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出版者:第1版 (2004年4月1日)

作者:鲍蕙荞

出品人:

页数:75

译者:

出版时间:2004-4

价格:20.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806673645

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《旋律的魔法：古今器乐的漫游与创新》 序章：听见看不见的色彩 音乐，从来不只是声音的堆叠，它是情感的河流，是思想的画卷，更是跨越时空的对话。当我们凝视一段旋律，就像是在欣赏一幅色彩斑斓的油画，每一个音符都是一笔精心勾勒的笔触，共同构建起跌宕起伏的情感起伏，或是宁静致远的意境。而当我们将目光投向历史长河中的器乐发展，便会发现，这并非是一条单向的直线，而是一幅由无数个“点”连接而成的璀璨星图，每一个“点”都代表着一位作曲家的智慧闪光，一位演奏家的灵魂演绎，以及一种时代精神的凝结。 《旋律的魔法：古今器乐的漫游与创新》并非是一部枯燥的音乐史百科全书，它更像是一场精心策划的导览，带领读者穿越古老的宫廷，漫步于巴洛克时期的繁复华丽，感受古典主义时期的理性与优雅，沉浸于浪漫主义的炽热与奔放，直至触碰现代音乐的无限可能。我们不拘泥于年代的划分，更注重音乐风格的演进、作曲技法的革新以及器乐种类在历史长河中的演变轨迹。这本书试图揭示音乐的“骨骼”与“血肉”，让读者在理解音乐的结构之余，更能感受到其跳动的生命力。 第一章：回声悠长——早期器乐的萌芽与初步繁荣 在文字尚未完全主宰人类文明的时代，器乐就已经以其独特的方式，在神圣的仪式、庆典以及日常生活中扮演着重要的角色。本章将追溯器乐的起源，从那些古老的回响中，我们能听到早期人类对自然声音的模仿，对神秘力量的祈祷，以及对生活情感的朴素表达。 远古的律动： 探索史前乐器，如骨笛、陶笛、鼓等，分析其在早期人类社会的功能和意义。思考音乐是如何与生存、仪式、传承紧密相连的。 文明的曙光： 聚焦古埃及、古希腊、古罗马等文明中的器乐发展。了解当时主要的乐器类型，如竖琴、里拉琴、管乐器等，以及它们在宗教、戏剧、宴会中的应用。特别会探讨古希腊音乐理论对后世的影响，以及柏拉图、亚里士多德等哲学家对音乐的哲学思考。 东方弦歌： 简要触及中国古代的琴、瑟、箫、笛等传统乐器，以及它们在文人雅士生活中的地位，感受东方器乐的独特韵味和审美情趣。 中世纪的圣歌与世俗： 分析中世纪早期宗教音乐（格里高利圣咏）的发展，以及在此基础上如何逐渐衍生出非声乐的音乐形式。探讨鲁特琴、维奥尔琴等乐器在中世纪世俗音乐中的作用，以及吟游诗人的音乐创作。 第二章：巴洛克的辉煌——复调的魔力与情感的张力 巴洛克时期，无疑是器乐发展史上一个极其辉煌的时代。在这个时期，作曲家们精湛的技艺、宏大的构思以及对情感的深刻洞察，共同铸就了器乐的独立地位。复调音乐的成熟，如同精巧的建筑，层层叠叠，相互交织，却又浑然一体。 复调的精髓： 深入剖析赋格、卡农等复调音乐织体。以巴赫的《平均律钢琴曲集》、《音乐的奉献》等为例，解析其严谨的结构、精妙的对位以及背后蕴含的深刻哲理。 协奏曲的崛起： 探讨协奏曲（Concerto）这一体裁的形成与发展。从维瓦尔第的《四季》出发，分析协奏曲中独奏乐器与乐队之间对话、竞争与融合的戏剧性。 组曲的多彩： 介绍巴洛克组曲（Suite）的特点，如舞曲的组合（萨拉班德、吉格、库朗特等），以及巴赫、亨德尔等作曲家在此领域的重要贡献。 室内乐的精致： 关注奏鸣曲（Sonata）的早期发展，特别是教会奏鸣曲和室内奏鸣曲的风格差异。 键盘乐器的革新： 介绍管风琴、羽管键琴（Clavichord）、拨弦古钢琴（Harpsichord）等乐器在巴洛克时期的地位，以及它们在作曲家创作中的重要性。 第三章：古典主义的典范——清晰的结构与普适的美 古典主义时期，在巴洛克时期繁复之后，追求的是一种更加清晰、平衡、和谐的美。作曲家们将音乐的结构推向了新的高度，奏鸣曲式的发展成为这一时期的核心，其清晰的逻辑和严谨的逻辑，为后世无数音乐创作奠定了基础。 奏鸣曲式的解析： 详细讲解奏鸣曲式（Sonata form）的呈示部、发展部、再现部等基本结构，以及其在海顿、莫扎特、贝多芬的奏鸣曲、交响曲、四重奏等作品中的具体应用。 交响乐的成熟： 探讨交响乐（Symphony）从早期形式到海顿“交响乐之父”的地位确立，再到莫扎特和贝多芬的巅峰创作。分析交响乐各乐章的典型结构与情感变化。 室内乐的精致对话： 深入研究弦乐四重奏（String quartet）在古典主义时期的黄金发展。以海顿的“父亲四重奏”、莫扎特的“海顿四重奏”、贝多芬的早期四重奏为例，展现器乐之间细腻的对话与情感交流。 协奏曲的新风貌： 分析古典主义时期协奏曲的发展，特别是钢琴协奏曲的革新。莫扎特精巧的钢琴协奏曲，以及贝多芬早期协奏曲的力度与深度。 歌唱性的旋律： 强调古典主义时期对旋律清晰、优美、富有歌唱性的追求，以及如何与和声、节奏巧妙结合。 第四章：浪漫主义的狂潮——情感的释放与个性的张扬 浪漫主义时期，音乐的重心从理性的结构转向了情感的深度与个性的张扬。作曲家们将个人情感、理想、乃至民族精神注入音乐之中，使得器乐作品呈现出前所未有的丰富性与多样性。 情感的宣泄： 探讨浪漫主义时期对个人情感、梦想、幻想、甚至痛苦的直接表达。舒伯特的艺术歌曲（Lied）对器乐的影响，肖邦钢琴作品中细腻的情感表达。 标题音乐的兴起： 介绍标题音乐（Program music）的概念，如柏辽兹的《幻想交响曲》，以及标题音乐如何通过音乐描绘故事、场景或情感。 交响诗的魅力： 深入分析交响诗（Symphonic poem）这一新兴体裁，如李斯特的《前奏曲》，以及它如何将叙事性与音乐性完美结合。 民族乐派的崛起： 关注民族乐派作曲家，如斯美塔那、德沃夏克、格里格等，他们如何将本民族的民间音乐元素、史诗传说融入器乐创作，形成鲜明的民族特色。 钢琴的黄金时代： 强调钢琴在浪漫主义时期的重要地位。从肖邦、李斯特的炫技与抒情，到舒曼、勃拉姆斯对钢琴音乐深刻的哲学思考，展现钢琴表现力的无限可能。 更大的乐队与更丰富的音色： 分析浪漫主义时期管弦乐队的规模扩大，新乐器的引入（如萨克斯管、竖琴的广泛应用），以及作曲家如何运用更丰富的音色来表达情感。 第五章：20世纪的探索——革新、多元与挑战 进入20世纪，世界格局、社会思潮发生巨大变化，音乐也随之进入了一个空前多元、充满探索与挑战的时代。从印象主义的朦胧意境，到表现主义的内心挖掘，再到新古典主义的回归，以及十二音体系、序列音乐、电子音乐等，20世纪的器乐发展呈现出百花齐放的局面。 印象主义的色彩： 探讨德彪西、拉威尔等作曲家如何运用模糊的节奏、丰富而新颖的和声，营造出色彩斑斓、朦胧飘渺的音乐意境，如同音乐中的印象画派。 表现主义的内心： 分析勋伯格、贝尔格、韦伯恩等如何通过无调性、十二音体系等手法，表达内心的极端情感、焦虑与不安。 新古典主义的回响： 介绍斯特拉文斯基等作曲家对巴洛克、古典主义时期音乐风格的借鉴与创新，在现代手法中融入古典的精神。 结构与实验： 探讨各种新兴的作曲技法，如序列音乐（Serialism）、偶然音乐（Aleatoric music）、电子音乐（Electronic music）等，以及它们对传统音乐观念的冲击与革新。 融合与跨界： 关注20世纪末至今，器乐与其他艺术形式（如电影、舞蹈、戏剧）的融合，以及不同文化背景下器乐风格的交流与碰撞。 终章：未完待续的乐章 《旋律的魔法：古今器乐的漫游与创新》的终章并非是结束，而是对未来音乐发展的展望。我们相信，器乐作为一种最纯粹的艺术形式，将继续承载着人类的情感、思想和对世界的探索。新的技法、新的音色、新的观念将不断涌现，但音乐的核心——传递情感、引发共鸣、触及灵魂——将永远不变。 本书旨在为读者开启一扇理解器乐历史与发展的窗户，让您在聆听音乐时，不仅能听到优美的旋律，更能看见隐藏在音符背后的历史脉络、作曲家的心路历程以及人类情感的无限可能性。希望这场“漫游与创新”的旅程，能点燃您心中对音乐更深层次的探索热情。

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一本让我重新审视指法训练本质的书籍——《现代钢琴演奏的体能与预防》终于让我明白了为什么我总是“弹不快”或者手腕容易酸痛。这本书的视角非常独特，它将钢琴演奏提升到了运动科学的高度来讨论。作者，我猜他本身一定是康复训练或运动生理学背景的专家，书中大量篇幅都在讲解如何利用身体的重心转移、肩胛骨的稳定性和核心力量来驱动手指的运动，而不是单纯依赖指尖的力量。书中详细分析了许多著名钢琴家在演奏中不经意间展现出的高效发力模式，并将其标准化为一系列有针对性的“动态伸展”练习，这些练习看起来简单，但做完后感觉全身的肌肉群都被激活了。它对于预防腕管综合征和腱鞘炎的建议更是细致入微，包括坐姿的调整细节，以及在演奏间隙进行肌肉放松的小技巧。这本书读下来，我感觉自己像是在进行一次深层次的身体“重置”，明白了僵硬和紧张是效率的天敌。对于那些在技术瓶颈期徘徊，或者经常遭受演奏疲劳困扰的进阶学习者而言，这本书提供的不仅仅是技术指导，更是一种长久、健康的演奏生涯保障。

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我最近沉迷于《爵士钢琴即兴创作的秘密法则》，这本书带给我的冲击是革命性的。我之前一直被传统的古典训练束缚，总觉得钢琴演奏必须一丝不苟地遵循乐谱，缺乏自由和个性。这本书彻底颠覆了我的认知。它不是那种教你模仿大师的“速成秘籍”，而是一套深入剖析爵士乐和声骨架和即兴思维逻辑的系统理论。作者用非常直观的方式解释了和弦的延伸音、色彩音是如何构建出那种迷人的“爵士味儿”，并且毫不吝啬地分享了他自己多年来摸索出的转位和声替换技巧。书中大量的实例分析，都是从耳熟能详的爵士标准曲目中截取出来的，配上作者自己设计的练习模式，让你能迅速上手，将抽象的理论转化为手指能直接表达的音乐语言。我最喜欢的是关于“动机发展”那一章节，它教你如何抓住一个简单的旋律片段，然后通过节奏变化、音区移动、和声烘托等手法，将其发展成一段完整的、充满个性的即兴段落。自从开始练习这本书里的内容，我的演奏不再是机械的重复，而是充满了对话感和呼吸感。对于想要突破古典藩篱，进入即兴创作世界的琴手来说，这本书的价值，远超乎其售价。

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这本新学的《古典钢琴演奏的奥秘》简直是为我这种初学者量身定做的宝典！我一直对那些复杂的古典乐章心生向往，却苦于找不到合适的入门途径，市面上的教材要么过于枯燥，要么就是直接跳到高难度技巧，让人望而却步。这本书的编排方式简直是化繁为简的艺术。它从最基础的手型、指法开始讲起，每一个步骤都有清晰的图示和详尽的文字说明，让我感觉就像身边有一位耐心的老师手把手在教导。尤其欣赏它将乐理知识融入到实际练习中的设计，不再是孤立的理论灌输，而是让你在弹奏巴赫的小步舞曲时，自然而然地理解了对位法的基本概念。更别提它收录的那些精选的、难度适中的巴洛克早期作品，恰到好处地搭建起了从简单的音阶练习到真正演奏的桥梁。我花了大概一个月的时间，按照书上的进度一点点啃下来，现在再去碰以前觉得遥不可及的曲子，竟然能找到一些感觉了，那种成就感，无以言表。这本书的讲解风格非常亲切，没有那种高高在上的学术腔调，读起来毫不费力，就像在听一位经验丰富的前辈分享他的学习心得，实用性极强，强烈推荐给所有想认真学习古典钢琴的爱好者。

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我必须承认，我购买《流行钢琴伴奏与和声速查手册》最初只是想应付一些朋友婚礼或小型聚会的伴奏任务，没想到它成了我日常工作中最常翻阅的工具书。这本书的实用性是碾压级别的。它的结构非常清晰，前半部分是关于如何快速识别和构建流行音乐中常见的复杂和弦（比如Maj7、sus4、add9等）的速查表，配有钢琴键盘图示，即便不熟悉乐理的读者也能立刻上手。但真正让我惊艳的是后半部分关于“节奏型和律动”的章节。它系统地整理了从Bossa Nova到Funk，再到现代R&B中常用的低音线条和和弦分解模式。作者强调了“律动先于旋律”的理念，并提供了大量可以直接套用到任何四四拍歌曲中的伴奏模板。我过去常常为了找一个合适的伴奏和弦进行而浪费大量时间，现在，我只需要翻到相应的页面，就能迅速找到一个既符合歌曲风格又不会抢走主唱风头的完美支撑。这本书没有太多高深的理论，全是干货，它真正做到了让钢琴成为一个灵活、多变的“节奏乐器”，而不是仅仅是旋律的附属品。

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老实说，我是一个对技术细节有着近乎偏执要求的人，所以当我拿到《肖邦夜曲演奏的艺术解析》时，抱着很大的期待。这本书，没有让我失望。它不是一本普通的曲集，而是一部关于如何“理解”和“呈现”肖邦音乐的深度导览。作者似乎拥有将琴键上的每一个音符都赋予情感和呼吸的能力，并且将这种能力拆解开来，让我们这些努力模仿者能够窥见一二。书中对踏板的使用有着极其精妙的论述，不同于市面上泛泛而谈的“轻柔运用”，这本书深入探讨了在不同调性、不同织体下，踏板如何影响音色的饱和度、模糊度乃至情感的流淌，甚至给出了不同演奏厅声学环境下踏板的微调建议。此外，它对“触键的颗粒感”的描述也极为生动，通过对比不同指尖的压力分布，解释了肖邦作品中那种既华丽又略带伤感的“天鹅绒”质感是如何形成的。阅读这本书的过程，就像是跟着一位大师在乐谱上进行“外科手术式”的解剖，每一个连音、每一个装饰音背后，都有其深刻的音乐动机。如果你追求的是对浪漫主义作品的极致表达，这本书无疑是你的终极参考指南。

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