具体描述
本书重点在于色彩画法的训练，使学生通过掌握静物、花卉、风景的写生技法，培养学生认识、表现与掌握色彩的基本知识与规律；运用水粉画法，提高描绘方法和识别色彩的能力。全书分简论、工具与材料、写生与色彩、色彩学知识、静物写生、花卉写生及风景写生几部分，重点介绍写生的方法、构图与步骤以及静物、花卉、风景的写生范画。本书适于工艺美术设计专业的学生、考生及工艺美术设计自学者、爱好者作为教材或参考用书。
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读后感
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用户评价
这是一本关于“视觉错觉与感知”的跨界之作，它完全颠覆了我对色彩和形式的传统理解。这本书与其说是一本绘画教程，不如说是一本关于人类视觉系统如何被“欺骗”的科学普及读物，而绘画正是利用了这些机制。它用极其严谨的科学语言，解释了为什么我们在看一幅画时，大脑会自动进行色彩的“调和”和边缘的“锐化”。书中详细剖析了“同时对比效应”在绘画中的应用，比如如何通过在暗部边缘增加一个极浅的暖色点，来瞬间增强暗部的深度和纯度。那些关于“网膜疲劳”和“颜色恒常性”的章节，让我开始重新审视我过去对“固有色”的执念。我明白了，优秀的作品并不在于“复制”现实中物体本身的颜色，而在于精确地“重现”我们看到物体时的感知状态。这本书充满了令人拍案叫绝的实例分析，每一例都配有对比图，直观地展示了运用这些视觉原理前后的巨大差异。对于热衷于超写实或后印象派风格探索的读者，这本书无疑是一把打开心智的钥匙。
评分这本关于油画材料和媒介的指南简直是为我这种初学者量身定做的。我以前总是对各种油画颜料的稀释比例感到困惑，总担心用太多油会让画面干得很慢，或者用太多松节油又会让色彩变得寡淡。这本书的作者用一种极其清晰且循序渐进的方式，详细讲解了从亚麻籽油到达玛树脂清漆的每一种常用媒介的特性、功能以及它们在不同绘画阶段的最佳应用。特别是关于“多层画法”的那一章，它不仅仅是告诉你该怎么做，而是深入剖析了每层颜料的油脂含量必须遵循的“肥盖瘦”原则背后的科学原理，让我彻底明白了为什么某些图层必须先干透才能上色。书中配有大量的图表和实际操作的照片，比如不同调和油混合后的光泽度和透明度的对比，这比单纯的文字描述直观太多了。我甚至学会了自己用蜂蜡和油调配出一种具有特殊肌理效果的快干媒介。对于任何希望提升油画技艺，不再依赖成品调和油的严肃学习者来说，这本书的价值是无法估量的。它提供了构建稳定、持久画面的底层知识框架，而不是浮于表面的技巧罗列。
评分这本书的装帧设计和排版本身就是一种艺术享受，厚重的铜版纸印刷让每一张彩图都散发着微妙的光泽，充分展现了高品质印刷对艺术作品呈现的重要性。内容上，它专注于“纹理与表面处理”——一个常常被基础教材忽略但对作品最终效果至关重要的领域。它花了大量篇幅讨论如何用不同类型和硬度的画笔，结合不同粘度的颜料，来模拟如风化石材、斑驳墙面、甚至是金属锈蚀的复杂质感。特别精彩的是关于“肌理媒介”的综述，它系统地介绍了矿物粉末、沙子、石膏等非传统材料如何安全地融入油画层，以及如何预先处理这些基材以确保它们不会在长期保存中导致开裂或脱落。作者的叙述风格沉稳而权威，透露出长达数十年的创作经验积累。读完后，我不仅掌握了创造丰富触感的技巧，更重要的是，建立起一套评估和选择最适合特定主题的表面处理方案的判断体系。这本书简直是艺术材料学和绘画实践相结合的典范，是案头必备的“质感词典”。
评分坦白说，我买这本书时是抱着“快速提升”的心态，但很快我就意识到，它是一部需要沉下心来“研读”而不是“速览”的工具书。它对古典湿画法（Alla Prima）的深入探讨，简直是一场技术上的“极限挑战”。作者没有回避湿画法中常见的挑战，比如颜料的泥泞化、色彩的相互渗透以及如何快速建立体积感。书中详细对比了不同厚度画刀的使用技巧，以及如何利用笔触的方向性来模拟不同织物的纹理，比如丝绸的光滑与粗麻布的粗粝感。最让我感到受用的，是关于如何处理画面“局部完成度”的章节。在追求一气呵成的湿画法中，如何判定哪些地方需要精细收尾，哪些地方可以保持笔触的松动和粗犷，是决定作品成败的关键。作者通过展示大量不同阶段的作品照片，清晰地指明了“收笔点”的艺术性判断标准。这本书的价值在于它教人如何在时间压力下保持对画面整体性和局部细节的掌控，这对于追求效率和现场感的画家来说，是无价之宝。
评分这本书的叙事风格非常像一位经验丰富、但又充满激情的画廊策展人在跟你耳语他的珍藏秘籍。它不侧重于基础的素描练习或色彩理论的枯燥讲解，而是直接切入了大师们是如何构建画面“情绪”和“氛围”的核心议题。我尤其欣赏它对“光线处理”的独特视角——它将光线视为一个可塑的、具有物理重量的元素，而非仅仅是亮部和暗部的区分。书中分析了伦勃朗的戏剧性布光如何服务于心理深度，以及印象派画家如何捕捉短暂的、转瞬即逝的自然光。其中关于“负空间”的论述，简直是点睛之笔，它教会我如何通过谨慎地处理未绘制的区域来引导观者的视线，从而让主体更加突出，而不是一味地把精力都放在主体细节的雕琢上。这种从宏观构图和光影心理学角度切入的分析，极大地拓宽了我的艺术思维。读完后，我拿起画笔时，会更少地考虑“我应该画什么”，而更多地思考“我希望观者感受到什么”。这是一种从匠人思维到艺术家思维的飞跃，非常令人振奋。
评分读的是2014年黄色封面版本的《水粉画》，同样是徐海鸥主编的高校教材，对于初学者很友好，有收获，顺便想读同系列的其他几本
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