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出版者:上海人民美术出版社

作者:基蒙・尼克莱代斯

出品人:

页数:176

译者:王毅

出版时间:2004-7

价格:36.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787532240371

丛书系列:西方经典美术技法译丛

图书标签:

• 素描
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好的，根据您的要求，这是一份关于不包含《素描进阶教程》内容的图书简介，侧重于其他艺术或技能领域，并力求详尽、自然。 书籍名称：光影叙事：电影摄影与视觉语言的深度解析 导言：超越取景框的艺术 在这个信息爆炸的时代，影像的力量无远弗届。我们每天都在消费海量的视觉内容，但有多少人真正理解了画面背后的“语言”？《光影叙事：电影摄影与视觉语言的深度解析》并非一本关于如何操作摄像机的技术手册，它是一次深入探索光线、构图、色彩与运动如何共同构建意义和情绪的旅程。 本书旨在为电影制作人、视觉设计师，以及所有渴望理解和运用视觉叙事力量的人，提供一套系统而深刻的理论框架和实践指导。我们将聚焦于如何通过镜头精确地传达导演的意图，如何利用光影的微妙变化引导观众的潜意识，以及如何使每一个画面都成为推动故事前行的有效叙事单元。 第一部分：光——叙事的灵魂 光线是摄影的基石，也是情绪最直接的表达媒介。本部分将全面剖析光线的物理特性及其在艺术表现中的哲学意义。 第一章：自然光与人工光的辩证关系 我们将探讨自然光（如日光的角度、强度和色温）如何影响场景的真实感与氛围。随后，深入研究三点布光法（主光、辅光、轮廓光）的经典应用及其局限性。重点在于“软光”与“硬光”的对比分析——软光如何营造柔和、亲密的氛围，硬光如何刻画戏剧性的冲突和人物的内心挣扎。我们不会讨论绘画中的线条或明暗关系，而是着重于如何塑形和分离主体。 第二章：色温与情绪的心理学链接 色彩不仅仅是视觉的愉悦，它更是情绪的触发器。本章详细解析开尔文色温如何影响观众对“冷漠”、“温暖”或“危险”的感知。我们将通过分析经典电影片段——例如，高色温（偏暖）用于表现怀旧或炙热的爱情，低色温（偏冷）用于营造疏离、孤寂或科技感的场景——来具体阐释色彩对叙事节奏的控制力。本部分的核心是光线对心理状态的诱导作用，而非色彩理论本身。 第三章：光影的对比度与密度 对比度（Contrast Ratio）决定了画面的信息密度和视觉冲击力。本书将区分“低对比度”场景（如雾景或室内弱光）如何增强神秘感或压抑感，与“高对比度”场景（如日晒下的西部片）如何强化英雄主义或对峙感。此外，我们还将探讨阴影的运用——阴影不是缺失的光，而是有目的的构图元素，它们如何隐藏信息、暗示潜意识的恐惧。 第二部分：构图——空间的秩序与张力 摄影构图是将三维世界压缩至二维平面的艺术，它要求精确的空间规划和对观众视线流动的掌控。 第四章：从经典网格到动态平衡 我们将从最基础的三分法、黄金分割原理开始，但重点在于如何打破这些规则以服务于叙事。分析不对称构图（Asymmetrical Balance）在制造视觉紧张感上的效用，以及如何使用引导线（Leading Lines）将观众的目光导向故事的关键点。我们将研究框架构图（Framing）如何为人物提供心理上的庇护所或囚禁感。 第五章：景深与空间层次的构建 景深（Depth of Field）的运用是区分业余与专业摄影的关键。本章深入讨论大景深（Deep Focus）如何保持前景、中景、背景的信息完整性，实现多层次的叙事（如奥逊·威尔斯作品的分析），以及浅景深（Shallow Focus）如何将观众的注意力强制集中于单一元素上，制造亲密感或隔离感。这不是关于光圈的物理调节，而是关于空间信息的选择性呈现。 第六章：透视、角度与权力关系 相机的角度（Angle）是建立权力关系和表达情感偏向的最有力工具。我们将系统地解析仰角（Low Angle，赋予主体权威感）、俯角（High Angle，使主体显得渺小或脆弱）以及水平视角（Eye-Level）的常规意义。更进一步，我们将探讨倾斜镜头（Dutch Tilt）如何暗示角色精神状态的失衡或环境的混乱。 第三部分：运动——时间的编辑与节奏的掌控 在数字影像中，运动（无论是镜头的移动还是角色的移动）是时间的表达。本部分探讨如何让运动本身成为叙事的一部分。 第七章：镜头运动的语法：平移、摇摄与推拉 平移（Pan）、摇摄（Tilt）、推轨（Dolly In/Out）和变焦（Zoom）各有其独特的语言意义。推轨镜头如何建立沉浸感，模拟角色的内心探索；摇摄如何揭示环境的广阔或限制；而变焦则常被用作情绪的爆发点或时间的加速器。我们专注于这些动作如何影响观众的生理感知和叙事速度。 第八章：稳定与失控：手持摄影的质感 手持摄影（Handheld）的引入并非总是为了追求“真实感”。本章将分析其在制造焦虑、混乱或即时性方面的叙事功能。对比之下，稳定器（如Steadicam）所带来的流畅、近乎超现实的追踪镜头，如何服务于复杂的环境段落或宏大的场面调度。 第九章：视觉语言的整合与风格确立 最后，本书将引导读者进行整合练习。如何将特定的光线风格、构图偏好和镜头运动“混合”，从而形成独特的、可识别的视觉风格？我们将通过案例研究，展示视觉语言是如何服务于主题，而不是成为炫技的工具。例如，极简主义的构图搭配低对比度的冷光，如何共同强化一个关于现代异化的主题。 结语：持续的观察与实践 《光影叙事》旨在提供一把钥匙，开启通往深度视觉理解的大门。学习电影摄影，不是学习如何“看”，而是学习如何“构造观看”。它要求我们保持永不满足的观察力，持续地解构我们所见的一切影像，并勇敢地尝试用光线和运动来重塑我们自己的世界观。 本书内容聚焦于电影摄影的技术美学与叙事功能，绝不涉及素描、绘画技法、透视在平面艺术中的应用，或任何与美术基础训练直接相关的章节。它是一部关于如何“拍摄”和“观看”的深度指南。

评分☆☆☆☆☆

无疑是手绘界的唯一圣经，要按要求做完里面的练习真的需要很大毅力，不过我会努力的…… 如果觉得这本书吭不下来的可以先试试Drawing on the Right Side of the Brain(《像艺术家一样思考》)  

评分☆☆☆☆☆

无疑是手绘界的唯一圣经，要按要求做完里面的练习真的需要很大毅力，不过我会努力的…… 如果觉得这本书吭不下来的可以先试试Drawing on the Right Side of the Brain(《像艺术家一样思考》)  

评分☆☆☆☆☆

一本相见恨晚的书!一本心中的神书! 尼克莱代斯太伟大了,达芬奇用他才华成就自己.而尼克莱代斯用他才华成就无数绘画的爱好者!  

评分☆☆☆☆☆

一本相见恨晚的书!一本心中的神书! 尼克莱代斯太伟大了,达芬奇用他才华成就自己.而尼克莱代斯用他才华成就无数绘画的爱好者!  

评分☆☆☆☆☆

一本相见恨晚的书!一本心中的神书! 尼克莱代斯太伟大了,达芬奇用他才华成就自己.而尼克莱代斯用他才华成就无数绘画的爱好者!  

评分☆☆☆☆☆

在我看来，一个好的素描教程，不应该仅仅是技巧的堆砌，更应该包含对艺术的理解和思考。《素描进阶教程》正是这样一本。它没有把我当成一个机械的模仿者，而是把我引向了一个更深层次的探索。我最喜欢的是书中关于“情感的表达”这一部分。作者并没有直接教我如何画出“伤心”的表情，而是通过分析不同光影、线条和构图如何能够烘托出某种情绪，来引导我去理解情感是如何在画面中被具象化的。比如，用低沉的阴影和压抑的线条，可以营造出悲伤的氛围；而用明亮的光线和舒展的线条，则可以表现出愉悦的心情。这种从“感受”出发的教学方式，让我意识到，素描不仅仅是“画”，更是“说”。我尝试用书中介绍的方法去描绘我内心的感受，虽然过程不尽完美，但我能清晰地感受到，我的画面开始有了自己的“声音”。书中对“节奏的韵律”的讲解也让我眼前一亮。它不是简单地讲画面的疏密，而是将线条的粗细、长短、方向，以及明暗的对比，都视为一种视觉的节奏，让画面在黑白灰的世界里跳跃出独特的韵律。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格和内容组织方式，都让我觉得非常亲切和易于接受。我一直对素描有浓厚的兴趣，但市面上很多教程要么过于专业化，要么过于理论化，让我望而却步。《素描进阶教程》则恰恰相反，它用一种非常平实而富有启发性的方式，将素描的知识娓娓道来。我最喜欢的是书中关于“观察的艺术”的讲解。作者并没有简单地教我如何用眼睛去看，而是引导我去“用心”去观察。比如，在观察一个人物时，我学会了如何去捕捉他/她的神态，去感受他/她的情绪，而不仅仅是记录他/她的五官。书中用大量的实例，展示了如何通过细微的线条变化、光影的明暗对比，来传递出人物的情感和个性。这种从“人”出发的素描方式，让我觉得非常有温度。此外，书中关于“氛围的营造”的讲解也让我眼前一亮。它教我如何通过背景的处理，光线的明暗，以及构图的安排，来营造出整个画面的氛围，让画面不再是孤立的物体，而是充满了故事和情感。这本书，让我体会到了素描的魅力，也让我对绘画有了更深层次的理解。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，《素描进阶教程》不仅仅是一本技法书，它更像是一扇通往艺术世界的大门。我一直对绘画充满热情，但总感觉自己缺乏系统的指导，在实践中总是摸着石头过河。这本书的出现，仿佛为我指明了方向。我最欣赏的是书中关于“质感表现”的深入探讨。作者并没有简单地列举一些表现毛发、金属、布料的技巧，而是从根源上分析了不同材质的物理特性，以及它们在光影下的表现方式。比如，在表现光滑的金属时，我学会了如何通过精准的亮部和微妙的反射来营造光泽感；在表现粗糙的麻布时，我明白了如何利用笔触的堆叠和颗粒感来模拟其粗糙的纹理。这种深入的分析，让我不再是机械地模仿，而是真正地理解了质感背后的原理。此外，书中对“色彩的素描化”的讲解也让我大开眼界。虽然是素描教程，但作者巧妙地将色彩的感知融入了黑白灰的运用中，让我开始思考，如何在没有颜色的情况下，去表现出色彩的冷暖、明暗和饱和度。这对我今后的色彩绘画打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构和内容都让我觉得非常贴心。我之前尝试过很多素描教程，但总会遇到一些问题，比如内容跳跃，或者理论脱离实践。而《素描进阶教程》则是一气呵成，从基础的点、线、面，到复杂的形体、光影，再到更深层次的构图和表现力，都安排得井井有条。我尤其喜欢书中关于“透视的视觉语言”的讲解。作者不仅仅是枯燥地讲解透视线和消失点，而是通过大量生动的案例，让我理解透视如何影响画面的空间感和深度感，以及如何巧妙地运用透视来引导观众的视线。比如，书中分析的低角度仰视构图，是如何增强画面的气势和庄严感；而高角度俯视构图，又如何营造出渺小和孤寂。这种将理论与视觉感受相结合的方式，让我对透视有了全新的认识。另外，书中关于“人物动态的解剖透视”的讲解也给我留下了深刻的印象。它不是单纯的骨骼肌肉图谱，而是侧重于如何将解剖学知识转化为生动的线条和形体，让人物的每一个动作都充满力量和生命力。这本书的每一个章节，都像是为我打开了一扇新的窗户。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为素描只是对现实的模仿，直到我读了《素描进阶教程》。这本书完全颠覆了我对素描的认知。它不像我之前接触过的任何教材，只是简单地教你如何画出眼睛、鼻子、嘴巴，或者如何叠加明暗。这本书更像是一位经验丰富的老师，在和你进行一场关于艺术的对话。它首先引导我去“看”，不仅仅是用眼睛看，而是用心去感受。关于“情绪的线条”这一章，让我印象深刻。作者通过分析一些大师作品中线条的粗细、虚实、走向，来阐述线条如何承载和传达情感。当我尝试用不同的线条去描绘同一个对象时，我惊奇地发现，仅仅是线条的变化，就能让画面产生截然不同的情绪。比如，用粗犷、有力的线条可以表现出力量感和坚韧，而用细腻、柔和的线条则能传递出温柔和脆弱。书中关于“空间感的营造”的讲解也让我受益匪浅。作者并没有简单地教你透视原理，而是通过对比、遮挡、空气透视等多种手段，来让画面产生深度。我特别喜欢书中对“留白”的艺术的阐释，它告诉我，空白并非虚无，而是构图的重要组成部分，它能引导观者的想象，让画面更具呼吸感。这本书不是一本教你“画什么”的书，而是一本教你“如何去思考，如何去感受，如何去表达”的书。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，素描最难的部分在于如何将二维的平面转化为三维的立体感。我花了很长时间去学习光影的运用，但总感觉画面缺乏那种“呼之欲出”的感觉。《素描进阶教程》这本书，给了我答案。它关于“体积的塑造”的讲解，是我看过的所有教程中最深入的。作者不仅仅讲解了明暗交界线、投影和反光的概念，更重要的是，他通过对不同体积形体的光影分析，让我理解了光线是如何“包裹”住物体的。比如，在表现球体时，我学会了如何用细腻的灰度变化来模拟球体的光滑表面和圆润的体积；在表现立方体时，我明白了如何通过清晰的边缘和精确的光影关系，来强调其方正的棱角。书中的大量范例，从简单的几何体到复杂的静物，都进行了详细的光影解析，让我能够清晰地看到光线是如何在物体表面流动和变化的。此外，书中关于“虚实结合”的运用也让我受益匪浅。它教我如何在表现主体时，用清晰的线条和细腻的灰度来突出其质感和体积，而在表现背景或次要元素时，则可以适当放松笔触，营造出虚化的空间感，从而衬托出主体的立体感。

评分☆☆☆☆☆

这本《素描进阶教程》简直是为我量身定做的！一直以来，我对素描的热情只停留在基础的明暗和轮廓，总觉得少了点什么，无法将脑海中的画面真实地呈现出来。市面上很多教程要么过于简单，要么过于晦涩，找到一本既能触及灵魂又能指导实操的书籍，如同大海捞针。但当我翻开这本书的第一页，我就知道我找到了。它没有一开始就抛出复杂的理论，而是从一个更具启发性的角度切入，通过一系列精选的优秀作品分析，引导读者去观察，去感受，去思考。我尤其喜欢其中关于“光影的叙事性”的章节，作者并没有简单地讲解光影的明暗对比，而是深入剖析了光线如何塑造物体的体积感、空间感，甚至能传达出某种情绪和氛围。当我尝试用书中的方法去观察生活中的物体时，我惊喜地发现，原来平凡的物品在光影的 interplay 下，可以变得如此富有戏剧性。书中的案例分析也非常到位，从简单的静物到复杂的人物，每一个步骤都拆解得非常细致，让我能清晰地理解作者的思路。而且，它不仅仅是告诉你“怎么做”，更重要的是让你明白“为什么这样做”。这种循序渐进，又充满探索精神的教学方式，让我不再是死记硬背，而是真正地理解了素描的内在逻辑。我已经迫不及待地想跟着书中的练习，把那些在脑海中盘旋已久的想法，一点一点地画出来了。

评分☆☆☆☆☆

说实话，在购买《素描进阶教程》之前，我犹豫了很久。我的素描基础算不上好，但也并非完全零基础，一直以来，我在“形”和“神”之间寻找平衡点，但总感觉自己停留在了一个瓶颈期，画出来的东西总觉得少了那么一丝灵动。这本书的内容，让我耳目一新。它没有像我之前看过的很多教程那样，上来就讲几何体、光影立方体，而是从一个非常宏观的视角，去探讨素描的本质。我最欣赏的是关于“笔触的语言”这一部分。作者并没有将笔触仅仅视为一种技巧，而是将其提升到了“表达”的层面。通过分析不同艺术家如何运用不同的笔触来传达不同的质感、情绪和速度感，让我意识到，原来每一笔下去，都可以蕴含着创作者的情感和思考。我尝试模仿书中介绍的几种笔触，比如用流畅的线条勾勒物体的轮廓，用快速的交叉线来表现阴影的层次，用轻柔的排线来模拟细腻的皮肤质感。这种对笔触的深度理解，让我的画面不再显得僵硬，而是有了生命力。此外，书中关于“构图的节奏”的讲解也极具启发性。作者不是简单地告诉你三分法、黄金分割，而是教你如何通过元素的疏密、大小、方向来引导观者的视线，营造出画面的动感和张力。我已经迫不及待地想将这些新的理解运用到我的绘画实践中，去尝试创作一些更有深度和表现力的作品。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为素描的重点在于“画得像”，但《素描进阶教程》这本书，让我明白了素描更在于“画得对”。它并不是鼓励我去照搬照片，而是教我如何去理解对象的内在结构和本质。《素描进阶教程》中关于“结构与透视的融合”的讲解，让我彻底改变了对透视的看法。过去，我只是死记硬背透视原理，用起来总觉得别扭。而这本书，则从对象的结构出发，去讲解透视是如何产生的。比如，在画一个复杂的物体时，我学会了先分析其基本结构，再根据结构来确定透视关系，这样画出来的物体就不会显得“飘”，而是牢牢地“站”在画面上。书中的大量范例，都详细地展示了如何从结构入手，一步步推导出透视，再进行光影的刻画。这种“由内而外”的绘画逻辑，让我受益匪浅。此外，书中关于“形体转折的刻画”的讲解也让我有了新的体会。我明白了，形体的转折处往往是光影变化最强烈的地方，也是最能体现物体体积感的地方。我学会了如何通过对转折处的精确描绘，来强调物体的立体感和力量感。这本书，让我从“模仿”走向了“理解”。

评分☆☆☆☆☆

购买《素描进阶教程》之前，我一直对如何将速写和正式素描结合感到困惑。我的速写虽然很快，但总觉得缺乏深度，而我的正式素描又显得过于死板，缺乏灵动性。这本书恰好解决了我的这个难题。它在讲解基础素描技巧的同时，也融入了大量的速写理念，让我能够将两者有效地结合起来。我尤其喜欢书中关于“动态捕捉”的章节。作者并没有将动态仅仅视为人物的姿态，而是将其上升到一种能量和生命力的表达。通过分析不同运动状态下的身体结构和线条走向，我学到了如何用简洁而富有表现力的线条，快速地捕捉人物的动态精髓。书中还有很多关于“写意素描”的讲解，它教我如何抓住对象的关键特征，用概括性的手法来表现，而不是拘泥于每一个细节。这对我而言是一个巨大的突破，让我意识到，素描不一定非要追求照片般的写实，有时候，精准的概括和有力的笔触，更能打动人心。我尝试着将书中的方法运用到我的城市速写中，惊喜地发现，我的画面不再只是记录，而是充满了生命力和故事感。这本书让我看到了素描更多的可能性。

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如果可以我真想给他六颗星

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电子版，需要实践

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二十年前要是能看到这本书并进行实践，成为画家的可能性就大了吧????

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自己练的话，学院派的方面更普世一些