儿童国画入门.山水篇.北京名园 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国和平出版社

作者:姜宝宏

出品人:

页数:72

译者:

出版时间:2004-4-1

价格:13.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787801548344

丛书系列:

图书标签:

• 儿童画
• 国画
• 山水画
• 入门
• 绘画
• 艺术
• 北京
• 名园
• 少儿
• 教程

探索奇妙的笔墨世界：少儿国画启蒙系列其他分册简介 第一辑：花鸟灵韵——描摹自然生命的细腻与灵动 本系列专注于引导初学儿童领略中国传统花鸟画的精髓，强调观察自然、捕捉生命动态与色彩韵律。不同于山水画的宏大叙事，花鸟画更侧重于“一花一鸟之妙”。 分册一：《迎春报喜：梅花与蜡梅的写意技法》 本书将聚焦于梅花这一高洁的象征物。内容涵盖梅花的枝干结构——如何通过干枯的线条展现遒劲的生命力，以及花瓣的点染技巧。我们将详细解析“飞白”的运用，如何用淡墨勾勒出疏影，再用胭脂或洋红晕染出冷艳的花色。课程设计以宋代黄荃一派的工笔细节为基础，逐步过渡到文人画的写意洒脱。例如，会有一章专门讲解如何用焦墨画出苍老的树皮，以及如何通过花苞的造型预示春天的到来。学员将学习如何根据不同季节的花开状态，调整墨色的浓淡干湿。 分册二：《夏荷清露：写意荷花的墨分五色》 荷花是中国画中极其重要的题材，它象征着“出淤泥而不染”的高尚品格。本册的重点在于“湿画法”的练习。我们将深入讲解“墨分五色”在荷花上的具体应用——如何用大笔触快速铺陈出大片的墨色背景，用清水晕染出水气氤氲的效果。教学内容包括荷叶的向背关系、翻转叶片的结构变化，以及花瓣的层次感表现。特别会有一节课专门示范如何用清水与淡墨快速画出清晨荷叶上凝结的露珠，表现夏日的清新感。我们将参考近现代吴昌硕的粗犷豪放风格，让孩子们敢于用墨，不拘泥于细节的描摹。 分册三：《秋虫之语：蟋蟀、蚱蜢的工笔观察与写意捕捉》 此分册是技术难度较高的一册，旨在培养孩子对微小生命的细致观察力。内容将工笔与写意结合。首先，会教授如何用细笔勾勒昆虫的肢体结构，如腿部的关节、触须的纤细，以及翅膀上透明的脉络。然后，重点转向写意部分，即如何用最少的笔触，通过墨色的变化和几笔精准的线条，捕捉蟋蟀振翅欲飞或蚱蜢停歇的瞬间神态。我们还会探讨如何用背景的留白来突出主体的动态，以及如何用赭石、藤黄等矿物色描绘秋日里成熟的草木环境。 分册四：《岁寒三友：松、竹、梅的组合与意境营造》 本册是花鸟画中经典的组合训练。松、竹、梅三者代表了坚韧不拔的精神。教学将侧重于“组合”而非“单体”。首先拆解松针的“介字点法”，竹子的“一笔成竹”和“节节高升”的画法，以及梅枝的“鹿角枝”结构。最后，指导孩子们如何将这三者安排在一个画面中，形成“岁寒三友”的完整意境。重点在于画面空间的疏密处理和气韵的贯通，避免元素堆砌的呆板感。 --- 第二辑：翰墨丹青——书法基础与国画笔墨技法精进 本系列旨在巩固儿童对传统笔墨的理解，将书法训练与绘画的线条表达紧密结合。 分册一：《点线成阵：中国书法的基本笔法与绘画线条的提炼》 本册是国画的基石训练。它不教授楷书、隶书等传统书法门类，而是专注于提炼书法中的核心线条元素，服务于绘画。内容包括：执笔姿势的调整以适应不同的绘画笔触；“中锋、侧锋、藏锋”在画竹竿、画山石中的应用。例如，如何用“尖笔”勾勒人物的衣褶，如何用“饱满的侧锋”刷出水墨的层次。大量练习将围绕“一笔画”展开，例如，仅用墨色浓淡变化来区分远近的线条。 分册二：《水墨晕染：从墨分五色到黑白世界的探索》 本册完全摒弃色彩，专注于水墨的魅力。核心是理解“润、浓、重、淡、清”五种墨色的层次控制。我们将通过画静物（如石头、竹笋）来练习墨色的渐变，如何让墨色从黑到灰自然过渡，而不产生生硬的“断层”。教学重点包括“破墨法”——在已干的墨色上再次叠加湿墨，产生自然交融的效果，以及如何利用画布（宣纸）本身的吸水性，实现墨色的“洇化”美感。 分册三：《方寸之间：小写意印章与落款的布局艺术》 传统国画的完整性包含题款与钤印。本册指导儿童如何将这些元素视为画面构图的一部分。内容包括：认识篆刻的基本风格（虽然不要求刻，但需理解其方正、古朴的特点）；学习在画面空白处合理安排文字内容，包括横款、竖款、诗句的分布。重点讲解“画眼、题款、印章”三者构成的三角形平衡原理，确保落款不会喧宾夺主，而是起到画龙点睛的作用。 --- 第三辑：人物故事与器物写实——观察世界的广阔视角 此系列引导孩子们将目光从自然景物转向人文世界。 分册一：《古韵衣褶：初识中国人物画的勾、皴、点》 本册着眼于人物的动态与结构。内容将侧重于服装的画法。不要求写实的人体解剖，而是学习用流畅的线条勾勒出“衣纹”——通过衣褶的走向来暗示人物的姿势（如站立、行走、回望）。我们将介绍简单的“十八描”技法概念，并重点练习“兰叶描”和“铁线描”在表现飘逸或刚劲服装上的区别。色彩主要使用赭石、藤黄和花青进行大面积的平涂，学习如何用淡墨区分人物的前后层次。 分册二：《器皿之美：陶瓷、竹篮与文房用具的透视与质感》 本册培养孩子的写实观察能力和对日常物品的审美。内容包括：简单的几何体透视原理在圆形器皿（如瓶、碗）上的应用；如何表现不同材质的质感——如陶土的粗糙感、瓷器的光滑感。在水墨处理上，重点学习如何用干笔皴擦出竹篮的编织纹理，以及如何利用留白来表现光滑釉面的反光效果。这有助于他们理解，即便是静物，也需要赋予其生命力和年代感。

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这本书的章节安排简直是教科书级别的示范，它似乎非常懂得初学者的心理曲线，懂得如何保持学习的热情。我以前买过其他一些入门书，上来就要求你画“高远图”或“深远图”，结果我画的不是一堆杂乱的线条就是一摊墨渍，挫败感极强。然而，这本《山水篇》的编排思路太巧妙了。它首先从最简单的元素入手，比如“树的画法”，但它不是只教你画松树，而是把松、竹、柳分门别类，用最简化的结构符号来解析它们的“骨骼”。等你掌握了树的“个性”之后，它才开始引导你去组合这些元素。 当我练习到“远山”那一课时，我发现作者非常注重意境的营造，而不是单纯的写实。书中提到，山水画的精髓在于“气韵生动”，而这种气韵是通过留白和皴法的巧妙结合来实现的。它用非常富有诗意的语言描述了“云雾缭绕”的效果，而不是机械地教你“用淡墨扫几笔”。这种对东方哲学美学的渗透，让我感觉自己不仅是在学画画技巧，更是在进行一场精神上的洗礼。每一次下笔，都仿佛在和古人对话，去理解他们笔下的天地。这种深层次的引导，让学习过程充满了探索的乐趣，完全不是那种应试教育的枯燥感。

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这本书最让我感到贴心的地方，在于它对学习进度的自我评估和调整的设计。它没有设置那种一上来就让人望而却步的“期末大考”，而是非常人性化地设计了一些“小小的挑战”。比如，学完“云和水”的几种画法后，它会建议你尝试创作一幅“云水相依”的小品，并且还贴心地给出了几种不同的构图思路作为参考。 更重要的是，它在鼓励你进行自我修正。书中反复强调，国画练习是一个“不断尝试”的过程，不要害怕画坏，因为每一张废稿都可以成为下次成功的基石。这种积极的心理暗示，对我这种容易自我批判的人来说，简直是一剂良药。它让我放下了对“完美”的执念，更专注于享受创作的过程本身。我甚至开始主动收集一些自然界中的景物照片，然后尝试用书中学到的技法去“翻译”它们，将现实中的光影和层次，转化为水墨的语言。这种由模仿到再创作的转变，是这本书在不知不觉中为我搭建的桥梁。

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整体来看，这本书不仅仅是一本技术手册，它更像是一位沉稳且富有耐心的老先生，坐在你身边，用最温和的声音引导你进入一个全新的审美世界。我最欣赏它在介绍技法时，总是会巧妙地穿插一些关于“山水哲学”的思考。比如，在教如何画“石头的皴法”时，它会引申到中国传统文化中对“坚韧”和“厚重”的推崇。 这种将艺术与人文精神相结合的叙事方式，让学习过程变得异常充实和有意义。我不再觉得只是在机械地复制线条，而是在通过水墨的语言，表达我对自然景观的理解和情感投射。这本书的排版设计也功不可没，它使用了大量的留白，这不仅是为了美观，更是在潜移默化中教会读者国画中“计白当黑”的空间处理理念。这种润物细无声的教育方式，才是真正高级的艺术启蒙。我强烈推荐给所有对传统艺术心生向往，却又苦于找不到合适切入点的人。它会让你相信，拿起毛笔的那一刻，你就已经踏上了属于自己的艺术旅程。

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天哪，我简直不敢相信自己淘到了这样一本宝藏！这本书的装帧设计就让人眼前一亮，那种古朴又不失雅致的感觉，一下子就把我拉进了传统艺术的氛围里。我原本对国画山水抱着一种敬而远之的态度，觉得那都是大师们才能玩得转的“高深学问”。可是这本《儿童国画入门·山水篇》完全颠覆了我的认知。它不是那种干巴巴的理论堆砌，而是用一种极其亲切、手把手的方式，把我这个“零基础小白”领进了门。 最让我惊喜的是它对“笔墨”的讲解。你知道吗，我以前总觉得国画的线条就是随便画画，但这书里把毛笔的提按顿挫、墨色的浓淡变化，解释得如同烹饪秘籍一般清晰明了。比如，如何通过控制笔尖的含水量来画出“润而不洇”的皴法，书里甚至配了超放大的局部图解，让我能清晰地看到每一笔的力道走向。它没有直接逼着你去模仿名家巨作，而是让你先从最基础的“点”和“线”开始练习，建立起对工具的掌控感。这种由浅入深的教学逻辑，让人感觉每完成一个小练习，就好像在攀登一座小山峰，成就感满满，完全没有枯燥感。那种“原来如此”豁然开朗的感觉，比看任何教程都来得实在。我甚至开始期待周末能有更多时间沉浸在墨香之中，去体会那种笔触在宣纸上洇开的美妙。

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我必须得说，这本书的配图质量简直是艺术品级别的，这一点对于视觉学习者来说至关重要。很多入门书的范图总是模糊不清，或者色彩失真，让人看不出墨色的微妙变化。但这本书的印刷效果，无论是墨的层次感还是纸张的纹理，都处理得极其到位。尤其是那些“步骤分解图”，简直是艺术家的“秘密笔记”被公开展览了一样。 作者在示范过程中，不仅展示了最终成品，更细致地标注了“起笔”、“行笔”、“收笔”的具体状态。例如，在讲解“水纹”的画法时，书中特意用放大镜效果展示了笔尖在半干状态下与宣纸接触的瞬间，那种细微的“飞白”是如何产生的。这种对细节的极致追求，让我对手中那支毛笔的掌控信心倍增。它让我明白，国画的精妙之处，往往就在于这些“不完美”的笔触之中，这些“不完美”恰恰是生命力的体现。我以前总觉得国画需要昂贵的设备才能出效果，但这本书让我体会到，好的审美和精妙的引导，远比器材更重要。

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