作曲理论与复调技法研究文选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海音乐出版社

作者:刘永平

出品人:

页数:365

译者:

出版时间:2014-9-1

价格:98.00

装帧:平装

isbn号码:9787552306293

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• 曲式与音乐分析
• 作曲理论
• 复调技法
• 音乐学
• 音乐分析
• 和声学
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• 音乐研究

《音乐的骨骼：旋律发展与和声构建的精妙探索》 本书并非一部枯燥的理论汇编，而是一次深入音乐肌理、探寻其内在生命力的旅程。我们旨在剥离那些繁复的术语，回归音乐创作最核心的两个维度：旋律的生命力与和声的逻辑性。通过对大量经典与现代作品的细致剖析，本书将引领读者领略旋律如何从最初的萌芽生长为令人难忘的乐句，又如何通过巧妙的变奏、模仿和发展，展现出无穷的变化与深度。同时，我们将深入和声的构造原理，不仅仅是简单的音程与和弦堆叠，更是探究和声如何成为支撑旋律、塑造情绪、推动音乐前进的强大动力。 第一章：旋律的呼吸——动机的诞生与生命 音乐的起点往往是那个微小而闪光的“动机”，它如同生命的种子，蕴藏着无限的可能。本章将聚焦于动机的起源、特点及其在乐曲中的关键作用。我们将从历史发展的脉络出发，考察不同时期作曲家如何赋予动机以鲜活的生命力。 动机的本质与识别： 什么是构成旋律的最小单位？我们如何从复杂的乐句中提取出具有辨识度的动机？本章将提供一套实用的方法论，帮助读者培养敏锐的音乐听觉，识别旋律的“基因”。我们将分析一些标志性作品的动机，如贝多芬《命运交响曲》的开场四音，莫扎特《小夜曲》的明快主题，以及巴赫赋马中那个富有张力的起始动机。 动机的变形与发展： 一个优秀的动机绝非一成不变。本章将深入探讨动机的各种变形手法，包括： 节奏的改写： 改变音符的时值，使动机焕发新的活力，时而紧凑有力，时而舒缓悠长。 音高的调整： 通过移位、倒影、逆行等手法，在保持动机骨架不变的情况下，赋予其新的色彩与情感。我们将分析肖邦练习曲中对同一旋律动机的无数精彩变奏，以及勋伯格十二音体系中对音高序列的精密运算。 动机的组合与扩张： 如何将一个简短的动机连接、组合，形成更长的旋律段落？我们将探讨动机的重复、扩展、序列，以及如何通过对比动机来构建乐句。巴赫《哥德堡变奏曲》便是动机发展技法的集大成者，我们将对其进行深入的案例研究。 旋律的线条与形态： 旋律的走向如同河流的蜿蜒，或平缓，或激昂。本章将分析不同旋律线条的特点及其情感表达。 上升与下降： 上行旋律通常带有积极、光明的情绪，而下行旋律则可能暗示忧郁或沉静。我们将对比普契尼歌剧《今夜无人入睡》的高潮旋律与舒伯特艺术歌曲《鱒鱼》的轻快线条。 拱形与波浪形： 具有明显起伏的旋律更能吸引听众的注意，营造戏剧性的张力。我们将解析马勒交响曲中宏大的旋律线条。 跳进与级进： 大幅度的跳进可以制造惊喜和力度，而级进则显得更为流畅和连贯。我们将比较德彪西《月光》的朦胧旋律与勃拉姆斯练习曲中严谨的旋律构建。 旋律在曲式结构中的作用： 旋律并非孤立存在，它是构建乐句、乐段乃至整个曲式的基石。本章将探讨旋律如何通过呈示、发展、再现等不同阶段，推动音乐结构的完整性。我们将分析奏鸣曲式中主题的变形与对比，以及回旋曲式中主部旋律的反复出现所带来的熟悉感。 第二章：和声的肌理——从协和到不协和的逻辑 和声是音乐的色彩与厚度，它为旋律提供了坚实的支撑，也营造出丰富的情感层次。本章将带领读者超越简单的和弦名称，深入理解和声的内在逻辑与发展演变。 和声的起源与调性基础： 从单音音乐到复调音乐，再到功能和声的建立，和声的发展并非一蹴而就。本章将追溯和声的演进历程，重点阐述调性体系如何奠定功能和声的基石。我们将讲解主音、属音、下属音之间的相互关系，以及它们如何构建出具有方向性和解决倾向的和声进行。 基本和弦的色彩与功能： 大三、小三、属七等基本和弦并非静态的存在，它们各自拥有独特的音响色彩和功能。本章将深入分析： 三和弦的性格： 大三和弦的光明、稳定，小三和弦的忧郁、内省，减三和弦的紧张、不安，增三和弦的特殊张力。我们将通过欣赏莫扎特、海顿的作品来体会古典时期三和弦的纯粹美感。 七和弦的张力与解决： 属七和弦作为最重要的“紧张”和弦，其解决走向是功能和声的核心。我们将分析各种七和弦（如大七、小七、属七、半减七等）的特性，以及它们在不同语境下的解决方式。勃拉姆斯作品中对属七和弦的创新运用将是重要案例。 变化和弦的丰富性： 意大利六、法国六、德国六等变化和弦如何创造出更丰富的色彩和更强的推进力？我们将探讨这些和弦在古典与浪漫时期作品中的实际应用。 和声进行的逻辑与情感表达： 和声不仅仅是音符的叠加，更是情绪的流动与推进。本章将重点探讨： 动机性与方向性： 优秀和声进行往往具有“走向”感，能够自然地引导听众的情感。我们将分析正格终止、半终止、阻碍终止等不同终止式所带来的情感效果。 和声的色彩变化： 通过转调、离调、模进等手法，和声色彩可以瞬息万变。我们将研究肖邦夜曲中频繁的转调如何营造出梦幻般的气氛。 和声与旋律的互动： 和声与旋律是相互依存、相互塑造的关系。本章将分析和声如何增强旋律的表现力，以及旋律的走向如何决定和声的选择。我们将以德彪西印象派作品为例，探讨和声与旋律在色彩上的融合。 不协和音的运用与现代和声： 音乐的发展永不停息，不协和音的出现是和声发展的重要标志。本章将： 从前奏曲到调性模糊： 考察从巴赫时代开始，不协和音逐渐被接纳的过程。 浪漫主义时期对不协和音的探索： 分析瓦格纳、李斯特等作曲家如何大胆运用不协和音来表达强烈的情感。 印象派与现代音乐中的和声： 探讨德彪西、拉威尔等印象派大师如何将不协和音作为色彩元素，以及勋伯格、斯特拉文斯基等现代作曲家如何打破传统调性，探索新的和声可能性。我们将分析一些具有代表性的现代和声技法，如全音阶、十二音等。 第三章：旋律与和声的交融——结构、织体与风格 旋律与和声并非孤立的技法，它们在具体的音乐作品中相互辉映，共同塑造出独特的结构、织体和风格。本章将把前两章的理论知识融会贯通，通过实际作品的分析，展现旋律与和声在音乐创作中的强大生命力。 主题与动机的结构化： 音乐作品往往围绕着核心的主题或动机展开。本章将分析： 主调音乐中的主题展开： 如何将一个简单的旋律主题通过发展、变形，构成完整的乐章。我们将剖析莫扎特钢琴奏鸣曲的结构。 赋格与卡农的模仿性： 深入探讨复调音乐中，旋律如何通过模仿与交织，形成严谨而丰富的织体。巴赫的赋格将是重点分析对象。 奏鸣曲式的动态平衡： 分析呈示部、展开部、再现部之间，主题与和声如何在对比与统一中构建起宏大的结构。 织体的多样性及其对旋律与和声的影响： 织体是旋律与和声的“排列方式”，不同的织体赋予音乐不同的听觉感受。 主调织体： 以一条清晰的旋律线为主，和声作为伴奏。我们将分析舒伯特艺术歌曲中的主调织体。 复调织体： 多条独立的旋律线交织在一起，形成复杂的音响。我们将再次聚焦巴赫的复调杰作。 主复调织体： 介于两者之间，既有清晰的主旋律，又有独立的副旋律或和声织体。勃拉姆斯交响曲中的织体变化将是很好的例证。 音响织体（和声织体）： 强调和声的整体效果，旋律线不一定十分突出。德彪西的音乐将是探讨音响织体的绝佳范例。 不同风格下的旋律与和声特点： 音乐风格的形成，很大程度上取决于作曲家在旋律与和声运用上的独特选择。 古典时期的清晰与均衡： 莫扎特、海顿作品中简洁明快的旋律，规整的和声进行。 浪漫时期的情感宣泄与色彩探索： 贝多芬、肖邦、李斯特作品中奔放的旋律，以及对和声色彩的大胆运用。 印象主义的朦胧与暗示： 德彪西、拉威尔作品中模糊的旋律线条，以及对不协和音的诗意运用。 现代音乐的实验与突破： 勋伯格、斯特拉文斯基等如何挑战传统，创造全新的音乐语言。 结论：音乐的灵魂在于创造 《音乐的骨骼：旋律发展与和声构建的精妙探索》旨在为读者提供一把钥匙，开启通往音乐内在世界的大门。我们相信，理解音乐的“骨骼”——旋律与和声的运作规律，并非为了束缚创作，而是为了赋予创作者更强的自觉性与更广阔的自由。每一个伟大的音乐作品，都是旋律与和声巧妙结合的结晶，是作曲家情感与思想的载体。通过本书的学习，愿读者能够以更深刻的洞察力去欣赏音乐，以更自信的态度去进行音乐创作，在旋律的流淌与和声的涌动中，寻找到属于自己的音乐之声。

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这本书的阅读体验，很大程度上得益于其独特的语言风格。它没有采用那种学院派的刻板说教腔调，反而带着一种行云流水般的叙事感，即便面对难度极高的概念，作者也能用一种近乎诗意的语言进行阐释。我特别欣赏他在解释某些复杂的对位技巧时，所使用的那些比喻和类比，非常贴合直觉，避免了陷入纯粹的数学公式堆砌中。比如，他描述一个声部如何“追逐”或“回避”另一个声部时，画面感极强，仿佛能听到音符间的微妙互动。这种文笔使得阅读过程本身变成了一种享受，而不是一项艰巨的任务。它像一位技艺精湛的演奏家，用流畅的乐句引导听众进入深邃的音乐世界，让人在不知不觉中，就已经吸收了大量的专业知识，回味无穷。

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这本书的装帧设计实在让人眼前一亮，那种沉稳中又不失典雅的气质，光是摆在书架上就觉得品位非凡。我尤其喜欢封面那种略带纹理的纸张触感，拿在手里很有分量感，仿佛捧着一本经得起时间考验的经典。内页的排版也极为考究，字体选择清晰易读，行距和字距的把握恰到好处，即使长时间阅读也不会感到视觉疲劳。更值得称赞的是，书中对一些复杂乐谱的呈现方式，清晰度极高，细微的记号和动态标记都能被精确捕捉，这对于我们这些需要反复推敲乐谱细节的读者来说，简直是福音。翻阅的整个过程，都透露出一种对知识的尊重和对读者的关怀，看得出编辑团队在装帧和印刷环节下了不少功夫，这绝不是那种匆匆忙忙赶出来的速成品，它值得被郑重对待，也值得拥有一个高品质的物理形态。

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我必须得提一下这本书在知识组织上的精妙之处。全书的脉络清晰得令人赞叹，每一个章节都不是孤立存在的，而是像精心编排的乐章，层层推进，前后呼应。作者似乎非常懂得读者的学习习惯，常常在关键的理论节点设置回顾性的小结，或者在介绍完一个核心概念后，立刻提供几个精心挑选的、具有代表性的音乐实例进行印证。这种“理论—实例—反思”的闭环结构，极大地巩固了学习效果。我发觉，在阅读完一整段内容后，合上书本进行短暂的冥想，脑海中浮现的不再是零散的知识点，而是一个结构完整、逻辑自洽的知识网络。这种高度的系统性和可操作性，使得这本书的价值远远超出了单纯的理论参考书范畴，它更像是一份详尽的思维导图。

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关于这本书的理论深度和广度，我只能用“震撼”来形容。它显然不是为初学者准备的入门读物，而是为那些已经在音乐领域摸爬滚打了一段时间，渴望突破瓶颈的实践者或研究人员量身打造的。书中引用的文献资料极为丰富且具有前沿性，涉及的音乐时期和地域跨度也相当大，让人感受到作者为了构建这个知识体系所付出的巨大心血。我尤其关注其中关于特定时期复调织体演变的那几个章节，作者提出的若干观点，与我之前阅读的几本权威著作形成了有趣的对话和辩证关系，这极大地激发了我进行交叉对比研究的兴趣。它提供了一个坚实的理论基石，但更重要的是，它教会了我们如何批判性地看待已有的理论，并尝试在自己的创作中建立新的参照系。

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初读这本书的引言部分，我就被作者那种深入骨髓的洞察力所折服。他并非只是罗列知识点，而是将抽象的音乐理论与人类情感、历史变迁巧妙地编织在一起。读到他分析某段特定时期和声发展时的论述，那种抽丝剥茧、层层递进的逻辑链条，让人不得不停下来，默默回味。他对于“风格”的界定，突破了以往教条式的定义，引入了更多社会学和心理学的视角，使得原本干巴巴的理论瞬间变得鲜活起来。尤其是他对“结构”与“叙事”之间关系的探讨，简直醍醐灌顶，让我对过去习以为常的一些曲式结构产生了全新的认识。阅读过程中，我常常有一种与一位学识渊博、思维敏锐的导师面对面交流的错觉，他的文字富有张力，总能精准地触及问题的核心，让人在豁然开朗的同时，又产生更多深入探究的冲动。

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