中国多声部民歌概论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:樊祖荫

出品人:

页数:628

译者:

出版时间:1994-1

价格:30.30元

装帧:平装

isbn号码:9787103011980

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 民歌
• 多声部音乐
• 中国音乐
• 音乐学
• 民族音乐学
• 合唱
• 音乐史
• 音乐文化
• 民间音乐
• 声乐

好的，这是一本关于中国多声部民歌的概论性著作的详细简介，它将聚焦于该领域的研究、历史演变、文化背景、音乐特征、地域分布以及保护与传承等多个方面。 --- 《中国多声部民歌概论》图书简介 导言：声部的交织与历史的回响 《中国多声部民歌概论》是一部全面而深入探讨中国多声部民歌现象的学术专著。本书旨在超越传统上对中国民歌单一旋律的聚焦，揭示隐藏在广大地域和民族群体中的复杂、多层次的声乐传统。多声部民歌，作为人类口头音乐遗产的瑰宝，不仅是民族文化心理与社会结构的外化，更是音乐思维在特定历史与地理环境下的精妙结晶。本书将从音乐学、人类学、社会学以及历史学的多维视角，系统梳理和分析中国多声部民歌的形成、发展脉络、结构特征及其文化功能。 第一部分：理论基础与历史溯源 本书的开篇部分致力于构建理解中国多声部民歌的理论框架。我们首先厘清了“多声部”在音乐学上的定义，并将其置于世界范围内的声乐复调传统中进行比较，明确中国本土多声部形态的独特性。 历史溯源部分，追溯了中国多声部音乐的萌芽与演变。这包括对先秦雅乐中可能存在的复调因素的探讨，对唐宋时期民间音乐与宗教音乐中复调实践的考证，以及近代以来西方音乐影响下的融合与创新。重点分析了在相对封闭的地理环境中，不同民族如何独立或相互影响地发展出具有鲜明本土色彩的多声部体系。 第二部分：地域与民族的声乐版图 中国幅员辽阔，民族众多，这使得多声部民歌呈现出极为斑斓的地理分布图谱。本书的中间部分，采取“单元剖析”的方法，对几个最具代表性的多声部民歌区域进行深度剖析： 西南山地的和声传统： 重点考察云南、贵州等地的少数民族音乐，例如，彝族的“海菜腔”或白族的“大本曲”中出现的平行三度、和弦式进行、以及严格的对位模仿。分析其与农耕、祭祀活动紧密结合的社会功能。 西北游牧的群体合唱： 深入研究如蒙古族、哈萨克族等游牧民族的“呼麦”和“依斯太令”等独特的喉音艺术，探讨这些看似“单音”的技法中蕴含的超结构或泛音复调原理，以及其在长调与短调中的应用差异。 江南水乡的曲艺联唱： 考察江浙一带在戏曲与民间说唱艺术中自然产生的群体合唱现象，分析其与当地生活节奏、方言韵律之间的关系，以及与官方音乐审美趣味的张力与和解。 北方山地的对歌模式： 分析陕北、山西等地信天游、山歌中常见的“你来我往”式的对答复调，探讨这种结构如何体现群体内部的交流机制与等级秩序。 第三部分：结构、功能与美学特征 本部分聚焦于多声部民歌的音乐本体分析。我们将从和声结构、织体类型、节奏形态和旋律进行等多个维度，对收集到的实例进行精细化分析。 织体分析： 系统区分并描述了平行织体、模仿织体、固定音型对位以及无调性或基于特定音高体系的“自然和声”现象。特别关注了中国特定音阶（如五声音阶、七声音阶）如何在多声部语境下产生独特的听觉效果。 社会与仪式功能： 多声部民歌往往在群体劳动、婚丧嫁娶、节庆祭祀等重要社会场景中发挥核心作用。本书详细论述了多声部如何通过音量的叠加和音高的交织，强化群体凝聚力、表达情感共鸣，并达成仪式上的“神圣性”。 美学特征探讨： 中国多声部民歌的美学追求，往往不是建立在严格的西方功能和声体系之上，而是更倾向于音色、力度和群体感知的统一。我们将探讨其“朴素之美”、“浑厚之美”和“空间之美”的内在逻辑。 第四部分：保护、记录与未来展望 在当代社会变迁的背景下，许多传统多声部民歌正面临消亡的危机。本书的最后一部分，着重讨论了田野调查的方法论、科学记录技术（如声谱分析、对比转写）的应用，以及现有的保护策略。 记录的挑战： 分析了将复杂、流动性强的口头多声部精确记录成五线谱或工尺谱所面临的理论与实践困境。强调了“活态传承”的重要性，记录本身不能等同于保护。 传承与创新： 探讨了在现代音乐教育和大众传媒背景下，多声部民歌如何实现适应性发展。分析了专业音乐家和民间艺人在保持其核心精神的前提下，进行改编和再创作的成功案例。 结语：走向广阔的对话 《中国多声部民歌概论》不仅是民歌研究者案头的工具书，也是所有对中国音乐文化抱有深厚兴趣的读者，了解中华民族复杂而迷人的声音世界的窗口。它致力于证明，在看似单一的传统叙事之外，中国音乐史早已充满了丰富、细腻且充满生命力的多声部对话。本书的完成，是对无数无名民间歌手，用他们淳朴的歌喉共同编织出的宏大声乐史诗的致敬。

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这部作品对于深入理解当代流行音乐的演变历程，无疑提供了一个极富洞察力的视角。作者没有止步于对主流榜单的简单梳理，而是巧妙地将不同地域、不同文化背景下的音乐风格进行交叉对比，尤其对那些在主流视野之外却具有深远影响力的地下音乐场景进行了细致入微的挖掘。例如，书中对九十年代末期兴起的几股独立摇滚浪潮的分析，那种对乐器编排、歌词哲学和现场表演模式转变的细腻描摹，简直就像是给我们打开了一扇通往那个黄金年代的任意门。我特别欣赏作者在论述技术发展对音乐制作影响时所展现出的那种冷静又充满热情的笔触，从模拟到数字的过渡，如何重塑了音乐的质感和听众的体验，这点论述得尤其精彩。它不仅仅是一本关于“听什么歌”的书，更像是一本关于“我们如何用声音构建世界”的深度思考录。如果你是那种不满足于只听流行金曲，而渴望探究音乐文化深层脉络的听众，这本书绝对是案头必备的佳作，它会极大地拓展你对“音乐”这个概念的理解边界。

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这本书简直是为所有热爱电影视听语言，但又对配乐背后的技术细节感到好奇的影迷量身定做的指南。作者对不同类型电影配乐手法的剖析堪称教科书级别。比如，书中对惊悚片中如何运用极简的音效和突发的低频震动来制造生理紧张感的分析，详细到让我甚至想回过头去重看那些片段，去“反向工程”音轨的构建。更令人叫绝的是，作者并没有停留在对好莱坞大片的解读上，而是将目光投向了欧洲和亚洲电影中那些更依赖氛围和留白来烘托情绪的配乐风格，对比之下，不同文化背景下“沉默”的价值也被挖掘了出来。文字流畅且充满画面感，阅读过程就像是在进行一次拆解和重组声音的实践课。它不仅让你明白背景音乐的作用，更让你理解了声音设计是如何与剪辑、摄影共同构筑起电影叙事意图的，极大地提升了我的观影体验，下次看电影时，我的耳朵会比眼睛更忙碌。

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这本关于二十世纪中叶电子音乐实验的档案集，简直是一场穿越时空的感官冒险。作者以近乎考古学家的细致，梳理了那些早期的磁带音乐、声音拼贴艺术，以及早期合成器诞生的曲折历程。书中大量的技术图表和早期实验录音的描述，虽然初看有些晦涩，但随着阅读的深入，你能强烈地感受到那一代艺术家们面对全新技术时的那种既敬畏又充满破坏欲的创造冲动。他们对声音的“物理性”和“可塑性”的探索，远超我们今天对数字音频的理解。尤其对那些使用非常规材料（比如环境噪音、非音乐乐器）进行创作的先驱们的记述，读起来充满了浪漫的理想主义色彩。这本书不是在歌颂某一个流派的胜利，而是在记录一次关于“声音的自由”的伟大探索，它让现代音乐的听者得以回溯到一切皆有可能的那个奇妙的起点。

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读完这部关于西方古典乐派冲突与融合的专著，我最大的感受是作者在梳理复杂历史脉络时所展现出的惊人学识与严谨态度。书中对浪漫主义晚期几位关键作曲家之间复杂的人际关系和创作理念的拉扯，描绘得栩栩如生，仿佛我正在亲临维也纳的沙龙，聆听那些关于和声改革的激烈争论。特别是关于十二音体系出现前夕，作曲家们如何在既有的调性框架内寻求新的表达极限的探讨，深入到了近乎哲学的层面。作者没有采用那种枯燥的学术术语堆砌，而是通过大量鲜活的信件摘录和首演时的评论，将那个时代的艺术氛围还原得淋漓尽致。对于那些习惯了听感至上的听众来说，这本书或许会显得有些“厚重”，但正是这份厚重，带来了无可替代的厚度。它要求读者放下对旋律的依赖，转而关注结构、意图与时代精神的内在联系，读罢让人对十九世纪末二十世纪初的欧洲文化史都增添了一层全新的理解。

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坦率地说，一开始我以为这会是一本关于近现代诗歌韵律的枯燥研究，但读完之后，我发现自己完全被书中对“口语化”和“节奏切分”的颠覆性解读所折服。作者没有沉溺于传统的格律分析，而是将焦点集中在那些打破既有音乐结构、追求自由呼吸感的当代诗人身上。书中对几位开创性诗人的访谈记录被巧妙地穿插在理论分析之间，这种双重视角有效地避免了理论的僵化。最让我耳目一新的是关于“非线性叙事”在诗歌音乐性构建中的作用的探讨，它揭示了现代诗歌是如何通过碎片化的意象和跳跃的节奏来模拟现代人快速流动的思绪。这种对“声”的本质的追问，超越了传统意义上的“歌唱性”，而是指向了语言本身在时间维度上可以产生的冲击力。这本书对音乐爱好者来说，也是一个绝佳的提醒：真正的节奏感，不只存在于鼓点中，更潜藏在语言的张力与断裂之间。

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