2003年散文

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出版者:春风文艺出版社
作者:祝勇
出品人:
页数:342
译者:
出版时间:2004-2-1
价格:16.00
装帧:平装(无盘)
isbn号码:9787531327028
丛书系列:
图书标签:
  • 散文
  • 2003年出版
  • 文学
  • 中国现当代文学
  • 随笔
  • 散文集
  • 文化
  • 经典
  • 回忆
  • 情感
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具体描述

本书是21世纪中国文学大系中的一册,书中收录了2003年中国最佳的散文作品数十篇。这些作品内容丰富、题材各异、构思精妙、语言优美、文笔生动流畅,具有较高的文学性及艺术性,展示了2003年中国散文的最高层次,非常值得一读,从中您将获得美的享受。对于散文的艺术如何突破的探讨,我早几年就有类似的兴趣。我以为,“散文”的概念与诗歌有点相像,它既是一种很不好定义的文体,又是一种很不好规范的文体修辞。比如我们读到一些艺术形式上不规范的小说、诗歌甚至戏剧创作,都会称之为“散文化”,即所谓散文化的小说,散文化的诗歌等等,可见散文的涵盖量很大,它能化到各种文体里去,并且所起的作用是颠覆已经凝固了的艺术形式,使严密的形式规范因为被稀释、被消解和被颠覆而产生出新的艺术生命。那么,有没有一种可以被称做是散文化的散文呢?

《光影之间:二十世纪经典摄影作品选粹》 书籍信息: 书名: 光影之间:二十世纪经典摄影作品选粹 作者: 摄影史研究小组 编著 出版社: 时代光影出版社 出版年份: 2023年 装帧: 精装,全彩印刷,附有高质量的艺术纸张展示 页数: 480页 --- 导言:凝固时间的魔法 摄影,自诞生之日起,便承担着记录现实、表达情感、乃至挑战既有观念的重任。二十世纪,是一个剧烈变革的世纪,战争、科技进步、社会思潮的涌动,无不深刻地烙印在镜头捕捉的瞬间之中。《光影之间》并非一部简单的图录,它是一次深沉的、跨越地域与风格的视觉对话,旨在梳理和呈现那些定义了二十世纪摄影艺术的标志性时刻与卓越视角。 本书精选了从世纪初新艺术运动影响下的肖像摄影,到战后纪实摄影的黄金时代,再到观念摄影兴起、直至数字时代前夜的近百幅关键作品。我们试图构建一个多维度的叙事框架,让读者得以体会,光与影如何成为艺术家手中最强大的语言工具,去解构、重塑或忠实记录我们共同经历的时代风云。 --- 第一部:现代性的觉醒与纪实的力量(1900-1945) 这一时期的摄影,充满了对媒介本身潜力的探索,以及对社会现实的敏锐洞察。 1. 早期探索与艺术化的追求: 开篇追溯了阿尔弗雷德·斯蒂格里茨(Alfred Stieglitz)及其“等时摄影派”的努力,他们如何将摄影从纯粹的记录工具提升至纯粹艺术的地位。书中重点收录了其在20世纪初纽约的街景系列,探讨了“形式的意义”如何在黑白影调中得以体现。我们详细分析了帕尔·斯特兰德(Paul Strand)早期作品中对物体几何形态的极端强调,如何预示了现代主义的视觉革命。 2. 战争的阴影与人性的拷问: 第一次世界大战催生了残酷但真实的影像记录。本书收录了大量早期战地记者的作品,而非仅仅停留在宏大的战场叙事上,我们更关注普通士兵和民众在极端环境下的面部表情和肢体语言。随后,大萧条时期的美国联邦农业局(FSA)项目是浓墨重彩的一章。多萝西娅·兰格(Dorothea Lange)的《移民母亲》不再仅仅是一张照片,而是成为了一个时代的象征。分析部分深入剖析了这些照片如何通过精准的构图和光线控制,将个体苦难转化为具有普世感染力的视觉宣言。 3. 结构与秩序的构建: 这一部分特别关注了包豪斯(Bauhaus)学派对摄影媒介的革新。拉斯洛·莫霍利-纳吉(László Moholy-Nagy)和阿尔伯特·兰格(Albert Renger-Patzsch)的作品展示了对清晰度、机械美感和摄影实验(如光绘、拼贴)的痴迷。这些作品挑战了传统的美学标准,强调摄影是基于理性而非感性的产物。 --- 第二部:黄金时代的巅峰与视角的确立(1945-1970) 二战结束后,摄影进入了快速发展期,纪实摄影达到了前所未有的成熟度,并形成了强大的流派影响力。 1. “生活”的脉动与人文主义的复兴: 美国《生活》(Life)杂志等大众媒体的崛起,为纪实摄影提供了广阔的舞台。亨利·卡蒂埃-布列松(Henri Cartier-Bresson)的“决定性瞬间”理论在书中得到了详尽的图文阐释。我们选取了他在战后巴黎街头、以及对中国和印度等地的观察记录,强调了其通过精确的时机把握,将瞬间的偶然性提升为永恒真理的艺术手法。罗伯特·卡帕(Robert Capa)的战争遗作,则以其近乎粗粝的现场感,展现了介入式新闻摄影的极限。 2. 图像的深度与个人化的凝视: 与布列松的优雅克制相对,这一时期的摄影师开始深入挖掘美国社会深层的焦虑和疏离感。罗伯特·弗兰克(Robert Frank)的《美国人》是绕不开的里程碑。本书详细对比分析了弗兰克作品中那种未经修饰、略带粗糙的颗粒感和疏离的视角,如何颠覆了战后美国“繁荣”的集体叙事。威廉·克莱因(William Klein)对城市运动、时尚的叛逆捕捉,则以其强烈的动态感和失焦的处理,预示了后现代主义的来临。 3. 肖像的重构与主体的力量: 在肖像摄影领域,理查德·阿维顿(Richard Avedon)和欧文·佩恩(Irving Penn)的作品代表了两种极端:阿维顿的肖像剥离了背景的干扰,专注于主体内在的冲突与紧张;而佩恩则在极简的影棚空间内,通过对材质和光线的精微控制,创造出近乎雕塑感的肖像。书中收录了他们为名人拍摄的标志性作品,并分析了这些作品如何超越简单的记录,成为心理学意义上的肖像。 --- 第三部:概念的转向与媒介的反思(1970-2000) 随着艺术市场和学术理论的介入,摄影开始质疑其自身的客观性,并向更广阔的艺术领域渗透。 1. 观念的胜利与景观的重塑: 1970年代是观念摄影爆发的时期。罗伯特·文丘里(Robert Venturi)和罗伯特·亚当斯(Robert Adams)等人对美国西部“反美学”景观的系统性记录,挑战了传统风景摄影的崇高主题。而更为激进的是,辛迪·谢尔曼(Cindy Sherman)通过《无题电影剧照》系列,彻底解构了女性在媒介中被构建的刻板形象。本书着重分析了她如何利用自身作为“被拍摄者”和“拍摄者”的双重身份,揭示了身份的流动性与表演性。 2. 色彩的回归与大型画幅的史诗感: 在长时间被黑白摄影主导的严肃摄影领域,以威廉·埃格尔斯顿(William Eggleston)为代表的彩色摄影开始占据重要地位。他的作品证明了日常的、俗丽的色彩同样可以承载深刻的美学价值。同时,安德烈亚斯·古尔斯基(Andreas Gursky)等德国杜塞尔多夫学派(Becher School)摄影师,利用巨幅的、技术上近乎完美的数字印刷作品,展现了全球化时代下宏大系统的冰冷秩序。这些作品标志着摄影在尺度和技术上达到了新的顶点。 3. 人类学的边界与身体的政治: 最后一部分聚焦于对边缘群体和身体政治的深入探索。莎莉·曼(Sally Mann)对家庭成员的私人化、充满争议的儿童肖像,引发了关于隐私与艺术边界的激烈辩论。而南·戈尔丁(Nan Goldin)的作品则以其近乎日记式的坦诚,记录了边缘社群的脆弱、亲密与挣扎,为我们理解90年代的身份政治提供了重要的视觉文本。 --- 结语:永恒的现在 《光影之间》跨越了百年历史的影像洪流,展示了摄影如何从一种新兴技术,成长为最具影响力的视觉文化载体。每一幅被收入的图像,都是一个时代的缩影,一次艺术家对“观看”这一行为的深刻反思。本书旨在鼓励读者超越对照片内容的简单叙述性理解,深入挖掘其背后的技术选择、历史语境以及对我们自身感知世界的重塑作用。光影流动,而瞬间永恒。

作者简介

目录信息

序:散文的民间
一 古代
1 出售英雄――修改规划的代价
2 驯心
二 域外
1 对称:在纳粹的阴影下
2 先知的声音
3 黑童话
4 当切・格瓦拉遭遇上本・拉登
5 在拉雪兹神父公墓
6 希望和梦想――与电影《刺激1995》有关
三 角色
……
四 闪回
……
五 浮世
……
六 思考
……
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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我花了整个周末的时间,才算粗略地翻阅完这本厚厚的文集,坦白说,作者的叙事节奏把握得极其老辣,几乎没有哪一篇能让你囫囵吞枣地读完。他的笔触并非一味地追求华丽辞藻的堆砌,反而更像是老匠人打磨玉石,每一刀都精准而必要,恰到好处地揭示出事物的本质,却又留下足够的空间供读者自行回味和填充。尤其是在描写那些日常琐碎的场景时,比如一次清晨去菜市场买菜的经历,或者仅仅是观察邻居家晾晒的床单,他总能从极其微小的事物中,挖掘出深刻的时代印记和人性的复杂。我记得有一篇,写的是对某个已经消失的传统手艺人的怀念,那种失落感不是通过直接的控诉来表达的,而是通过对方工具箱里工具的锈迹斑斑,通过空气中残留的木屑气味来侧面烘托的,读到那里,我甚至感觉自己能闻到那种潮湿的、带着年代感的味道。这种“写虚境,实写物”的高超技巧,让整本书的阅读过程变成了一种持续性的、需要全神贯注的解码过程,绝不是那种可以一边刷手机一边浏览的消遣读物。他强迫你慢下来,强迫你用“心”去看待周遭的一切。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮,那种沉稳的墨绿色封皮,配上烫金的、略带古典韵味的字体,拿在手里就有一种厚重感,仿佛真的能触摸到时光的纹理。我特别喜欢它在细节上的处理,比如内页的纸张选择,微微泛黄的米白色,触感细腻,即便是长时间阅读,眼睛也不会感到明显的疲劳。这让我不禁联想到那些老图书馆里,被岁月打磨得光滑的木质书架。我通常对散文集不太抱有太高的期待,总觉得容易流于空泛的抒情,但仅仅是翻阅目录,那些标题本身就带有一种独特的韵味,像是被精心挑选过的、来自不同季节的低语。比如“檐下听雨的哲学”、“旧城墙根下的苔藓”这类名字,立刻就能勾起读者心中对往事和细节的探寻欲。排版上也看得出是用心了,字与字之间、行与行之间的间距恰到好处,留白的处理非常克制而优雅,使得整体阅读体验非常流畅。我甚至特地在阅读时,为这本书配上了一杯热红茶,试图营造一种与书本气质相符的氛围。这不仅仅是一本书,更像是一件精心制作的艺术品,摆在书架上本身就是一种赏心悦目的存在,让人忍不住想去触摸,去探究里面蕴藏的那些文字的重量。它的物理形态,已经为接下来的精神之旅做好了完美的铺垫。

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这本书的语言风格有一种非常显著的“回声”效应,作者似乎对古典汉语的结构和韵律有着深厚的功底,但又巧妙地将其融入到现代白话的表达之中,形成了一种既熟悉又陌生的独特语感。他的句子结构常常带有并列和排比的节奏感,读起来朗朗上口,即便是在处理复杂的哲学思考时,其句法结构也显得井然有序,仿佛经过了精心的音韵校对。我发现自己不自觉地开始模仿他的语调在脑海中复述某些段落,尤其是一些长句,其内部的转折和递进关系处理得极为流畅,没有丝毫的拗口或拖沓。这让我想起某些老一辈作家的作品,那种文字本身就带着音乐性的质感。这种语言上的成熟度,无疑是建立在海量阅读和长期锤炼之上的。对于我个人而言,阅读这样的文字,不仅是思想的交流,更是一种对语言艺术本身的享受和学习,它提醒着我,即使是看似最自由的散文体裁,也需要最严格的结构和美学支撑。

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这本书最让我感到惊讶的,是它在情绪表达上的那份节制与克制,完全没有时下许多散文家惯用的那种肆意张扬的“我思故我在”的表达欲。作者仿佛站在一个更高的维度,冷静地审视着他所记录的一切,即便是提到那些可能令人心碎的往事或遗憾,他的语气也保持着一种近乎哲学的淡然。这使得书中的情绪积淀得非常深厚,如同深海中的暗流,你不会立即感受到汹涌澎湃,但当你静下来后,那种渗透骨髓的共鸣感会缓缓浮现,并且持久不散。例如,在谈及故乡的变迁时,他没有痛斥发展带来的破坏,而是用一种近乎生物学的观察口吻,描述了新旧建筑之间那种尴尬的共存状态,像是两种不同生命力在同一个时空里的互相挤压。这种不动声色的力量,远比直白的呐喊更有穿透力。我读完一些沉重的主题后,常常需要放下书本,望着窗外发呆许久,不是因为不理解,而是因为那种被深深触动后的“无话可说”,需要时间让思绪重新回到地面。这种高级的情感处理方式,着实令人钦佩。

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从文学流派的角度来看,这本散文集似乎在刻意地游走在“个人回忆录”和“社会观察手记”的边缘地带。你很难将它完全归类,因为它既有非常私密的、近乎日记式的片段,记录了作者少年时代那些懵懂的情愫和家庭生活中的细微摩擦,同时也包含了大量对特定历史时期社会风貌的敏锐捕捉。比如他写到某次集体的活动场景,笔墨并未聚焦于宏大的叙事,而是巧妙地选择了几个处于不同社会阶层的小人物的侧脸特写,通过他们眼神里的微表情和肢体语言,勾勒出那个时代的集体无意识。这种“以小见大”的写作策略,使得文本的厚度大大增加,避免了仅仅停留在“矫情”的个人愁绪中。读起来的体验非常丰富,时而像在听一位智者的娓娓道来,时而又像是翻阅一本旧相册,每一页都附带着清晰的时代注脚。这种跨越个人与时代的平衡感,让这本书不仅具有阅读价值,甚至可能具备一定的史料参考价值,是那种可以反复咀嚼的佳作。

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