和声学基础教程·下 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:山东大学出版社

作者:张淮李志伟郑中刘冬云

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2000-7

价格:22.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787560721590

丛书系列:

图书标签:

• 和声
• 音乐
• 哪有？
• 和声学
• 音乐理论
• 音乐教学
• 高等教育
• 音乐专业
• 和声分析
• 乐理基础
• 音乐教材
• 下册
• 音乐

《旋律构建与色彩编织：和声学进阶解析》 本书并非《和声学基础教程·下》的续篇，而是一次独立且深入的和声学探索之旅。它旨在带领读者从基础的和声语言跃升至更为复杂、富有表现力的创作领域，专注于旋律与和声的精妙结合，以及色彩性织体与和声技巧的运用。全书共分为五个部分，层层递进，旨在为音乐创作者、编曲家、指挥以及所有渴望深入理解音乐织体之美的人士提供一套系统性的进阶方法论。 第一部分：旋律的灵魂——动机与发展 这一部分我们将抛开静态的和弦分析，将焦点置于音乐的动态核心——旋律。成功的旋律并非随机音符的堆砌，而是由一个或多个具有生命力的“动机”孕育而成。 动机的本质与类型： 我们将深入剖析动机的构成要素，包括音高轮廓、节奏型、音程关系等。通过对不同风格音乐（从古典时期到近现代）的经典旋律进行解构，我们将识别出常见的动机类型，例如节奏动机、音程动机、音阶动机、和弦动机等。我们会探讨如何从一个看似简单的动机中挖掘出无限的发展潜力。 动机的展开技巧： 理论的魅力在于其可操作性。本部分将详述多种动机展开的技法，包括： 重复与变奏： 简单的音高重复、节奏重复、幅度性重复（高八度或低八度），以及更为复杂的音程变奏、节奏变形、音色改变等。 序列（Sequence）： 介绍不同类型的序列，如固定音程序列、固定节奏序列、固定轮廓序列，以及它们在构建长段旋律时的逻辑与效果。 模进（Transposition）与移位（Inversion）： 详细讲解模进在不同调性间的进行，以及旋律的倒影（上下颠倒）所产生的独特听觉效果。 节奏化与音程化： 如何通过改变动机的节奏模式或音程结构来创造新的旋律材料。 组合与片段化： 将多个动机进行组合，或者从一个动机中截获片段进行发展，形成更丰富的旋律织体。 旋律与和声的共生关系： 旋律并非独立存在，它与和声相辅相成，共同塑造音乐的走向。本部分将特别强调旋律线条如何引导和声的进行，以及和声色彩如何反哺旋律的情感表达。我们将分析那些“看似不和谐”的旋律音符，理解它们在特定和声语境下所扮演的“经过音”、“倚音”、“预倚音”、“辅助音”等重要角色。 第二部分：色彩的魔法——非功能性和声与色彩和弦 本书的第二部分将带领读者进入一个更为广阔的和声空间，超越传统的七和弦功能体系，探索那些能为音乐增添丰富色彩与独特情感的非功能性和声以及各种色彩和弦。 九、十一、十三和弦及其延伸： 在此我们将不再局限于三和弦与七和弦，深入探讨九、十一、十三和弦的构成、功能（即使它们往往超越了传统功能）、以及它们在不同音乐风格中的应用。我们将重点关注这些延伸和弦所带来的丰富色彩和更细腻的情感表达，例如属九和弦的张力，十一和弦的朦胧感，十三和弦的华丽与饱满。 减七和弦的灵活运用： 减七和弦以其对称性和模糊性而著称，在连接调性、制造转折、营造紧张气氛等方面有着得天独厚的优势。本部分将详细解析减七和弦的各种转位形式，以及它如何作为“桥梁”连接看似遥远的调性。我们将学习如何利用减七和弦的“模进”属性来创造流畅而富有戏剧性的转调。 增三和弦与增六和弦： 增三和弦（如C-E-G）虽然在功能和声中较为少见，但其独特的“扩张”感使其在特定情境下能产生令人耳目一新的效果。而增六和弦（意大利式、法式、德式）则是连接属功能和弦的重要“预备”手段，它们制造的强烈倾向性将为解决到属和弦（或主和弦）带来极大的戏剧性。我们将详细分析这几种增六和弦的构成、倾向性以及它们在古典与浪漫时期作品中的典型用法。 色彩性音程的应用： 除了和弦内部的延伸音，单音的色彩性选择也至关重要。我们将探讨如何利用三全音、小二度、大七度等在旋律或和声中制造特有的张力与色彩。例如，在主音调性中加入大七度音，或者在属和弦中加入小二度音，如何巧妙地产生“非和弦音”的效果，或者作为一种特殊的“装饰音”。 模进与序列在色彩和声中的应用： 如何将上述的色彩和弦或色彩音程进行模进或序列化，形成连贯的、富有色彩变化的段落。 第三部分：织体的深度——对位法与复调思维 本部分将引导读者进入复调音乐的世界，学习如何让多个独立的旋律线条在同一时间框架内和谐共存，创造出更加丰富、立体、精妙的音乐织体。 自由对位的基础： 我们将从复调音乐的根基——对位法入手。在介绍“固定音型”等经典对位技法的基础上，我们将更侧重于“自由对位”的原则。这包括了如何让两个或多个旋律在节奏、音高上相互呼应，同时保持各自的独立性和清晰度。 模仿（Imitation）与卡农（Canon）： 模仿是复调织体中最常见的技法之一，即一个声部的主题被另一个声部在不同时间、不同音高上重复。我们将深入分析不同类型的模仿，以及卡农作为模仿的极致形式，其严格的结构如何带来音乐的秩序感与精巧性。 赋格（Fugue）的结构与原则： 赋格是复调音乐的巅峰之作。我们将解析赋格的各个组成部分，如呈示部（Exposition）、发展部（Development）以及再现部（Recapitulation），并探讨赋格主题（Subject）与答题（Answer）、对题（Countersubject）之间的关系。重点在于理解赋格的逻辑性、主题的延展性以及如何通过各声部的交织来构建宏大的音乐结构。 多种织体形式的分析与实践： 除了严格的复调，我们还将探讨其他织体形式，如主调音乐（Homophony）中的声部进行、织体内的声部对位变化，以及如何在一首作品中灵活切换不同的织体，以达到最佳的音乐表现效果。例如，在主调音乐中插入一段模仿段落，或者在复调织体中进行简化的主调处理，如何形成对比与统一。 第四部分：情感的导航——调式色彩与调性转换 音乐的情感往往与调性紧密相连。本部分将超越简单的“大调明朗，小调忧伤”的二元论，深入探讨不同调式所带来的丰富情感色彩，以及如何通过巧妙的调性转换来塑造音乐的情感弧线。 民族调式与教会调式： 我们将回顾并扩展对各种民族调式（如埃及调式、五声音阶）和教会调式（如多利亚、弗里几亚、利底亚、混合利底亚）的理解。分析它们各自的音高结构、特有的音程关系，以及它们在不同文化和音乐风格中如何营造出独特的氛围与情感。 近关系调与远关系调的转换： 调性转换是音乐发展的重要手段。我们将系统梳理近关系调（如属、下属、平行调）和远关系调（如三度关系调、同主音调）之间的转换方式，重点分析每种转换方式所带来的情感变化和音乐“力度”上的差异。 转调的艺术： 从简单的经过性转调到复杂的多调性（Polytonality）与无调性（Atonality）的边缘地带，我们将探讨各种转调策略。例如，如何利用共同和弦进行转调，如何通过音程关系进行“声部对位式”转调，以及如何利用减七和弦或属九和弦来“模糊”调性，实现更自由的转调。 多调性与无调性音乐的入门： 对于渴望探索现代音乐的读者，本部分将提供一个关于多调性（如科拉·弗朗西斯·科比）和无调性音乐（如十二音体系的初步概念）的介绍。理解这些音乐如何打破传统的调性束缚，创造出全新的听觉体验。 第五部分：创作的实践——从理论到应用 理论的最终目的是指导实践。本部分将前面所学到的理论知识融会贯通，通过案例分析和创作练习，帮助读者将抽象的和声与旋律概念转化为具体的音乐创作。 经典作品的深度剖析： 我们将选取不同时期、不同风格的经典作品片段（例如巴赫的赋格、莫扎特的奏鸣曲、德彪西的印象派作品、以及一些现代流行音乐的编曲），从旋律动机发展、和声色彩运用、复调织体构建、调性转换策略等多个维度进行深入的分析。重点在于理解作曲家是如何运用上述理论知识来达到其独特的艺术效果。 动机的创作与发展练习： 提供一系列的动机素材，鼓励读者运用所学的展开技巧进行创作，完成一段短小的旋律。 色彩和弦的即兴与编配练习： 鼓励读者在熟悉的和弦进行中尝试加入九、十一、十三和弦、减七和弦、增六和弦等，体会其色彩变化。 简单的复调写作练习： 从两声部模仿开始，逐步尝试创作简单的卡农或赋格片段。 旋律与和声的综合创作： 结合本教程所学内容，鼓励读者尝试创作一段包含丰富旋律发展、色彩和声运用、以及一定织体变化的短小音乐片段。 本书特色： 理论与实践并重： 每一章都包含大量的音乐范例分析，并辅以相应的创作练习，确保读者能够学以致用。 跨越风格界限： 教程内容涵盖古典、浪漫、印象派乃至部分现代音乐的技巧，为读者提供广阔的音乐视野。 独立成册，体系完整： 本书是一次对和声学更深层次的探索，与基础教程有所区别，内容独立，体系完整，适合已有基础的进阶学习者。 注重音乐表现力： 教程不仅关注技术层面的讲解，更注重分析和声、旋律、织体如何服务于音乐的情感表达与艺术创造。 适合读者： 已掌握基础和声学理论，渴望进一步提升音乐创作与分析能力的音乐专业学生。 希望丰富自己音乐语言，探索更多和声色彩与织体变化的作曲家、编曲家。 对音乐理论有浓厚兴趣，希望深入理解音乐作品背后逻辑的业余音乐爱好者。 从事指挥、音乐教育等工作的专业人士，需要更系统地理解音乐的构成原理。 《旋律构建与色彩编织：和声学进阶解析》是一本为音乐的探索者量身打造的指南，它将引导你穿越和声的迷宫，发现旋律的灵魂，编织出属于你自己的音乐色彩。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏作者在构建章节间的逻辑衔接上所下的功夫。这本书的结构设计，绝非是简单地将和声知识点堆砌在一起，而是呈现出一种清晰的“螺旋上升”结构。它似乎是围绕着一个核心的音乐现象——比如“色彩与张力”——进行反复的剖析，每一次深入，都会引入新的分析工具或历史语境。这种处理方式，让抽象的和声概念变得具象化，我能更清晰地感受到从古典到浪漫，再到印象派和早期现代音乐中，作曲家们是如何系统性地拓展和声语言的边界。特别是关于“非传统调性中心”的讨论部分，作者的论述极为严谨，他不仅指出了“是什么”，更深入地探讨了“为什么会这样发展”，这对我理解现代作曲技法的根源，起到了关键性的引导作用。当然，这也要求读者必须保持高度的专注力，稍不留神，可能就会错过一个关键的转折点，使得后续的理解链条断裂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙述方式，初看起来，像是直接将一位经验丰富、学识渊博的作曲系教授的课堂讲稿整理成册。它没有采用那种过于“讨好”初学者的、事无巨细的慢节奏铺陈，而是直奔主题，假设读者已经对基础的和声功能和调性体系有着扎实的理解。对于我这样有一定音乐基础，急需系统化、高阶理论深化的人来说，这种“快刀斩乱麻”的讲解风格非常对胃口。它擅长在极其精炼的文字中，蕴含着深厚的逻辑推导过程。例如，在探讨某些非功能性和声进行时，作者直接引用了特定的历史乐例进行横向对比分析，而不是仅仅停留在规则的罗列上，这种“带着历史感”的教学方法，极大地拓宽了我对和声边界的认知。然而，这种高屋建瓴的视角也带来了一定的挑战性，对于那些希望通过阅读来“补课”的读者，可能需要经常停下来，查阅其他参考资料来消化每一个新引入的术语或引用的乐段，它更像是一本高级研讨会的会议记录，而非入门向导。

评分☆☆☆☆☆

作为一位长期关注音乐实践层面的学习者，我更关注理论知识如何有效地转化为作曲工具。这本书在这方面做得相当到位，它不是停留在纯理论的象牙塔里空谈，而是大量穿插了对具体配器效果的暗示和对不同风格偏好的分析。例如，当介绍到某些特定的和弦转化或离调手法时，文字中自然而然地流露出对不同乐器音色融合度的考量，这让我意识到，和声学学习的终极目标，依然是服务于声音的构建。这种将理论与实践的“桥梁”搭建得如此坚实的教材，是相当难得的。我甚至尝试按照书中的一些分析思路，去重写或改编了一些片段，确实能感受到音乐的“密度”和“厚度”有了显著的变化。唯一的遗憾是，对于一些涉及电子音乐或当代极简主义的配器手法，书中的篇幅略显保守，或许在后续的版本中能增添一些更具时代前沿性的案例作为补充。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格带着一种独特的“历史的厚重感”，读起来就像是在聆听一场跨越几个世纪的音乐对话。它很少使用现代流行语汇来包装概念，而是保持了一种相对古典、甚至有些许学术期刊的庄重感。这种风格无疑提升了学习材料的权威性，但同时也意味着，它对读者的“背景知识储备”要求较高。我感觉，这本书更适合作为音乐学院高年级学生或专业研究人员的案头参考书，而非那种轻松愉快的“入门读物”。它要求读者具备的不仅仅是识别音高的能力，更是一种对西方音乐发展史的整体把握。我尤其喜欢它在总结性段落时，那种“盖棺定论”式的精辟总结，简短有力，能够让人瞬间把握住该章节的核心精髓。如果你寻求的是那种鼓励性的、温和的引导，这本书可能不会是你理想的选择；但如果你渴望直接面对理论的“硬核”挑战，并希望被推向知识的边界，那么这本书无疑是一剂强效的“精神补品”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那抽象的光影和色块组合，透露出一种既严谨又富有艺术气息的格调，这与我期待中的深度音乐理论学习资料的形象非常契合。内页的纸张质感也相当不错，触感温润，印刷清晰，即使是面对复杂的五线谱和和声分析图表，眼睛也不会感到疲劳。随书附赠的配套音频资源，我特地试听了几段，音质纯净，演奏者的处理既忠实于乐谱的精确性，又不失音乐的灵动性，这对于自学者来说简直是福音，省去了我四处搜寻高质量范例的麻烦。不过，说实话，我对这本书的排版布局稍微有些保留意见。虽然信息量很大，但有些章节的段落划分略显拥挤，初次接触这些高阶概念时，视觉上需要更长的适应时间去梳理逻辑脉络。如果能在关键的理论节点处，增加一些醒目的区分色块或更具引导性的留白，相信阅读体验会更上一层楼。整体来说，从物理感受上，它散发着一种专业工具书的沉稳气场，让人愿意沉下心来，与之进行一场长期的、深入的对话。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆