具体描述
中国画院刘洪宽所绘《天衢丹阙》工笔长卷，长53米，高0．7米，画中人物5000多个，建筑物超百栋，是表现上世纪三四十年代的老北京中轴线风物图。
全画南起于外城永定门外，进瓮城，终于内城北城墙。其间，天桥梨园、前门闹市、正阳午门、故宫三殿、钟楼鼓楼等最能反映老北京人文景观和商业文化的老字号招牌，连同杂耍贩卖、市井过客、红白喜事种种，都在画家充满感情的笔下重新复活，和谐成一段完整而真实的社会生活，被史学界称为是一卷可以卷成历史的老北京。
画册以折叠册页式装帧设计，真实反映了原作的风貌。原作长53米，高近1米的《天衢丹阙图》被誉为二十世纪的《清明上河图》。画卷以传统界画的表现形式，描绘了二十世纪初永定门至德胜门“龙脉”的市井景象，
作者简介
刘洪宽，1938年生，河北省玉田县人，早年在北京中国画院国画进修班学习人物画，师从于吴光宇先生，美术大专班毕业。擅长传统人物画、界画，多年从事美术教学活动，现为北京美术家协会会员，副教授。作品为北京人民大会堂和历史博物馆收藏。1993年7月参；国美国波士顿举办的第二十届艺术交流大会，同年在旧金山举办个人画展。
目录信息
读后感
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用户评价
这本书的叙事节奏出乎我的意料，它没有采取传统艺术史著作那种清晰的“作品介绍—时代背景—艺术价值”的线性结构。如果说期望从中找到如同“XX大典”那般将两帖并置比较的清晰脉络，那恐怕会感到一丝失落。这本书更像是两位古代名士的“精神回声录”，作者似乎沉迷于对“**瞬间的永恒**”的捕捉。对于每一个书法爱好者而言，我们都知道《平复帖》的难得在于其气韵的浑厚与历史的沉重感，《伯远帖》的妙处则在于其遒劲中透出的文人气息。但这本书巧妙地将焦点从“技术层面”抽离出来，转而深入到“**情感的共振频率**”。它花了大量的篇幅去描绘特定历史场景下，书写者可能面对的心境——陆机在政治动荡中的慨叹，王珣在友人远行时的牵挂。这种处理手法极大地提升了文本的文学性，但对于那些追求严谨考据的藏家来说，可能显得有些飘逸和模糊。它更像是散文的精致与史论的厚重之间的暧昧地带，让人在阅读时不断在“这是在讲书法吗？”和“这分明是在重构一个逝去的时代”之间摇摆不定，风格之**跳跃性**和**主观性**非常强，与其说它是一本关于两件作品的书，不如说它是一本关于“**怀想**”的书。
评分这本书的阅读体验是相当**沉浸式**的，但这种沉浸感并非来自于对文本内容的完全接纳，而更多源于其独特的叙事视角——它仿佛是一个站在时间长河边，倾听两位古代巨匠留下的“低语”的旁观者。作者采用了大量的**类比和隐喻**，将书法艺术的抽象概念与自然现象或哲学思辨紧密结合。例如，对《平复帖》的描述，可能被比喻为秋日黄昏时分，大雁归巢的最后一次振翅；而对《伯远帖》的赞叹，则被比喻为春日山涧融雪，水流初现的清冽。这种写法，极大地丰富了文本的文学色彩，使之具有极高的**审美愉悦度**，读起来朗朗上口，充满诗意。然而，这种过度浪漫化的叙事方式，也带来了信息密度的稀释。每一个论断都像是被包裹在厚厚的情感丝绒中，想要剥开探究其核心的学术支撑，却发现核心部分被有意无意地淡化了。对于习惯了严谨论证的读者来说，这可能需要一个**适应过程**，去习惯这种将艺术品视为“情感载体”而非“客观物证”的处理手法。
评分这本书最令人费解，但也最引人深思的一点，在于它对**语境的无限延伸**。它远远超出了对陆机和王珣作品本身的讨论范畴。读着读着，我开始思考作者的**知识体系边界**究竟在哪里，因为书中不仅涉及书法史，还穿插了对唐宋诗歌流变、魏晋玄学兴衰，甚至是对宋代文人士大夫园林审美的一瞥。它像一个巨大的知识网格，而《平复帖》与《伯远帖》更像是这个网格上被赋予了特殊光芒的两个节点，而非讨论的全部。这种**发散性极强**的写作风格，使得主题的集中度显著降低。如果你希望聚焦于这两件墨宝的每一个细节，这本书会让你感到“**主题游离**”。但反过来看，它提供了一种极为开阔的视角，暗示了书法艺术的价值绝非孤立存在，而是深深植根于特定时代的文化土壤之中。它迫使读者跳出对“作品本身”的狭隘关注，去理解“**作品之所以成为作品**”的那个宏大背景。整体而言，这本书更像是一份充满个人哲思的**文化导读**，而不是一本针对特定艺术品的**专业鉴赏手册**。
评分初拿到这本书时，光是书名就让人心头一震，陆机与王珣，这几乎是书法史上两座并峙的巍峨高山。然而，翻开内页，却发现它并非如预期中那样，详尽地并列展示这两件稀世珍宝的摹本或高清影印，进行细致入微的笔法分析或是历史考据。相反，这本书似乎走了一条更为内敛、更具哲学意味的道路。它更像是一部关于“在场性”与“缺席”的书写。我原以为会读到关于《平复帖》中那份沉郁顿挫的魏晋风骨，或是《伯远帖》中那股清逸洒脱的二王一脉的精髓，结果看到的却是大量关于魏晋士人精神世界的构建，是对那个时代文人交往模式、情感表达方式的旁观与重塑。作者似乎更专注于挖掘这两件作品背后所承载的“时间感”——它们是如何穿越历史的尘埃，以墨迹的残存形态，向后世投射出一种无法触及的、近乎神性的光晕。书中对书写材料、装裱技艺的探讨也颇为深入，但这些论述似乎总是在绕开对“字本身”的直接描述，转而探讨“字”的**容器**与**环境**。读完后，我有一种强烈的感觉，这本书是写给那些对魏晋风度有着深刻向往，却又深知“真迹难见”的遗憾的读者们准备的，它提供了一种精神上的**替代性体验**，而不是视觉上的**直接呈现**。它像一首关于留白的诗，让你在未被填满的空间中，去想象那两件国宝级墨迹的真正面貌。
评分我必须承认，这本书在装帧设计上倒是下足了功夫，看得出编辑团队在试图营造一种与主题相匹配的“古朴与典雅”的氛围。纸张的选择偏向于有纹理感的哑光，字体排版也采用了略带宋体韵味的、略显紧凑的样式，试图模拟某种旧拓本的质感。然而，内容上的“失焦”感，让我对这种精心营造的“触感”产生了怀疑。我原本期望的是通过精美的印刷，能最大程度还原或至少是唤起对原作的记忆，哪怕只是通过对细节的放大。但通篇来看，作者似乎刻意回避了对具体“笔画形态”的描摹。讨论点常常落在“空间布局的哲学”或“墨色在宣纸上扩散的物理现象”上，这些论述虽然深奥，却始终未能落到实处。这就像一个极其优秀的建筑评论家，写了关于光线、材料、风水的所有美好，却从未提及建筑的**门窗在哪里**。对于一位渴望从中学习到具体笔法或结构技巧的后学者而言，这本书的收获可能更多是“心法”而非“招式”，它的**实用价值**被它追求的**形而上学高度**所掩盖了。
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