本书作为介绍和引进西方20世纪作曲技法,介绍和分析西方20世纪的音乐名作为主导思想,其目的是为了让我国国内的音乐工作者、音乐教师以及广大的音乐爱好者具有更多的机会去认识和了解西方音乐的现状,借鉴和吸收西方20世纪作曲技法中有用的东西,为我所用。
全书共分十一章。每章主要分为四个部分:第一部分是创作形式基本特征或基本法则的概述,从音乐的基本表现手段、音乐语汇、结构去阐述;第二部分是实例分析,着重介绍和分析20世纪西方音乐中具有代表性的作曲家的作品,附有作品谱例,目的是让读者去认识这些手法在具体创作中是如何运用同时也可以让读者从这些谱例中了解到现代音乐的整体表现手段;第三部分是创作指导,主要是研究和讨论在实际创作中常见的问题,指出初学者易出的毛病,并推荐20世纪作曲家们在创作中使用的新颖手法;第四部分是习题,目的是为阅读者提供一些练习锻炼的机会。
本书不是音乐入门教材,对基本音乐理论中的名词不作解释。
总论
第一章 旋律的构成
第一节 基本概念
第二节 实例分析
第三节 创作指导
第四节 习题
第二章 节拍和节奏的设计
第一节 概述
第二节 实例分析
第三节 创作指导
第四节 习题
第三章 三度叠置的和声
第一节 概述
第二节 实例分析
第三节 创作指导
第四节 习题
第四章 调式音阶
第一节 概述
第二节 实例分析
第三节 创作指导
第四节 习题
第五章 非西方传统音阶结构
第一节 基本概念
第二节 实例分析
第三节 创作指导
第四节 习题
第六章 自然音阶
第一节 概述
第二节 实例分析
第三节 创作指导
第四节 习题
第七章 非三度结构的和声
第一节 概述
第二节 实例分析
第三节 创作指导
第四节 习题
第八章 双重和声与双重调性
第一节 概述
第二节 实例分析
第三节 创作指导
第四节 习题
第九章 模型音乐
第一节 概述
第二节 实例分析
第三节 创作指导
第四节 习题
第十章 十二音技术
第一节 概述
第二节 实例分析
第三节 创作指导
第四节 习题
附录一 一些音乐作品分析法的提示标记简介
附录二 20世纪西方音乐作品中非传统记谱法和新记号简介
附录三 20世纪部分西方作曲家译名、生卒年表
附录四 供分析用的谱例
是本好也不好的“好书” 好是因为写的条理清晰,结构方正,看起来不累。而且语言简练,谱例也很简单,对我们这种准钢琴盲来说,这点程度程度的谱例在钢琴上弹弹还过得去。再难,就要救助于打谱软件了…… 优点不想多说(其实也想不出其他的),就是觉得,天下教科书永远都是...
评分是本好也不好的“好书” 好是因为写的条理清晰,结构方正,看起来不累。而且语言简练,谱例也很简单,对我们这种准钢琴盲来说,这点程度程度的谱例在钢琴上弹弹还过得去。再难,就要救助于打谱软件了…… 优点不想多说(其实也想不出其他的),就是觉得,天下教科书永远都是...
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这本书给我的感觉,更像是一部充满故事的百科全书,而不是一本刻板的教科书。我一直对20世纪的音乐抱有一种矛盾的情感:一方面,被那些大胆的创新和前所未有的声音所吸引,另一方面,又因为常常听不懂而感到沮丧。这本书的出现,恰好弥补了这一遗憾。它没有让我感到压力,反而像是在和我分享一群才华横溢的艺术家们的秘密花园。我尤其欣赏它在讲解技法时,所引入的那些丰富的历史背景和时代思潮。原来,那些看似独立的音乐创新,并非空中楼阁,而是与当时的社会、文化、科技发展息息相关。比如,当我了解到勋伯格的无调性音乐的出现,与一战后欧洲社会动荡和哲学思想的变革有着千丝万缕的联系时,我便能更好地理解这种“颠覆性”的音乐语言。而且,作者在叙述时,非常注重音乐的“可听性”,他不会让理论脱离音乐本身,而是将抽象的技法,与具体的音乐片段紧密结合。当我读到某个章节,对某个作曲家的技法产生兴趣时,书后面往往会附带相应的乐谱片段,甚至会给出听赏的建议。这种“学以致用”的方式,让我的学习过程变得更加生动有趣。我不再是死记硬背理论,而是真正地在“听”和“理解”中学习。
评分这本书就像一位老朋友,安静地躺在书架上,每次翻开,总能从中找到新的惊喜。我第一次接触到它,是在一个阳光明媚的下午,窗外是孩子们嬉戏的声音,而我却沉浸在那些曾经听过却从未深究过的音乐片段里。书中的文字,不似那种枯燥的学术论文,反而带着一种娓娓道来的亲切感。它不像我之前读过的很多音乐理论书籍,上来就抛出一堆艰涩的术语,让你望而却步。相反,它更像是循序渐进地引导我,从最基础的和声概念开始,慢慢地揭示出那些大师们是如何运用音符构建起一座座宏伟的音乐殿堂的。我尤其喜欢它对不同作曲家创作风格的解读,那些看似天马行空的旋律,在作者的笔下,变得有迹可循,甚至能够体会到作曲家当时的心境和创作的逻辑。当我理解了德彪西的色彩和声是如何营造出朦胧的意境,或者斯特拉文斯基的节奏是如何打破常规、引发听众的震撼时,我再回过头去听这些作品,感受是完全不同的。仿佛尘封的宝藏被打开,露出了璀璨的光芒。它没有直接告诉我“该怎么写”,而是通过对“他们怎么写的”的细致剖析,潜移默化地影响着我的音乐审美和思考方式。这种“润物细无声”的教学方式,对我这个非科班出身的音乐爱好者来说,实在是太宝贵了。
评分我必须说,这本书的编排方式,简直是为我这种“碎片化阅读”爱好者量身定做的。虽然我买它的时候,是抱着要系统学习20世纪作曲技法的决心,但现实却是,我常常只能抽出零散的时间来翻阅。然而,这本书的每一个章节,都相对独立,而且讲解得非常清晰。我可以在通勤的路上,随手翻开一页,了解一种新的和声处理方式;我可以在睡前,读一段关于序列音乐的介绍,然后带着疑问入睡。它就像一个随时待命的音乐向导,在我需要的时候,就能给我提供精准的信息。我最喜欢的是,书中对不同作曲家的技法进行对比分析。例如,当我了解了勋伯格的十二音技法之后,又看到在同一时期,巴托克的弦乐四重奏是如何运用更具民族特色的音阶和节奏的,我便能清晰地看到,即便是面对相似的时代背景,作曲家们也会走出截然不同的道路。这种“多角度”的审视,让我对20世纪音乐的多样性和复杂性有了更深刻的认识。这本书没有给我灌输任何“必须接受”的观念,而是提供了一种思考的框架,让我自己去探索和发现。每次阅读,都像是进行一次思维的体操,让我受益匪浅。
评分老实说,这本书在我书桌上积灰了有一段时间了,每次拿起它,总有一种“想学又怕难”的复杂心情。我并非科班出身,对于音乐理论的了解,基本上停留在最基本的乐理知识层面。所以,当我看到“20世纪西方作曲技法”这个书名时,内心深处是有些打鼓的。毕竟,20世纪的音乐,在我听来,很多时候都像是“怪力乱神”,充满了挑战我的耳朵和大脑的元素。然而,当我真正沉下心来,一页一页地翻阅,却惊喜地发现,这本书并非我想象中的那样冷冰冰、遥不可及。作者的叙述方式非常有条理,他并不是一股脑地将所有的理论知识倾泻出来,而是通过大量的音乐实例,来阐述每一个概念。我发现,那些我一直觉得难以理解的十二音技法,在书中被拆解得如此清晰,甚至连那些看似复杂的序列,都能找到其内在的逻辑。而且,作者并没有回避20世纪音乐的“实验性”,反而用一种相对客观的态度,去分析这些新的技法是如何在实践中被运用的。读这本书,就像在进行一次考古挖掘,一点一点地揭开20世纪音乐发展的脉络,理解那些曾经让我困惑的声音,是如何在历史的长河中,一步步演变和发展的。它不是一本教你如何成为作曲家的“速成指南”,但它一定能让你对20世纪的西方音乐,有一个更深刻、更全面的认知。
评分读完这本书,我感觉自己像是打开了一扇通往全新音乐世界的大门。此前,我对20世纪的音乐,常常有一种“听不懂”的壁垒感,觉得那些声音过于前卫,甚至有些“奇怪”。但这本书,用一种非常耐心和细致的方式,一点一点地瓦解了我心中的这些障碍。我尤其欣赏作者在介绍每一个新的作曲技法时,都会追溯其产生的根源,以及它在音乐史上的意义。比如,在讲解噪音音乐时,它并没有仅仅停留在“什么是噪音”,而是深入探讨了20世纪社会变迁、技术进步(如录音技术的出现)是如何催生了这种新的音乐形式。这种历史的纵深感,让我明白了音乐技法的演变,从来都不是孤立的,而是与整个时代的发展紧密相连。而且,书中的语言非常精炼,虽然涉及的是专业内容,但却不乏生动和趣味性。它没有使用那些晦涩难懂的学术术语,而是尽量用通俗易懂的方式来解释复杂的概念。当我看到那些曾经让我望而生畏的曲目,在书中的解读下,变得清晰明了,甚至能够感受到其中的美妙时,我真的感到非常欣喜。这本书,让我从一个被动的听众,变成了一个能够主动思考和欣赏的音乐爱好者。
评分非常好的一本教科书或自学书籍。概念新、知识新,很全面。语言也清晰明了,对现代音乐不但有实例分析,还有创作指导和各类习题,是不可多得的一本音乐理论书籍。
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评分非常好的一本教科书或自学书籍。概念新、知识新,很全面。语言也清晰明了,对现代音乐不但有实例分析,还有创作指导和各类习题,是不可多得的一本音乐理论书籍。
评分不错,推荐。
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