观念艺术

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出版者:人民美术出版社
作者:徐淦
出品人:
页数:95
译者:
出版时间:2004-5
价格:34.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787102028941
丛书系列:西方后现代艺术流派书系
图书标签:
  • 观念艺术
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具体描述

《观念艺术》内容简介:对后现代艺术深有研究的王瑞芸从美国来信时谈到:现代主义艺术强调的是“形”,后现代主义艺术看重的是“态”,可谓一语点破了现代后现代艺术形态嬗变的要害。现代艺术对艺术发展的突出贡献是视觉形式的拓展,后现代艺术却是以反艺术的面貌把艺术变为无所不在的生活感觉状态。

“道之为物,惟恍惟惚”、“为学日益,为道日损。损之又损,以至无为。”电脑和现代传媒的普及使人们同书籍渐渐疏远,人的书写、阅读、沉思、步行等功能也渐渐退化。人们对真理的分头追求一旦在高层次上会合,竟发现进就是退,形化为态,以至于同“无”的距离越来越近。然而“天下万物生于有,有生于无”。(《老子》)无之后又会有有,后之后又锂是前。后现代同“无”的相遇也许是为萌生新“有”准备土壤吧!

殊途同归,西方解构主义者沿着逻格斯的山道艰苦登攀,意外地来到老子、庄子恍惚、逍遥的墓碑前面。

过去我国对后现代艺术的介绍比较零星,且编于建筑与文学。之套书系调动了国内外的艺术研究学者,特别是留学国外的博士、硕士参与撰稿,作者阵容强大,内容涉猎广泛,填补了国内的一项空白,有着重要的学术价值和社会价值。

《光影流转的叙事:现代摄影的视觉语言研究》 图书简介 本书并非一部关于哲学思辨或艺术理论的宏大论著,而是聚焦于一个具体且极具生命力的视觉媒介——摄影——自诞生以来,如何逐步构建并完善其独特的叙事体系与表达语汇的深度剖析。我们旨在剥离那些笼罩在摄影史上的神话与误读,以一种更为细致入微的“技术-美学-社会”三位一体的视角,审视光线如何被捕捉、被塑造,最终转化为具有强大穿透力和情感共鸣的图像文本。 全书共分为六大部分,层层递进,力求勾勒出一部扎实的现代摄影语言发展史。 第一部分:暗箱的诞生与视角的觉醒 本部分追溯了摄影术早期的技术原貌,重点探讨了达盖尔银版法和塔尔博特湿版法在物理层面上如何限制了早期摄影师的创作自由,同时也孕育了其独特的“记录性”美学。我们关注的焦点在于,早期的肖像摄影师和风景记录者,如何在技术的粗粝与光线的脆弱中,首次实现了对“瞬间”的精确捕获。这一时期的作品,其价值更多体现在对现实的忠实映射,但其中已隐现出构图、景深和曝光控制等早期视觉语言的萌芽。我们将详细解析马赫菲尔德、卡梅隆等先驱者,如何在受制于技术的同时,通过对布景和人物姿态的引导,初步建立起一种基于“真实”的、严谨的视觉契约。 第二部分:纪实精神的构建与社会介入 进入十九世纪中后期,随着社会问题的日益凸显,摄影开始承担起“社会之眼”的重任。本部分着重分析了纪实摄影的兴起,尤其关注了美国南北战争后的环境记录,以及十九世纪末欧洲城市贫民窟的影像报道。不同于此前提到的温和记录,这一阶段的摄影师们开始有意识地运用“戏剧性”的构图和高反差的光影,来强化事件的冲击力。我们深入研究了如何通过取景框的选择,将无序的现实提炼为具有明确指向性的“论据”。例如,对特定人物面部表情的捕捉,或对环境细节的放大,都成为构建说服力的关键语法。此部分强调了“在场感”在纪实语言中的核心地位,以及编辑排版对最终意义的重塑作用。 第三部分:现代主义的解构与形式的纯粹化 二十世纪初,面对绘画对抽象和主观表达的解放,摄影界也掀起了一场回归自身的运动。本书的第三部分详尽考察了“纯粹摄影”(Pure Photography)和“结构主义”对摄影语言的洗礼。斯蒂格利茨、亚当斯等大师如何将焦点从描绘客体转移到对光影、纹理和几何形态本身的迷恋。我们分析了他们如何系统性地放弃叙事性,转而强调影调的层次变化、线条的张力和画面的平衡感。这一时期的作品,其语言的复杂性在于,它们用最朴素的视觉元素,讲述了关于“观看本身”的哲学命题。特别是对超焦距、景深、以及不同显影技术对颗粒感控制的研究,构成了这一阶段的“语法规范”。 第四部分:流动的叙事:摄影组辑与蒙太奇的力量 如果说单幅照片是“词汇”,那么摄影组辑(Photo Essay)便是完整的“句子”与“篇章”。本部分是本书的核心之一,它探讨了摄影如何通过序列化、并置和交叉剪辑的方式,实现超越单张图像信息承载极限的复杂叙事。我们细致分析了埃里森·哈斯的《美国人》、沃克·埃文斯与詹姆斯·阿吉的《美国农家》等里程碑式的作品,并非仅仅关注其中单幅画面的美感,而是剖析了照片之间的“连接点”——节奏、主题的递进与转折、以及视觉符号的重复与变奏。这一部分揭示了编辑的艺术,即如何在无声的排列中,创造出声音、时间跨度和内在的心理运动。 第五部分:主观化的色彩与非传统的视角 随着技术的发展,尤其是彩色摄影的普及和小型相机(如徕卡)的便携化,摄影师开始更深入地介入日常生活的私密领域。本部分关注的是“主观视角”的爆发,例如法国新浪潮后期的街头摄影以及美国“生活摄影师”对日常荒诞性的捕捉。我们不再满足于对客观世界的精确描绘,而是着力表现个体经验对现实的扭曲与重构。色彩从单纯的记录媒介,转变为表达情绪和氛围的有力工具。我们探讨了如何通过高饱和度或低对比度的色彩选择,来构建一种特定的“情绪场”,以及如何通过抓拍的瞬间,捕捉到介于意识与潜意识之间的微妙状态。 第六部分:后现代语境下的图像颠覆与重构 在数字时代和图像泛滥的背景下,摄影的“真实性”基础受到挑战。本书最后一部分探讨了后现代艺术实践对传统摄影语言的挑战与利用。包括如何通过挪用(Appropriation)、拼贴、以及对传统摄影师风格的戏仿,来解构原有的权威叙事。我们分析了辛迪·谢尔曼等艺术家,如何利用扮演和布景,使摄影成为对“身份”与“观看者”之间关系的拷问。这里的语言已经不再是直接的记录,而是通过对既有图像语汇的拆解和重组,进行一种高度反思性的对话。 本书结构严谨,论证详实,旨在为所有对视觉艺术、传播学和现代文化史感兴趣的读者,提供一个理解摄影——这一被我们视为理所当然的媒介——复杂而精妙的视觉语法体系的工具箱。它是一部关于光、时间、技术和人类观察方式的编年史。

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读后感

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用户评价

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这本书带给我的不仅仅是知识的增益,更是一种思维方式的重塑。我一直认为,艺术的价值在于其独特性和创新性,而观念艺术恰恰是艺术创新精神的集中体现。作者在书中详细介绍了观念艺术如何挑战传统的艺术定义,如何将艺术的边界不断拓展。我被那些艺术家们,如何用颠覆性的方式来表达自己对世界的看法所深深吸引。他们敢于质疑,敢于实验,敢于用最意想不到的方式来触动观者的心灵。这本书让我深刻地理解了,艺术的本质,并不仅仅是复制现实,更是对现实的一种解读、一种批判、一种重构。我尤其喜欢作者在分析一些具有争议性的作品时,那种客观而辩证的视角。他能够带领读者去理解艺术家创作的动机,去体会作品所带来的思考和启示,而不是简单地对作品进行评判。

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这本书的语言风格非常独特,既有学术的严谨,又不失文学的浪漫。作者在阐述观念艺术的核心理念时,并没有使用那种生硬的、脱离实际的理论说教,而是通过一个个引人入胜的故事,让抽象的艺术概念变得鲜活起来。我被书中描绘的那些艺术家们,如何将日常的观察转化为艺术的灵感,如何用最朴素的媒介来传递最深刻的思想所深深吸引。这本书让我意识到,艺术的创作,并不一定需要昂贵的材料和复杂的工艺,更重要的是艺术家内在的思考和表达的意愿。我尤其欣赏作者在分析作品时,那种对艺术家个人经历和时代背景的深度挖掘。他能够将一件作品置于更广阔的文化语境中去解读,从而让读者更全面地理解作品的意义和价值。这本书让我对“观念”这个词有了全新的认识,它不再是虚无缥缈的概念,而是艺术创作的灵魂和核心。

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这本书给我的最大感受是,它打破了我对于艺术的固有偏见。我曾经以为,艺术创作一定需要精湛的技巧和华丽的呈现。但在这本书的引领下,我看到了艺术家们如何通过概念本身来创作,如何用最简单、最直接的方式来表达最复杂的思想。书中对一些“挑战性”的艺术作品的解读,尤其让我印象深刻。作者并没有回避这些作品可能带来的争议,而是深入分析了艺术家创作这些作品时所处的时代背景和文化语境,以及这些作品在当时所引发的思考。这种客观而深入的分析,让我能够站在一个更广阔的视角去理解艺术的多元性和包容性。我尤其喜欢作者对于“作品”与“经验”之间关系的探讨,他指出,观念艺术往往更注重艺术家通过创作所带来的观者体验和思维启迪,而不仅仅是作品本身的物质属性。这种观点让我开始重新审视自己与艺术的关系,我不再仅仅是一个被动的接受者,而是可以成为一个主动的参与者,在与艺术的互动中,获得属于自己的独特体验和感悟。

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我一直认为,一本好的艺术读物,不仅仅是提供信息,更重要的是能够激发读者的思考。而这本书,无疑做到了这一点。它没有像一些枯燥的学术论文那样,上来就摆出一堆理论框架,而是以一种更具启发性的方式,引导我进入艺术家的内心世界。我记得其中有一章节,详细阐述了艺术家如何将日常生活中的琐碎元素,经过观念的提炼,转化为具有颠覆性的艺术表达。这让我联想到我自己的生活,那些被我视为平凡无奇的日常,或许也蕴藏着未被发掘的艺术潜力。作者的叙述风格非常具有感染力,他不会刻意去“教导”你,而是通过讲述一个个鲜活的故事,让你自己去体会其中的奥妙。我特别欣赏他对于不同艺术家之间思想碰撞的描绘,那种跨越时空的对话,让不同流派、不同理念的艺术家,仿佛在同一个舞台上共同上演了一场思想的盛宴。这本书不仅仅是关于观念艺术的介绍,更是一种关于如何看待世界、如何理解艺术的启示。它让我明白,艺术的价值,并不仅仅体现在其物质形式上,更在于其背后所蕴含的思想深度和人文关怀。

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这本书的封面设计就足够吸引人了,简约的线条勾勒出一个抽象的几何图形,色彩搭配上大胆而和谐,让人第一眼就对它产生了浓厚的兴趣。我并不是一个艺术专业的科班出身者,但对艺术的探索一直抱有极大的热情。在翻开这本书之前,我对“观念”这个词在艺术语境下的理解还比较模糊,总觉得它带有一种玄乎其玄的距离感。然而,随着阅读的深入,我发现作者用一种非常平实而生动的语言,将那些看似晦涩的艺术理念层层剖析,仿佛一位耐心而博学的向导,引领我一步步走进观念艺术的世界。书中并没有过多地堆砌专业术语,而是通过大量的艺术案例,从不同时期、不同艺术家的作品出发,生动地阐释了观念艺术的核心思想。我尤其喜欢作者在分析每一件作品时,那种抽丝剥茧般的逻辑 M 展,不仅仅是描述作品的表面形态,更深入到艺术家创作的背景、意图以及作品所引发的社会思考。这种解读方式让我能够更清晰地理解,为什么一件看似“普通”的物品,或者一段看似“无意义”的行为,在艺术家的手中,能够升华为具有深刻内涵的艺术作品。这本书让我对“艺术”的定义有了全新的认知,它不再仅仅是视觉上的享受,更是一种思想的交流,一种对世界的观察和表达。

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阅读这本书,就像是一次心灵的洗礼。我被那些艺术家们,如何用最简单的媒介,创造出最深刻的艺术作品所深深吸引。作者在书中细致地分析了,观念艺术如何摆脱对物质形式的依赖,将艺术的重心转移到思想和概念上来。我尤其欣赏作者对那些“非传统”艺术形式的解读,比如行为艺术、装置艺术等。他能够深入挖掘这些作品背后的逻辑和意义,让读者理解它们在艺术发展史上的重要地位。这本书让我开始重新审视自己对艺术的理解,我不再局限于对视觉美学的追求,而是开始关注艺术作品的思想深度和人文关怀。它让我明白,真正的艺术,能够触动人心,能够引发思考,能够改变我们看待世界的方式。

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这本书的独特之处在于,它不仅仅是对观念艺术的介绍,更是一种关于如何理解艺术、如何欣赏艺术的引导。作者以他独特的视角,将那些看似遥远和抽象的艺术概念,变得触手可及。我被书中描绘的那些艺术家们,如何用他们的作品来探索人性的本质,如何用艺术来表达对社会现象的思考所深深打动。他能够将艺术与哲学、社会学、心理学等多个学科相结合,从而为读者提供一个更广阔的理解视角。我尤其喜欢作者在分析作品时,那种对细节的关注和对整体的把握。他能够从微小的之处发现艺术的奥妙,也能够将艺术置于更宏大的历史背景下进行解读。这本书让我对艺术的认识,不再仅仅停留在“好不好看”的层面,而是开始关注艺术背后的思想和价值。

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这本书的结构安排非常合理,从观念艺术的起源和发展,到其核心理念和代表性作品,再到它对当下艺术的深远影响,作者都进行了清晰而系统的阐述。我尤其喜欢书中对不同时期、不同地域的观念艺术家的介绍,他们各自独特的风格和思想,共同构成了观念艺术丰富而多彩的面貌。作者的叙述语言非常生动,他能够用简洁而精准的语言,将复杂的艺术概念解释清楚。我被书中描绘的那些艺术家们,如何用他们的作品来挑战人们的认知,如何用艺术来引发社会的讨论所深深打动。这本书让我意识到,艺术不仅仅是个人情感的抒发,更是一种社会责任的体现。它能够唤醒人们的思考,能够推动社会的进步。

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阅读这本书的过程,就像是在进行一场跨越时空的艺术对话。作者以他渊博的学识和敏锐的洞察力,将我带入了观念艺术发展的历史长河,让我有机会与那些伟大的艺术家们进行思想上的交流。我被书中描绘的那些艺术家们,在面对艺术的边界时所展现出的勇气和创造力所深深打动。他们敢于质疑传统,敢于挑战权威,敢于用全新的方式去表达自己对世界的理解。这本书不仅仅是对观念艺术的梳理,更是一种对艺术精神的赞颂。作者的文字充满激情,他用细腻的笔触,描绘出艺术家们在创作过程中所经历的挣扎、探索与突破。我尤其喜欢书中对那些“难以理解”的作品的解读,作者并没有简单地将其归为“晦涩难懂”,而是耐心地引导读者去挖掘作品背后的逻辑和意义。这种解读方式让我感到,艺术的魅力,恰恰在于它能够激发我们去思考,去探索,去发现隐藏在表象之下的深层含义。

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这本书的文字充满了智慧和洞察力。作者以他深厚的艺术功底和敏锐的社会观察力,为读者呈现了一个关于观念艺术的精彩世界。我被书中那些艺术家们,如何用他们的作品来质疑权威,如何用艺术来表达独立思考所深深吸引。他能够将复杂的艺术理论,用通俗易懂的语言解释清楚,并且通过大量的艺术实例,让读者更直观地理解观念艺术的魅力。我尤其喜欢作者对那些具有里程碑意义的观念艺术作品的解读,他能够深入分析这些作品的创作背景、艺术手法以及它们对后世艺术发展所产生的深远影响。这本书让我对艺术的理解,不再局限于某个特定的流派或风格,而是开始欣赏艺术的多元化和创新性。它让我认识到,观念艺术的价值,在于它能够拓展我们对艺术的认知边界,能够启发我们对生活和世界的深入思考。

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不再局限于绘画的观念艺术

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很普通的艺术理论书 该深得地方不深 该浅的地方不浅 内容太少

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