特点，强调了民间音乐是民族音乐之根的重要论断。 第七章：战时音乐的抗争与凝聚力。 聚焦抗日战争时期，音乐如何成为鼓舞士气、宣传抗战的有力武器。分析了许多深入人心的进行曲和抗战歌曲的音乐特征及其强大的社会感染力。 第八章：解放区的音乐创作与群众路线。 探讨了在革命根据地，音乐创作如何转向服务工农群众，出现了大量通俗易懂、充满生活气息的新民歌和宣传歌曲的创作范式。 第二卷：建设与多元（1950-2000） 本卷聚焦于新中国成立后，中国音乐在国家主导下的快速发展、风格的定型、以及改革开放后的思想解放与风格回归。 第九章：社会主义音乐道路的构建（1950s）。 分析了“向苏联学习”的模式对中国音乐创作的深刻影响，包括交响乐、大型合唱、民族歌剧等体裁的规范化和国家级院团的建立。 第十章：民族风格的自觉与融合。 详细考察了在确立了“学习苏联经验”的基础上，音乐家们如何努力寻找和体现“中国特色”。探讨了如何运用中国传统音乐的“骨架”（如曲调、节奏型）来“填充”西方的曲式和配器。 第十一章：大型音乐体裁的里程碑式作品。 选取了数部重要的交响乐、歌剧、大型音乐舞蹈史诗进行深入的音乐分析，揭示其在和声语言、配器技巧上对中西方经验的吸收与转化。 第十二章：十年特殊时期的音乐生态。 客观描述了特定历史时期内，音乐创作的题材限制与艺术表达的简化，以及音乐家群体的生存状态。 第十三章：改革开放初期的思想解放。 考察了1970年代末期，音乐界对西方严肃音乐（如印象派、序列主义等）的重新接触，以及对僵化模式的反思和批判。 第十四章：通俗音乐的兴起与市场化转型。 细致分析了“西北风”、校园民谣等流派的出现，标志着音乐创作从单一的“主旋律”向多元市场化的重要过渡。探讨了流行音乐如何率先打破传统藩篱，成为反映社会变迁的窗口。 第十五章：民族管弦乐的成熟与跨越。 重点介绍了这一时期民族管弦乐队编制的完善、配器法的精细化，以及在作品中对传统丝竹、板头根等技法的创造性运用，使其达到了前所未有的艺术高度。 第十六章：当代作曲家的个人探索与国际视野。 聚焦一批具有国际影响力的作曲家，分析他们如何在坚持民族文化身份的同时，积极吸纳20世纪后半叶的西方先锋音乐技巧（如电子音乐、空间音乐、新复调等），形成了个人鲜明的风格体系。 第十七章：音乐教育体系的反思与革新。 讨论了音乐学院课程设置在引入西方现当代音乐理论、加强对民族音乐学研究深度等方面的改革举措。 第十八章：音乐评论与理论研究的专业化。 梳理了二十世纪下半叶重要的音乐美学思潮，包括对“民族性”、“人民性”、“现代性”等核心概念的争论与定义。 第十九章：民族音乐的保护与数字化。 探讨了在快速城市化进程中，对濒危的戏曲、说唱和少数民族音乐进行抢救性记录和研究的努力。 第二十章：世纪之交的展望。 总结二十世纪中国音乐“继古开今”的成就，并对二十一世纪音乐发展可能面临的机遇与挑战进行了审慎的预估。 本书配有大量珍贵的历史图片、乐谱片段和详尽的文献资料，是音乐史学者、研究人员、专业音乐工作者以及所有对中国近现代音乐史感兴趣的读者不可或缺的工具书与思想指南。它忠实记录了中国音乐家们在时代洪流中，为创造出既植根于民族土壤又面向世界舞台的崭新音乐而付出的不懈努力与光辉成就。

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说实话，我是一个对老一辈音乐家作品有着近乎偏执的追求者，因此我对市面上各种版本的乐谱都保持着审慎的态度。这部《刘天华创作曲集》在我看来，最成功的一点在于它成功地平衡了“学术严谨性”与“演奏可操作性”。很多学者整理的版本，虽然考据精确到每一个音符的来源，但在实际演奏时，却常常因为标记过于晦涩而令人望而却步。而这里的处理方式，则巧妙地运用了现代的记谱法，使得那些经典的、带有时代烙印的演奏技巧，得以用最直观的方式呈现出来。例如，对于某些需要特定演奏姿态才能达到的效果，书中附带的图示或文字说明，非常到位，避免了初学者因为姿势不当而导致的声音受损。我个人感觉，这本书的价值，尤其体现在对早期音乐作品的版本比对上，它似乎隐晦地指出了不同时期录音版本之间的细微差异，这对于研究者来说，是极具启发性的。购买它，就像是得到了一把解读特定时代中国音乐风貌的钥匙，让人感受到那种扎根于传统却又不拘泥于形式的创新精神。

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作为一名长期在高校音乐教育岗位上工作的人士，我接触过形形色色的教材，但很少有能像这部作品集一样，让我产生强烈的推荐欲。它的编排逻辑堪称典范。它不是简单地按照创作年代堆砌曲目，而是似乎建立了一个内在的“技术递进线索”。你会发现，学习早期的作品，为理解后期那些更为复杂、技巧更成熟的作品打下了坚实的基础。这种潜移默化的引导，是那些零散出版的单行乐谱所不具备的系统性优势。此外，对于伴奏部分的乐谱，虽然只是简易的钢琴伴奏谱，但其和声进行的选择，却非常衬托主旋律的特点，既不过于抢戏，又有效地烘托了情绪。我曾尝试用它来指导一些入门级的学生，发现他们对于音乐的“层次感”的把握，明显比只看单谱要快得多。这种从宏观结构到微观细节的全面覆盖，使得这本书不仅仅是一本“演奏指南”，更是一本“音乐欣赏与分析”的入门读物。如果你想真正理解作品背后的艺术构思，这本书是绕不开的必经之路。

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我得承认，我对这些传统经典曲目的理解，常常停留在表面的音符堆砌上。直到我开始研习这本书中对“速度变化”和“力度对比”的精妙处理建议，才真正体会到什么是“音乐的呼吸”。这里的标记，已经超越了通用的“快板”、“慢板”等术语，而是用更加富有画面感的描述来引导演奏者。比如，对于某一乐段的处理建议中，提到了“如泣如诉”、“如临深渊”这样的词汇来提示演奏的内心状态，这种将情感融入技术指导的方式，极大地激发了我的演奏热情。我发现，当我尝试去模拟书中所描述的“情感状态”时，手指自然而然地找到了最合适的运弓或拨弦力度，声音质量也得到了显著提升。这本书的排版对于不同水平的演奏者也体现出了包容性：基础的指法清晰可见，而对于高难度技巧，则提供了详尽的“进阶提示”，使得不同阶段的学习者都能从中找到自己的切入点。它就像一位耐心且富有远见的老师，陪伴你从蹒跚学步到最终的成熟演绎。这本书的收藏价值和学习价值，在我看来是等同的。

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这部乐谱集实在是一部珍宝，光是翻开目录，那种对民族音乐的敬畏感就油然而生。我特别喜欢其中对二胡独奏曲的编排，不仅仅是音符的简单记录，更能感受到编者在试图捕捉演奏者呼吸与情感的流动。比如，其中收录的几首经典作品，在处理滑音和揉弦的处理上，提供了非常细致的指引，这对于我们这些非科班出身但又热爱传统器乐的人来说，简直是雪中送炭。很多时候，书本上的标记往往过于学院派，但这里的标注似乎更贴近舞台演奏的实际感受，让你在练习时，仿佛能听到大师在耳边指导。而且，排版清晰度极高，即使是复杂的指法变化，也能一目了然。我最近正在钻研其中一首略显冷门的练习曲，发现它对左手手指独立性的训练效果显著，远超我之前使用其他教材的体验。这本书的价值，绝不仅仅在于“收录了什么”，更在于“如何引导你进入音乐的灵魂深处”。如果说有什么遗憾，可能是一些大型合奏曲目在没有配上详细的乐队分谱时，略显单薄，但瑕不掩瑜，作为个人学习和参考的资料，它已经达到了顶尖水准。

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拿到这本乐谱集的时候，最先吸引我的是它那种厚重而又不失文雅的气质。封面设计虽然朴素，却透露出一种历经岁月沉淀的音乐力量。我是一名古筝演奏者，虽然主要精力不在于此，但抱着学习和拓宽视野的心态去翻阅，却意外地发现了许多可以迁移到筝乐演奏中的理念。特别是关于“意境营造”的篇幅，虽然是用器乐的术语来阐述，但那种对“气韵”的强调，对于任何一种中国传统乐器都是通用的哲学指导。书中对节奏处理的细微差别，比如何时可以自由处理“散板”的节奏，何时又必须严格服从节拍器，提供了非常实用的案例分析。我尝试着用书中的一些速度标记去演奏我自己的曲目，发现原本略显生硬的乐段，一下子变得灵动起来，充满了呼吸感。这套书的深度，在于它超越了单一乐器的限制，触及了中国音乐审美的核心。它不是一本速成的秘籍，而是一部需要你投入时间去“品读”的艺术指南。我尤其欣赏它对曲式结构的解构，将复杂的段落清晰地划分，使学习者可以循序渐进地把握作品的全貌，而非仅仅停留在指法记忆上。

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只练了闲居吟

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