平面港之图形创意

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出版者:中国美术学院出版社
作者:成朝晖
出品人:
页数:71
译者:
出版时间:2002-3
价格:18.00元
装帧:
isbn号码:9787810830591
丛书系列:
图书标签:
  • 平面设计
  • 图案
  • 设计
  • 内地
  • 平面设计
  • 图形创意
  • 视觉传达
  • 创意灵感
  • 设计技巧
  • 港口元素
  • 城市景观
  • 艺术设计
  • 创意平面
  • 设计参考
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具体描述

《平面港之图形创意》主要内容为:图形概述、图形语言特性、图形创意的思维方法等。作为现代信息交流的主要媒介之一的图形设计,其研究与开拓来源于格式塔心理学,即研究人们在生活中的经验与印象,对物像产生的整体感觉,从而对图形进行发想构成。格式塔心理学理论反对那种把知觉过程视为被动记录刺激信号过程的“脑似水桶理论”的知觉理论,它认为任何结构在人们看来都不是匀整的,因为记录感官信息的“书板”具有某些内在的特性,大脑并不是原封不动地把刺激信号都留在记录信息的“书板”上,而是把它们存入预先安排好的各个部位里。人们的知觉偏爱简单的结构、直线、圆形以及其他的简单秩序。在混乱的外部世界往往易于看清的是有规则的形状,而不是杂乱的形状。格式塔心理学重现事物的形式,更重视人的心理,强调心理固有的组织特征,并以物理学的力学、电学等方法来研究心理学。格式塔心理学提出图形论,即当外物与艺术形式中体现的力的式样与某种人类感情生活包含的式样达到异质同构对应时,事物与艺术形式就具备了人类情感的性质。阿恩海姆认为,对于艺术形式的审美知觉,本质上是对其中式样的知觉,即一旦某两个特定事物在大脑中激起的式样在结构上相似时,即使这两个事物的外表和种类都不相同,但引起的情感经验或本身具有的情感表现性也会相同;同样,如果某种外部事物或艺术形式在大脑中激起的式样与某种情感生活所具有的式样同形,那么,就可以用这种可见的艺术形式或事物去再现或表现内在的和不可见的情感生活。

《平面港之图形创意》并非一本专注于平面设计软件操作技巧的书籍,也并非详尽罗列各种图形设计法则的百科全书。它更像是一场关于视觉语言的探索之旅,一次对“图形”这一基础构成元素在平面领域无限可能性的深度挖掘。本书旨在打开读者的思维,鼓励他们超越既定的框架,从更广阔的视角去理解和运用图形。 这本书的起点,是“港”——一个象征着汇聚、交流与转化的空间。在《平面港之图形创意》中,“平面港”寓意着一个信息与灵感交织的平台,各种视觉元素在此汇聚,碰撞出新的火花。在这里,传统的几何图形可以焕发新生,具象的符号可以抽象出更深层的含义,而看似杂乱的点、线、面,也能被组织成富有表现力的视觉叙事。 本书不会直接教授你如何使用Photoshop或Illustrator的某个具体工具,而是深入探讨图形的本质属性。它会引导读者去思考:为什么某些图形组合能够传达特定的情感?不同文化背景下的图形符号各自承载着怎样的意义?色彩与形态的搭配如何影响信息传递的效率与美感?作者将通过丰富的案例分析,拆解成功的平面设计作品,展示创作者如何巧妙地运用图形的逻辑、节奏、比例和空间关系,从而构建出引人注目、信息清晰的视觉系统。 《平面港之图形创意》强调的是“创意”的过程,而非“技术”的堆砌。它鼓励读者拥抱实验精神,不惧怕打破常规。书中会介绍一些非常规的图形生成方法,例如从自然界、建筑结构、甚至是抽象的数学公式中提取灵感,再将其转化为平面视觉语言。它会探讨如何通过形变、叠加、解构、重组等手法,赋予静态图形以生命力,使其能够诉说故事,引发共鸣。 本书的另一大亮点,在于它对“意义”的追寻。图形不仅仅是形式,更是意义的载体。作者将带领读者深入理解图形的象征性、隐喻性,以及它们在不同语境下的多重解读。如何通过图形的微妙变化来传达复杂的情感?如何在有限的平面空间内,构建出具有深度和层次感的视觉层次?这些都是本书着重探讨的问题。它会鼓励读者关注图形的“言外之意”,让每一个图形都服务于最终想要传达的核心信息。 《平面港之图形创意》同样关注图形在现代设计中的应用。无论是品牌标识、海报设计、信息可视化,还是用户界面设计,图形都扮演着至关重要的角色。本书会通过一系列前瞻性的案例,展示图形创意如何驱动设计的发展,如何塑造品牌的个性和认知,以及如何有效地提升信息的可读性和用户体验。读者将了解到,一个出色的图形创意,不仅仅是视觉上的愉悦,更是策略性的思考和精准的执行。 本书的语言风格力求简洁、清晰,但又不失深度和启发性。作者避免使用过于专业或晦涩的术语,而是通过生动形象的描述和精妙的例子,让读者能够轻松理解并吸收其中的理念。全书贯穿着一种开放和鼓励的态度,希望激发每一位读者内心的创造潜能,让他们在未来的设计实践中,能够更加自信地驾驭图形的力量。 《平面港之图形创意》是一本献给所有对视觉传播抱有热情的设计师、艺术家,以及任何希望提升自身视觉表达能力的人的书。它不是一本速成指南,而是一份长期的启示录,一份邀请,邀请你一同走进“平面港”,在那里,图形的无限创意,正等待着你的发掘和创造。

作者简介

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读后感

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用户评价

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读完这本书的感受,就像是跟随一位技艺精湛的导师进行了一次私密的、无声的深度对话。它没有那种填鸭式的说教,而是通过大量精选的案例和旁白,巧妙地引导读者去探索图形背后的思维路径。我特别欣赏作者在处理“概念转化”这一环节时的那种严谨和细腻,如何将抽象的、转瞬即逝的灵感,通过系统的设计语言固定下来,形成具有生命力的视觉符号。书中对不同文化背景下图形符号演变的梳理,也让人耳目一新,它提醒着我们,任何成功的创意都植根于深厚的文化土壤之中,脱离了语境的图形设计是苍白无力的。这种深度剖析,远超出了市面上许多流于表面的“技巧速成”指南,更像是一本关于“设计哲学”的入门宝典。

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我必须指出,这本书在图例的选择上展现出一种跨越时代和地域的广阔视野。它没有局限于某一个流派或某一代设计师的作品,而是将古老的徽章符号与最新的动态图形(Motion Graphics)理念并置讨论,这种对比和融合令人深思。读者能够清晰地看到,尽管媒介和技术不断更新,但驱动优秀图形创作的核心驱动力——即清晰的表达意图和精准的情感传达——却是永恒不变的。书中的案例图解并非简单的复制粘贴,而是附带着精细的注解,详细拆解了每一个视觉元素的构成逻辑和最终意图,这种“庖丁解牛”式的解析,极大地提升了我们对“设计语言”的识别能力和驾驭能力。

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对于一个在创意行业摸爬滚打多年的从业者来说,这本书的价值在于它的“思辨性”。它很少直接给出“怎么做”的明确指令,而是不断地抛出“为什么是这样”的深刻问题。书中对于不同风格图形的起源、它们在媒介转换中的适应性、以及如何通过微妙的调整来适应全新的数字平台,都有着令人拍案叫绝的分析。尤其是关于“信息密度与视觉清晰度”的平衡论述,它不仅仅是停留于美学层面,更是触及了传播效率的核心。每一次重读,都能结合我当下正在处理的项目,迅速找到新的切入点和突破困境的思路,这种即时的、可操作的启发性是极其宝贵的。

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这本书的装帧和内容呈现方式,彻底颠覆了我对传统设计书籍的刻板印象。它大胆地采用了跨页大图和留白的极致运用,创造出一种强烈的呼吸感和空间感。我发现自己经常会停留在某一个特定的版式设计前,不是为了学习那个具体的图形元素,而是为了研究作者是如何控制页面上的“负空间”的。那种“留白即是设计”的理念,被这本书阐释得淋漓尽致,让人理解到,有效的克制往往比无节制的堆砌更具力量。这种对版式节奏的精准拿捏,不仅体现在静态的页面上,甚至能让人感受到一种潜在的动态流动性,仿佛下一秒那些几何图形就要重新组合、变幻形态。

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这部书的装帧设计简直是一场视觉盛宴,触感上细腻又不失稳重,那种微微的磨砂质感握在手里,就让人感受到一种对品质的坚持。内页的纸张选择也非常考究,不是那种常见的雪白,而是略带暖意的米白,使得那些经过精心排版的图文内容在阅读时眼睛异常舒适,即便是长时间沉浸其中,也不会感到疲劳。更值得称赞的是,整体的排版逻辑极其清晰流畅,每一个章节的过渡都像是精心编排的乐章,自然而然地引导着读者的思路前进,丝毫没有生硬的断裂感。它不仅仅是一本书,更像是一件值得收藏的艺术品,每一次翻阅都能带来全新的审美享受。特别是封面上的抽象图形处理,那种光影的运用和色彩的搭配,透露出一种深邃而高级的艺术品味,完全可以作为设计灵感源泉来细细品味。

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