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出版者:

作者:Hauge, Michael

出品人:

页数:384

译者:

出版时间:2011-6

价格:$ 38.99

装帧:

isbn号码:9781408151464

丛书系列:

图书标签:

• 编剧
• screenplay writing
• film script
• selling scripts
• storytelling
• entrepreneurship
• movie industry
• script development
• creative writing
• business of film

《剧本魔法：解锁畅销好莱坞的密钥》 引言：梦想的起点，成功的彼岸 你是否曾被银幕上跌宕起伏的故事深深吸引，脑海中闪过无数精彩的镜头和令人难忘的角色？你是否怀揣着将这些奇思妙想化为文字，最终跃然银幕的梦想？那么，你可能正站在通往好莱坞编剧的梦想之路的起点。然而，从一个闪光的念头到一个真正能够吸引投资人、打动观众的畅销剧本，之间并非坦途。它需要的不只是灵感，更是一套系统的方法、深刻的理解，以及无数次的打磨与实践。《剧本魔法：解锁畅销好莱坞的密钥》正是一本为你量身打造的指南，它将带你深入探寻好莱坞编剧的秘诀，揭示那些让剧本脱颖而出、实现商业价值的关键要素。这本书并非空泛的理论堆砌，而是融合了行业内资深编剧的实战经验、成功的剧本分析以及对市场趋势的精准洞察，旨在为你提供一套行之有效的剧本创作框架，帮助你将心中那些精彩的故事，转化为真正能够“卖出”的剧本。 第一章：故事的灵魂——构建引人入胜的冲突 每一个伟大的故事，其核心都跳动着强劲的冲突。没有冲突，故事就像一潭死水，无法激起观众的情感共鸣。本章将深入剖析冲突的类型、来源以及如何将其巧妙地融入叙事之中。我们将探讨： 内部冲突与外部冲突的辩证统一： 角色内心的挣扎如何驱动外部行动，外部挑战又如何反过来塑造角色的内心世界。我们将通过分析经典电影的案例，展示这两类冲突如何相互作用，形成有机而富有张力的叙事。 “想要”与“需要”的张力： 角色表面的欲望（想要）往往是表象，而他们深层、潜意识的需求（需要）才是驱动他们行动的根本动力。这种内在的断裂，是制造角色深度和故事戏剧性的绝佳武器。我们会深入探讨如何设计角色，使其“想要”与““需要”之间存在巨大的鸿沟，以及如何通过剧情的推进来弥合或加剧这种差距。 高风险、高回报的设定： 冲突的威力在于其潜在的后果。本章将引导你思考，你的故事中，角色一旦失败，将付出怎样的代价？而如果成功，又将获得怎样的回报？这种风险的量化，能极大地提升观众的投入度和紧张感。我们会学习如何为你的角色设定足够高的赌注，让观众为他们的命运捏一把汗。 “为什么”的驱动力： 观众不仅关心“发生了什么”，更关心“为什么会发生”。深入挖掘角色行为背后的动机，将使你的故事更具说服力和感染力。我们将分析如何通过角色的背景、经历、信念来构建其动机，并让这些动机在剧情中得到充分的体现。 冲突的升级与演变： 故事的张力需要层层递进。本章将讲解如何设计一系列逐步升级的冲突，让故事始终保持新鲜感和吸引力，避免陷入模式化的窠臼。我们会学习如何构建“A事件导致B事件，B事件又引发C事件”的连锁反应，以及如何利用情节转折来为冲突注入新的活力。 第二章：角色的血肉——塑造有血有肉的立体人物 观众记住的往往不是故事情节本身，而是那些鲜活的角色。一个引人入胜的角色，即便剧情平淡，也能让故事熠熠生辉。本章将带领你走进角色的内心世界，学习如何创造出让观众喜爱、同情、甚至憎恨的立体人物： “人物弧光”的奥秘： 好的角色并非一成不变，他们在故事中经历成长、改变，甚至蜕变。本章将深入解析“人物弧光”的概念，以及如何设计角色的初始状态、面临的挑战、以及最终的转变，使其在故事结束后，给观众留下深刻的印象。我们会学习如何通过一系列的事件，让角色的价值观、信念或行为发生实质性的改变。 “反差萌”与“不完美”的魅力： 完美无缺的角色往往显得不真实。本章将探讨如何通过赋予角色矛盾、弱点、甚至是缺点，来增加他们的可信度和亲切感。我们还会学习如何运用“反差萌”的技巧，让角色的某个意想不到的特质，成为吸引观众的亮点。 “潜台词”的力量： 人们在交流时，往往言不由衷。角色的对话，不仅仅是他们说出的文字，更包含了他们未曾表达的真实想法和情感。本章将指导你如何通过对话的设计，挖掘出角色的“潜台词”，让对话更富含深意和张力。我们会分析如何通过角色的语气、语速、肢体语言暗示（即使是在剧本中，也要通过动作描写来体现）来传达深层含义。 “牺牲”与“选择”的抉择： 在关键时刻，角色所做的牺牲和选择，往往能够最深刻地展现其性格和价值观。本章将引导你如何设计这些决定性的时刻，让角色的行为成为其性格的有力证明。我们会学习如何为角色设定艰难的道德困境，迫使他们做出痛苦的选择。 群像的交织与共鸣： 一个精彩的故事，往往拥有一个令人印象深刻的角色群像。本章将探讨如何让配角也拥有独立的动机和弧光，以及他们如何与主角形成互补、碰撞，共同推动剧情发展，并为故事增添更多元的视角。我们会学习如何让每个角色都在故事中扮演不可或缺的角色，而非仅仅是主角的工具。 第三章：结构的艺术——搭建稳固的叙事骨架 一个精妙的故事结构，是确保叙事流畅、引人入胜的基石。本章将为你揭示好莱坞剧本创作中普遍遵循的经典叙事结构，并教你如何灵活运用，打造出既有章法又不失创意的故事骨架： 三幕式结构的精髓： 从开端、发展到结局，三幕式结构是如何一步步引领观众进入故事、制造高潮并最终完成叙事的。本章将深入剖析每一幕的关键节点，如“开端铺垫”、“激励事件”、“第一个拐点”、“中点”、“第二个拐点”以及“结局”等，并结合大量案例进行讲解。 “激励事件”的决定性作用： 故事是如何被一个突如其来的事件所激活的？本章将重点探讨“激励事件”的设计，它是如何打破角色平静的生活，迫使他们踏上未知的旅程。我们会学习如何设计一个足够强大、能够引发角色连锁反应的激励事件。 “中点”的转折与升华： 故事的中途，往往会迎来一个至关重要的转折点。本章将深入分析“中点”在故事结构中的作用，它如何改变角色的认知，调整叙事方向，并为故事的后半段注入新的动力。我们会学习如何设计一个具有戏剧性、能够彻底改变角色态势的“中点”。 “第二个拐点”的危机与升华： 在故事走向高潮之际，往往还会出现一个决定性的“第二个拐点”。本章将讲解这个环节是如何将故事推向最终的冲突，并为角色带来最终的考验。我们会学习如何通过第二个拐点，为角色的最终决战制造最大的张力和悬念。 节奏的把控与张力的营造： 好的故事结构，不仅在于骨架的稳固，更在于对叙事节奏的精准把控。本章将指导你如何通过情节的安排、场景的切换以及对话的密度，来营造引人入胜的叙事节奏，让观众始终保持高度的投入。我们会学习如何通过快节奏的动作场面与慢节奏的情感剖析相结合，来丰富故事的层次。 非线性叙事的可能性： 在掌握了经典结构的基础上，本章还将探讨如何运用闪回、交叉剪辑等非线性叙事手法，为你的故事增添独特的艺术风格和深度，同时避免让观众感到困惑。我们会分析如何通过精心设计的非线性叙事，来增强故事的悬念和主题的表达。 第四章：台词的魔力——让对话“活”起来 剧本中的台词，是连接角色与观众的桥梁。一句精彩的台词，能够瞬间抓住观众的注意力，传达角色的性格，推动剧情的发展。本章将教你如何写出既有艺术性又不失实用的对话： “说话”的潜台词： 如前所述，角色的真实意图往往隐藏在字里行间。本章将进一步深入探讨如何通过角色的口吻、用词、甚至是沉默，来传达他们的真实想法和情感。我们会学习如何设计“言外之意”的对话，让观众通过解读来获得更深的满足感。 “个性化”的语言风格： 每个角色都应该有自己独特的说话方式。本章将指导你如何根据角色的背景、教育程度、性格特征来设计他们的语言风格，让每个角色都栩栩如生。我们会分析如何通过俚语、口头禅、甚至是语法习惯来塑造角色的独特性。 “行动”的台词： 台词不仅仅是信息的传递，更是角色行动的体现。本章将教你如何让台词服务于角色的目标和动机，让每一句对话都充满目的性。我们会学习如何设计“行动台词”，即角色通过说出某句话来达成某个目的。 “节奏”与“留白”的艺术： 精彩的对话，如同音乐般富有节奏感。本章将探讨如何通过对话的长短、停顿以及“留白”，来营造戏剧张力，吸引观众的注意力。我们会学习如何利用“留白”来增加悬念，让观众主动去猜测接下来的内容。 “展现”而非“告知”的原则： 优秀的编剧，会通过角色的对话和行为来“展现”故事，而不是直接“告知”观众。本章将深入讲解这一核心原则，并提供具体的实践方法，让你学会如何巧妙地传达信息，让观众自己去发现和领悟。我们会分析如何通过对话中的冲突和信息交换来“展现”剧情，而非直接的陈述。 第五章：视觉的语言——剧本的影像化表达 电影是视觉的艺术，一个优秀的剧本，必须具备强大的影像化能力。本章将引导你跳出文字的束缚，用画面去思考，用镜头去叙事： “用画面说话”： 如何通过动作描写、场景设置、道具选择来传达信息、塑造人物、营造氛围，而无需过多的台词。本章将深入讲解“Show, Don't Tell”在视觉表达上的应用。我们会学习如何通过场景的细节来暗示角色的情感状态和故事背景。 “动作”的叙事力量： 角色的行为，往往比言语更能揭示其内心。本章将教你如何通过精准、有力的动作描写，来刻画角色的性格、推动剧情的发展，并增强故事的视觉冲击力。我们会学习如何设计具有象征意义的动作，让角色的行为背后蕴含更深层的含义。 “场景”的烘托与暗示： 每一个场景，都应该为故事服务。本章将指导你如何通过场景的设计，来营造特定的氛围，暗示角色的情感状态，甚至预示未来的情节发展。我们会分析如何通过光线、色彩、构图等视觉元素来烘托情感和主题。 “视觉元素”的象征意义： 电影中的道具、服装、甚至是天气，都可能承载着丰富的象征意义。本章将启发你如何运用这些视觉元素，来为你的故事增添深度和艺术性。我们会学习如何将某个物品或场景，转化为角色内心世界的隐喻。 “镜头感”的培养： 即使你不是导演，也需要具备“镜头感”，即能够想象出剧本如何在银幕上呈现。本章将通过分析经典电影的镜头语言，帮助你培养这种能力，让你的剧本更具可拍性。我们会学习如何通过场景描写来暗示不同的镜头运用，例如特写、远景、运动镜头等。 第六章：市场的考量——让你的剧本“卖得出去” 剧本创作不仅是艺术的追求，更是商业的运作。本章将为你揭示好莱坞剧本市场的运作规律，帮助你创作出既有艺术价值，又具备商业潜力的作品： “类型片”的理解与运用： 了解不同类型片（喜剧、惊悚、科幻、剧情等）的核心元素和观众期待，并学习如何在新颖的题材中融入经典元素，既能吸引观众，又能降低风险。我们会分析不同类型片的市场定位和受众群体。 “可执行性”与“成本效益”： 投资人需要看到剧本的商业可行性。本章将指导你如何在创作过程中，考虑场景的设置、特效的需求、演员的规模等因素，以确保剧本在预算范围内能够实现。我们会学习如何通过巧妙的场景设计和情节安排来控制制作成本。 “卖点”的提炼与包装： 如何用一句话概括你的故事，吸引投资人的注意？本章将教你如何提炼剧本的核心“卖点”，并撰写引人入胜的“故事梗概”（Logline）和“故事大纲”（Synopsis）。我们会分析成功的Logline的特质，并提供实际的练习方法。 “市场趋势”的把握与创新： 了解当前电影市场的热门题材和观众喜好，但同时也要避免盲目跟风。本章将教你如何在把握市场趋势的基础上，注入自己独特的创意，创作出既符合市场需求，又能引领潮流的作品。我们会分析当前的电影市场热点，并探讨如何将其与个人创意相结合。 “人脉”与“机遇”的拓展： 剧本创作的成功，也离不开行业内的交流和机遇。本章将提供关于如何参加编剧工作坊、寻求代理人、以及利用各种平台来展示你的作品的建议。我们会分享一些在好莱坞建立人脉的实用技巧。 结语：梦想的旅程，永不止步 《剧本魔法：解锁畅销好莱坞的密钥》是一本为你点亮编剧之路的灯塔。它将陪伴你从灵感的萌芽，到文字的雕琢，再到市场的检验。编剧是一场充满挑战的旅程，它需要耐心、毅力、以及持续学习的热情。请将本书中的理念付诸实践，不断地写作、修改、反思，你终将能够解锁属于自己的“剧本魔法”，在好莱坞的星光大道上，书写属于你的辉煌篇章。记住，每一个伟大的故事，都始于一个勇敢的提问：如果……会怎样？现在，轮到你来创造属于你自己的“如果”了。

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我花了一个月的时间，将书中的核心框架应用到了我正在创作的两个不同类型的剧本上，效果立竿见影。最显著的改变在于“意图”的清晰化。在阅读之前，我总感觉自己的剧本在第三幕有些失焦，人物的动机摇摆不定。这本书提供了一套非常细致的“场景检查清单”，它要求你对每一个场景进行严格的质询：这个场景是否推进了情节？是否揭示了人物深层恐惧？如果一个场景回答不上来，那么它就该被毫不留情地删掉或重写。这种近乎严苛的自律要求，极大地提升了我对剧本节奏的控制力。此外，关于对话的“潜台词”处理，这本书的讲解非常精妙。它强调真正的戏剧张力往往存在于人物“没有说出来”的部分，而不是直白的台词交锋。通过书中的练习，我学会了如何用行动、沉默和回避来表达角色的内心挣扎，使得故事在视觉层面和情感层面都获得了极大的丰富性。这本书更像是一位严厉但公正的导师，它推着你走出舒适区，直面商业叙事的残酷真相。

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这本书简直是电影制作领域的“圣经”！我以前读过一些关于剧本写作的理论书籍，但大多停留在晦涩的术语和空泛的理念上，真正能指导实践的很少。然而，这本书完全不同。它深入浅出地剖析了商业电影的底层逻辑，让我这个门外汉也能迅速抓住市场脉搏。作者似乎对好莱坞的运作了如指掌，从如何构建一个引人入胜的开场，到如何在高潮部分制造出观众意想不到的反转，每一步都给出了清晰、可操作的步骤。特别是关于角色弧光的分析，真是醍醐灌顶，它不再仅仅是告诉你“角色需要成长”，而是告诉你“**如何**让观众真切地感受到这种成长带来的震撼”。我尤其欣赏其中关于“高概念”设定的讲解，它不仅仅是强调一个抓人眼球的点子，更重要的是如何将这个点子融入到叙事结构中，使其既有商业吸引力又不失艺术价值。读完这本书，我感觉自己仿佛完成了一次密集而高效的行业培训，对“什么能卖钱”和“为什么能卖钱”有了全新的认识。我强烈推荐给所有有志于将自己的故事搬上大银幕的创作者们，它会是你书架上最实用、最常被翻阅的一本工具书。

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说实话，一开始我对这类“教你如何成功”的书是持怀疑态度的，总觉得太多浮夸和不切实际的承诺。但这一本，它给我的感觉更像是一份来自资深制片人的备忘录，坦诚、甚至带着一丝江湖的犀利。它没有贩卖“一夜成名”的幻想，反而非常现实地探讨了剧本的“可执行性”和“市场定位”问题。让我印象深刻的是，书中有一章节专门讨论了预算与剧本创作之间的动态关系，这在很多纯粹的“艺术写作”指导书中是看不到的。作者毫不避讳地指出，一个绝妙的设定如果需要耗费天文数字的特效预算，那么它在商业上就是有缺陷的。这种从**投资回报率**角度去反推剧本结构的思考方式，彻底颠覆了我过去那种“先写故事，再考虑发行”的思维定式。它教会我如何像一个项目经理一样去规划我的剧本，确保每一个场景、每一次对话都服务于最终的商业目标。对于那些希望剧本能够真正进入制作流程，而不是仅仅停留在笔记本上的写作者来说，这种实操层面的指导价值是无可替代的。

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这本书的文字功底本身就值得称赞，它没有使用那种老套的、充满行话的腔调，反而带着一种老派好莱坞黄金时代的优雅和精准。阅读的过程本身就是一种享受，仿佛坐在一个经验丰富的前辈身边，听他娓娓道来那些关于结构、节奏和张力的奥秘。我特别喜欢它对“次要情节线索”处理的独到见解。很多新手编剧会陷入为了写而写的困境，让副线变得臃肿或毫无意义。但这本书清晰地界定了副线存在的意义——它们必须以一种复杂的方式映衬和推动主线人物的核心冲突。它用大量的经典电影案例进行了剖析，那些案例的选取非常精准，涵盖了不同年代和不同流派的作品，显示出作者深厚的电影史素养。更重要的是，它不只是分析了成功的案例，还巧妙地指出了那些看似成功但实则存在结构瑕疵的作品，这种批判性的视角让人受益匪浅，因为它教会我们**辨别**真正的优秀，而不是盲目模仿爆款。

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从一个长期关注独立电影制作的视角来看，这本书的价值远超其“教人如何卖剧本”的字面意思。它实际上提供了一套**通用的叙事优化算法**。我发现，即便我并不打算投身于好莱坞主流商业片的创作，书中关于“冲突密度管理”和“信息释放的节奏控制”的理论，对于提升任何类型故事的叙事质量都极为有效。它不是一味地迎合爆米花电影的低级趣味，而是教会你如何将复杂的、艺术性的主题，包装在一个易于观众接受的商业外壳之内。书中对“观众期待管理”的讨论尤为深刻，它解释了为什么观众会因为某些预期被满足或被巧妙地颠覆而感到满足。这不仅仅是写作技巧，这是一种对人类心理的洞察。这本书的深度在于它超越了技巧层面，直达叙事心理学的核心。如果你想写出能让人看完后久久不能忘怀，同时又能被制片人认真考虑的故事，那么这本书提供的框架是不可或缺的基石。它让你从一个单纯的“讲故事的人”，蜕变成一个懂得“构建体验”的叙事工程师。

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