色彩静物临本 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:浙江人民美术出版社

作者:郦纬农

出品人:

页数:16

译者:

出版时间:2000-1

价格:14.00元

装帧:

isbn号码:9787534010217

丛书系列:

图书标签:

• 静物
• 色彩
• 临摹
• 绘画
• 艺术
• 素描
• 油画
• 水彩
• 基础
• 入门

探寻视觉的脉动：现代光影与材质解析 图书名称：现代光影与材质解析 内容提要： 本书旨在为致力于提升绘画和摄影表现力的学习者与实践者，提供一套系统、深入且极具操作性的视觉语言构建指南。我们不再拘泥于传统静物描绘的固定范式，而是将焦点投向当代艺术语境中，光线、色彩与物质属性之间复杂而迷人的互动关系。全书分为四个核心部分，层层递进，从基础的物理光学原理，到高阶的心理感知构建，全面解析如何通过精准的观察与娴熟的技法，捕捉和重塑我们所见的世界。 第一部分：光线的本质与视觉的重构 本部分深入剖析光的物理特性，超越“亮部、暗部、反光”的简单划分。我们将详细探讨： 1. 光谱与色温的微妙差异： 讲解不同光源（如LED、钨丝灯、日光、月光）在色温和光谱分布上的细微差别，以及这些差异如何直接影响我们对物体固有色的判断。通过大量的实例对比，揭示冷光与暖光在空间氛围营造中的决定性作用。 2. 焦散现象与体积光： 重点解析光线穿过不规则介质（如水体、玻璃、磨砂表面）时产生的复杂折射与衍射效果——焦散（Caustics）。同时，对空气中悬浮颗粒物散射光线形成的体积光（Volumetric Light）进行细致的图解说明，教授如何将其应用于增强画面的深度感和戏剧性。 3. 高光与次级光源的层次构建： 传统绘画常强调主光源，而本书着重研究次级光源（如环境反射光、物体间相互反射光）的拾取与处理。通过分析高光在不同曲面上的形态变化（从锐利的镜面高光到弥散的漫反射高光），指导读者构建一个真实、多维度的光照环境，而非扁平的单向照明。 第二部分：材质的触觉与视觉转化 材质是物体得以存在的载体，也是决定视觉体验的关键要素。本部分将材质的解析提升到材料科学的层面，并将其转化为可操作的视觉语言： 1. 表面的微观结构分析： 深入探讨“粗糙度”（Roughness）和“各向异性”（Anisotropy）对光反射的影响。例如，如何区分拉丝金属（具有方向性反射）与抛光金属（具有均匀反射），以及如何通过笔触或纹理处理来模拟磨砂玻璃、生锈铁皮或湿润皮革的差异。 2. 半透明与次表面散射（SSS）： 详细解析光线穿透半透明物体（如玉石、蜡、皮肤）后，在内部散射再射出的现象——次表面散射。本书提供了针对不同材质（如皮肤、牛奶、大理石）的SSS强度和色彩倾向的参考数据，指导艺术家如何表现出材质的“内在光泽”与“温润感”。 3. 材质的“老化”与“时间感”： 材质并非永恒不变。本章探讨了腐蚀、氧化、磨损、污渍等时间印记对材质视觉效果的影响。通过对这些“不完美”元素的精确描绘，赋予静物更强的故事性和历史感。 第三部分：色彩的心理学与环境适应性 色彩不再仅仅是颜料的混合，而是观察者心理状态和环境影响的复合结果。 1. 环境色对固有色的修正： 阐述环境反射色如何“污染”或“丰富”物体的固有色。通过分析冷色调环境与暖色调环境下的同一物体表现，确立“环境色是环境对物体提出问候的方式”这一核心概念。 2. 饱和度与信息密度的控制： 教授如何通过有策略地控制色彩的饱和度来引导观者的视觉焦点。高饱和度的区域通常意味着信息和能量的集中点，而低饱和度则用于营造景深或稳定画面。 3. 色彩和谐与不和谐的建立： 结合色彩理论，探讨如何利用互补色、邻近色等关系来构建画面情绪。特别关注在现代抽象静物中，如何运用强烈的色彩对比来打破传统和谐，制造视觉张力。 第四部分：从观察到表现的技法整合 本部分将前三部分的理论知识熔铸于实际操作之中，提供从写生到后期处理的一套完整流程。 1. 多角度观察训练法： 引导读者跳出单一视角的限制，通过变换视角、调整光源模拟、甚至使用滤镜辅助观察，来全面解锁物体表面的视觉信息。 2. 数字与传统媒介的材质映射： 对比油画、水彩、丙烯与数码绘画在模拟特定材质时的优劣势和技巧侧重。例如，如何使用厚涂法模拟陶瓷的釉面，或如何通过叠色与留白来表现丝绸的光滑。 3. 创作中的“减法”哲学： 强调艺术表现并非面面俱到，而在于筛选与提炼。指导读者如何根据创作意图，果断地舍弃次要的光影与材质细节，强化核心的视觉主题，最终实现“形神兼备”的艺术目标。 本书特点： 本书摒弃了冗长晦涩的理论阐述，采用大量精选的当代艺术作品和科学摄影图例进行解析，确保每一条原理都配有清晰、可复现的视觉证据。它不仅仅是一本绘画技法书，更是一本关于如何“观看”世界的哲学指南，适用于所有追求绘画、插画、概念艺术及专业摄影领域深度表达的创作者。阅读本书，将使您对光影、色彩和材质的理解达到一个全新的、富有洞察力的层次。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，一个好的学习材料，其价值应该体现在它能激发你脱离它的能力。这本书恰恰做到了这一点。在临摹了几组复杂的场景之后，我发现自己不再需要完全依赖参考图去判断色彩关系了。我开始能够在大脑中预先构建一个光影和色彩的立体模型，然后直接将它投射到画布上。这本临本像是一个强大的“肌肉记忆训练器”，它通过重复和精确的引导，帮助我构建起一套可靠的视觉处理系统。那些原本让我感到头疼的复杂光照条件，现在也变得有迹可循。它教会我的不是如何画出书中的每一幅画，而是如何去“看懂”世界，如何将现实中稍纵即逝的光影瞬间，通过自己的媒介语言去“锚定”和“永恒化”。对于任何想在视觉艺术领域扎实根基的人来说，这本书都是一个无法绕开的里程碑式的存在。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始对这类临本的实用性持怀疑态度的。通常它们要么就是印刷质量跟不上，导致颜色失真，要么就是内容过于晦涩难懂，看得云里雾里。但这本书完全颠覆了我的预期。它的色彩还原度简直达到了令人发指的精确，特别是对于那些微妙的灰调和环境色的捕捉，几乎可以作为标准色卡来使用。更让我惊喜的是，它不仅仅是“展示”，还加入了大量的“注解”。这些注解并非那种枯燥的理论阐述，而是非常口语化、充满个人经验的分享，仿佛作者就坐在你身边，一边为你示范一边悄悄告诉你：“你看，这里稍微加一点暖色调进去，马上就有了空气感。”这种“手把手”的引导，极大地降低了学习的门槛，让我这种自学者也能快速领会到一些行业内的“潜规则”。它有效率地填补了我理论知识与实际操作之间的巨大鸿沟。

评分☆☆☆☆☆

这本书在选材上的多样性给我留下了极其深刻的印象。它并没有局限于传统的瓶瓶罐罐或者简单的水果组合，而是巧妙地融入了一些现代元素，使得整体的调性既有历史的沉淀感，又不失当代的活力。我特别喜欢其中关于金属质感的处理，那种冰冷、坚硬的反光是如何被柔软的画笔捕捉并转化成视觉上的触感，简直是一场视觉魔术。而且，书中对于不同材质的“声音”——如果可以这么说的话——也有独到的表现力。比如皮革的温润、陶瓷的清脆、木材的粗粝，仅仅通过色彩和笔触的细微差别，读者就能“听”到那种材质特有的质感。这对于我这种习惯于用二维媒介去表达三维世界的创作者来说，是一种极大的启发。它强迫你去思考，如何用最少的视觉语言，去暗示最丰富的触觉信息。这种深层次的表达能力，是很多速成类的画册望尘莫及的。

评分☆☆☆☆☆

我最开始接触这类题材时，常常苦于找不到那种能真正“教”我东西的参考资料。很多临本要么过于简化，直接跳过了中间的复杂步骤，要么就是过度精修，细节失真，让人光看图却抓不住本质。然而，这本让我看到了绘画过程中的“犹豫”和“挣扎”，当然，是那种积极意义上的探索。它不是简单地将成品摆在那里供人膜拜，而是通过一系列细致入微的对比图，展示了从基础铺色到最终提炼高光的完整心路历程。特别是对于那些看似简单的物体，比如一块水果的表皮纹理，或者一个玻璃瓶上的反光折射，作者是如何层层递进，用不同的笔法去解构和重构的，简直是教科书级别的示范。我发现，以前我总是在追求“像”，而这本书引导我开始关注“为什么像”，这种思维模式的转变，远比单纯学会临摹一个特定的物体要宝贵得多。它让我对“观察”这个动词有了全新的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太精妙了，光是捧在手里，就能感受到那种沉甸甸的质感。封面那种哑光的处理，配合着内页的纸张选择，简直是艺术品级别的用心。我尤其欣赏的是它在排版上的克制与大胆。有些页面的留白处理得极具张力，仿佛在呼吸，让你在欣赏作品时能有足够的喘息空间，不会觉得信息过载。而另一些地方，色彩的过渡和并置又被安排得恰到好处，仿佛是精心编排的音乐会，每一个音符（也就是色彩的组合）都精准地落在了该有的位置。我花了好长时间才舍得动笔，生怕破坏了这份完美的平衡。它不仅仅是一本临摹用书，更像是一本关于视觉美学的入门指南，里面对于光影的捕捉和材质的表现力，那些细微的笔触变化，都让人在“看”与“做”之间找到了一个绝佳的连接点。那些古典的静物组合，通过这本书的再现，仿佛都被赋予了新的生命力，那种时间沉淀下来的厚重感和永恒的美感，扑面而来，让人心生敬畏。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆