Photoshop 7.0和Illustrator 10素材纹理大 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:清华大学出版社

作者:夏国伟

出品人:

页数:400

译者:

出版时间:2003-6-1

价格:38.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787302066361

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• Illustrator
• 纹理
• 素材
• 设计
• 图像处理
• 平面设计
• 图形设计
• Photoshop 7
• 0
• Illustrator 10

《光影魔术手：数码影像处理与创意表达》 本书聚焦于现代图形设计与数码影像处理的核心技术，旨在为读者提供一套全面、深入且高度实用的操作指南。我们不涉及Adobe Photoshop 7.0或Illustrator 10的特定版本功能，而是将目光投向更广阔、更前沿的影像处理范畴与矢量创作哲学，涵盖从基础概念到高级工作流程的全面建构。 第一部分：数字图像的基石与解析 本部分将彻底解构数码影像的底层逻辑。我们将从像素的本质、色彩空间（如sRGB、Adobe RGB与CMYK的实际应用场景）的精确选择与转换入手，深入探讨分辨率在不同输出介质（印刷、网络、大尺寸喷绘）上的最佳实践。文件格式的选择不再是简单的“存为”，而是基于性能、兼容性与质量的战略决策——TIFF的无损压缩优势、JPEG的优化策略，以及PNG在透明度处理上的不可替代性。 色彩管理与校准： 深入讲解ICC色彩管理系统的构建，从显示器硬件校准到打印机特性文件的获取与应用。这不是理论堆砌，而是旨在确保“所见即所得”的实战教程。我们将详细演示如何设置工作空间以应对跨平台协作的挑战，以及如何进行灰平衡与色彩平衡的微调，以达到商业级印刷所需的色彩精准度。 图像的非破坏性编辑哲学： 传统上对图像的修改往往是破坏性的。本书倡导以非破坏性的方式进行图像的精细处理。我们将详细剖析“图层蒙版”、“调整图层”的层级结构与混合模式的真正含义，以及它们如何协同工作以实现复杂的视觉效果，而无需触动原始数据。学习如何利用通道信息进行精准选择，这远比简单的“魔棒”工具来得高效与可靠。 第二部分：现代影像处理的核心技法 本部分摒弃对特定旧版本工具的依赖，转而关注那些跨越版本的、更具通用性的高级处理技术。 精细抠图与合成的艺术： 掌握超越简单边缘选择的高级抠图方法。我们将聚焦于应用通道混合器进行发丝、半透明物体的分离，利用边缘细化工具的参数调校，以及如何通过光影匹配和透视校正，将不同来源的元素无缝融入一张新的场景中。合成不仅仅是图层的堆叠，更是光线、阴影和环境氛围的重建过程。 高级影调与色彩重构： 告别单一的“曲线”或“色阶”调整。本书会深入讲解如何利用“高光”、“中间调”和“阴影”的独立控制，实现戏剧性的光影对比；如何使用HSL（色相、饱和度、亮度）工具进行局部色彩的精准干预，以塑造特定的情绪基调（例如电影感的冷暖对比）。学习使用LUTs（查找表）进行快速的风格化处理，并理解其背后的数学原理。 纹理与细节的提升： 纹理的处理是赋予图像深度的关键。我们将探讨如何运用高频/低频分离技术（频率分离）来分别处理细节（如皮肤的毛孔）与影调（如皮肤的光滑度），确保在锐化和磨皮过程中不会损失质感。对于环境纹理，则侧重于如何通过叠加、混合和应用智能滤镜，增强建筑、布料或自然场景的真实感。 第三部分：矢量图形：精确、伸缩与逻辑构建 本部分完全转向矢量世界的构建逻辑，这与像素处理的随机性形成鲜明对比，强调几何的精确性与无限的缩放能力。 贝塞尔曲线的深度掌控： 理解锚点、句柄与切线角度之间的微妙平衡。本书提供了一套系统的练习方法，帮助设计师从机械地拖拽控制点，转变为直观地“绘制”理想的曲线路径。掌握如何利用组合路径（合并、减去、交叉）来创建复杂的几何形状，而非依赖繁琐的徒手绘制。 网格工具与渐变网格的革新： 网格工具是实现复杂色彩过渡和三维立体感的利器。我们将演示如何利用网格点对颜色和透明度进行多点控制，模拟真实世界中的光照和体积感，这在绘制图标、产品草图或插画时效果尤为突出。 排版与版式设计的矢量化表达： 矢量图形在处理文字和版式时具有无可比拟的优势。讨论如何将文字转化为轮廓，进行艺术化处理；如何精确控制字距、字偶距与行距，以构建清晰、专业的版面结构。学习如何使用符号（Symbols）功能来管理重复元素，提高设计效率和文件的一致性。 第四部分：工作流程与项目管理 本部分关注如何将技术能力转化为高效的工作流程。涵盖文件命名规范、资产管理策略、处理大型多页文档的性能优化技巧，以及如何有效地与协作方进行文件交接，确保项目能够顺畅推进至最终交付阶段。本书强调的是一套现代、高效、适应未来平台变化的图形设计思维框架。

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我必须承认，当我看到“Illustrator 10”这个版本号时，我的内心是有点抗拒的。毕竟，现在的CC版本功能强大到令人眼花缭乱，谁还会去关心一个十几年前的旧版本呢？然而，这本书的作者显然深谙“万变不离其宗”的道理。它用大量的篇幅，讲解了矢量图形的核心概念，比如“锚点密度对曲线平滑度的影响”、“路径合并与减去的布尔运算逻辑”等等。这些底层逻辑，无论是Photoshop 7.0还是最新的CC 2024，其原理都是相通的。当我用这些旧知识去反观我日常处理复杂矢量图时发现的效率瓶颈，我忽然明白，很多时候我们操作变慢，不是因为软件不够快，而是因为我们对基础的理解不够扎实。这本书就像是给我的设计思维做了一次彻底的“除尘和重置”，让我跳出了对新功能盲目追逐的怪圈，重新拾起了对图形本质的敬畏。

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说实话，我最初对这本书的期待值非常低，毕竟市面上充斥着太多速成手册和功能速查表，我需要的只是一本能快速解决当前项目燃眉之急的工具书。然而，这本书的深度和广度，让我这个自诩为“设计老鸟”的人都感到汗颜。它对于色彩理论的探讨，简直可以称得上是一篇小小的学术论文了。它没有简单地告诉你CMYK和RGB的区别，而是深入剖析了不同显像技术下色彩的物理特性，以及在印刷和屏幕输出过程中，如何通过精确的色彩管理来避免“见光死”的尴尬局面。特别是关于“半色调网点”的章节，作者竟然能用如此清晰的图示，解释了传统印刷中如何通过点阵模拟出连续色调的效果，这在很多现代软件教程中都是被一带而过的内容。阅读这本书的过程，与其说是学习软件操作，不如说是在进行一场关于视觉传达的哲学思辨。它迫使你停下来思考，你手中的工具，究竟是如何将你的想法转化为真实的视觉语言的。这种对基础原理的坚守，让这本书散发着一种历久弥新的价值。

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天哪，我简直不敢相信自己竟然错过了这么一本“宝藏”！我是在一个旧书店的角落里偶然翻到它的，当时就被封面上那种带着强烈时代感的排版和略显粗糙的印刷质量吸引住了。我本来以为这只是一本普通的入门指南，毕竟“Photoshop 7.0”这个名字一听就让人联想到那个遥远的年代，那个我们还在为每一个图层样式而绞尽脑汁的青葱岁月。然而，当我真正翻开它时，我发现它远远超出了我的预期。它没有那些现在动辄上百页的厚厚手册那样堆砌着晦涩难懂的专业术语，反而更像是一位经验丰富的老前辈，用最朴实无华的语言，手把手地教你如何理解那个时代软件的底层逻辑。我记得其中有一章专门讲了“路径的魔力”，用非常形象的比喻，把贝塞尔曲线的复杂性描绘成拉橡皮筋的游戏，让我这个过去一直对钢笔工具望而却步的人，豁然开朗。那种感觉，就像是重新回到了学习设计的原点，去感受每一个像素和每一个锚点的意义，而不是仅仅停留在套用模板的层面。这本书最大的魅力在于它的“纯粹性”，它让你沉下心来，去体会软件的精髓，而不是被层出不穷的新功能所迷惑。

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这本书最让我感到意外和佩服的地方，在于它对“素材”与“纹理”的系统化梳理，这绝对不是简单地罗列素材库。作者似乎在用一种近乎人类学的角度，去解构自然界和人造物中的纹理构成。书中有很多手绘的草图，来演示如何通过基础的滤镜组合，模拟出岩石的粗粝感、金属的光泽感，甚至是布料的纤维走向。这些步骤的分解异常细致，精确到了每一步参数的调整范围。我过去总是依赖预设效果，而这本书，却是在教我如何“创造”这些效果，如何自己去“调制”出独一无二的表面质感。这种知识的沉淀，是任何快速教程都无法比拟的，它赋予了读者一种“内功”。读完这本书，我不再仅仅是一个软件的使用者，更像是一个数字世界的“材质炼金术士”，对每一个纹理背后蕴含的视觉信息都有了更深一层的洞察和掌控力。

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这本书的装帧设计，透露着一种上个世纪末特有的“工业美学”。厚实的纸张，略微泛黄的边缘，似乎每翻动一次，都能闻到一股油墨和纸张混合的，带着年代感的独特气味。我把它放在我的设计工作台上，它本身就成了一种装饰品。更让我惊喜的是，它在探讨设计理念时所采用的视角，简直是复古到了一种前卫的程度。它没有像现在流行的扁平化设计那样追求极致的简洁，而是大量展示了那个时代特有的“拟物化”设计案例，那些富有立体感、纹理细腻的按钮和界面元素，在今天看来，反而有一种难得的“温度感”。书中的排版本身也是一个学习的范本，它大胆地使用了不对称的布局和强烈的视觉引导，这在当时的教材中是相当突破的。它教给我的不仅仅是如何使用工具，更重要的是，如何看待“美”的定义是如何随着时代和技术一起演变的。这本书仿佛是一部时间胶囊，记录了一个设计风格的黄金时代。

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