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出版者:人民音乐

作者:蔡仲德

出品人:

页数:859

译者:

出版时间:2004-3

价格:73.00元

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isbn号码:9787103028001

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《丝竹管弦：中国古代乐律学与审美范畴研究》 作者： 王世昌 出版社： 翰墨轩文化发展有限公司 出版日期： 2023年11月 --- 内容提要 《丝竹管弦：中国古代乐律学与审美范畴研究》是一部聚焦于中国传统音乐理论深层结构与哲学基础的学术专著。本书超越了对音乐史的线性叙述，转而深入剖析了自先秦至清代，中国古代知识分子群体如何理解、构建和实践其音乐世界观。作者以乐律学为核心切入点，系统梳理了“律”、“调”、“宫”、“商”等核心概念的演变，探讨了这些理论如何与宇宙观、礼制、伦理道德及审美情趣紧密结合。 全书分为六大部分，逻辑严密，论证充分，力求揭示中国音乐思想中独有的形而上学意蕴与其实践层面的对应关系。 --- 第一部分：先秦乐律：礼制、阴阳与音阶的建构 本部分着重考察先秦时期，特别是儒家和道家思想对早期乐律理论的影响。 一、 早期音高系统与“五音”观： 详细考证了《尚书·尧典》中“十二律”的可能原型，并对比了“五音”（宫、商、角、徵、羽）与自然界、五行、五方、五脏之间的象征性关联。重点分析了“宫音”作为中心音的独特地位，探究其在政治和宇宙秩序中的象征意义。 二、 律学的哲学基础： 深入解读了将音高系统视为天地秩序微缩模型的观念。探讨了“黄钟”作为“律吕”之首，如何被赋予“阳”的极端属性，以及它与历法、气候周期之间的关联。通过对《礼记·乐记》中“乐者，天地之和也”等论述的细致研读，阐明了音乐作为调和人伦、沟通天地的媒介角色。 三、 雅乐与“中正平和”的审美理想： 比较了在宗庙祭祀与朝会中使用的雅乐的规范性特征。分析了如何通过特定的音高组合与节奏结构，来实现儒家所推崇的“中”、“和”境界，并探讨了这种审美理想对后世文人音乐的影响。 --- 第二部分：汉魏六朝的变奏：律学体系的整合与乐律的实践化 这一阶段的研究集中于汉代经学对音乐理论的继承与规范化，以及魏晋玄学背景下音乐观念的松动与新的审美取向的出现。 一、 汉代乐律的官方定音： 梳理了汉代官方乐律学的整理工作，特别是对十二律确立的制度化努力。分析了“三分损益法”在实际操作中的应用与理论上的困境，以及如何通过校音器具来维持音乐标准的统一性。 二、 魏晋风度与音乐的个体化： 探讨了玄学思潮对士人心态的影响，表现为对“自然之音”和“非合乎古制”的音乐的欣赏。分析了嵇康“非汤问”中对传统乐律学中过于繁复的等级制度的反思，以及其倡导的“襟怀自得”的音乐审美观的萌芽。 三、 曹魏正始之音的再审视： 集中考察了正始遗音（如竹林七贤所作）的音乐特征，这些音乐如何在遵循传统调式框架的同时，流露出个体化的情感表达与对形神关系的探索。 --- 第三部分：唐宋：燕乐的兴盛与乐律的世俗化 唐代是燕乐（宴享音乐）全面发展、音乐生活极为丰富的时期。本部分聚焦于理论与实践的张力。 一、 燕乐调式与“七音十二律”的并存： 研究了唐代七音体系（工、尺、上、合、工、六、五）在民间和宫廷燕乐中的广泛应用。分析了燕乐调式如何从严格的律学框架中解放出来，形成更具色彩性和情感表达力的结构。 二、 隋唐的乐律规范与乐律文献： 详述了《太常音律》等重要乐律文献的贡献，以及唐代宫廷对不同地域音乐（如胡乐）的吸收和改造过程，这使得乐律体系在保持核心的同时，展现出极大的包容性。 三、 宋代词乐与音乐的“文人化”： 探讨了宋代词牌对音乐结构的反制约。词乐的兴盛使得音乐的结构依附于文学的韵脚和格律，乐律学理论在实际音乐创作中的地位相对下降，转而侧重于旋律的“韵味”与“意味”。 --- 第四部分：元明清：乐律的固化、转译与新变 本部分关注在少数民族政权统治下，中国传统乐律学如何应对新的文化冲击与音乐实践。 一、 宫廷戏曲乐律的规范化： 重点分析了元代戏曲（杂剧）的兴盛对音乐结构带来的影响。戏曲的“曲牌”体系实际上是一种在民间广泛流传的、高度程式化的音乐单元系统，它继承了部分律学概念，但更强调演唱的便利性和叙事性。 二、 理论文本的汇编与注释： 研究了明代朱载堉《乐律全书》的里程碑意义。本书详尽剖析了朱载堉在“十二平均律”方面的超前探索，并将其置于当时中国乐律学寻求精确化与数学化的历史背景下进行评价，揭示了其与西方科学思潮的潜在汇合点。 三、 清代内廷音乐与律学的终结： 考察了清代宫廷雅乐的复古倾向，以及江南丝竹等新兴文人音乐对传统乐律规范的消解。分析了在实践领域，对律学的精确把握逐渐退居次要地位，而“指法”、“腔调”等实用性技巧占据主导。 --- 第五部分：中国古代音乐审美范畴的哲学解读 本部分是理论升华之所在，系统梳理了贯穿始终的审美理念。 一、 “象”与“数”：音乐的结构美学： 阐释了中国音乐如何以数学关系（如纯五度、纯四度）为基础，构建出具有“象”（秩序、结构）的听觉世界。这与西方以和声为中心的音乐观形成了鲜明对比。 二、 “和”与“气”：音乐的情感表达： 深入探讨了“和”（和谐、中庸）作为至高审美目标的内涵，以及“气”（音乐生命力、流动感）在旋律进行中的重要作用。分析了“怨而不怒，哀而不伤”的境界是如何通过特定的音程关系和节奏处理达成的。 三、 文人音乐与“意境”的追求： 考察了自魏晋以来，文人在音乐中追求的“韵外之致”。探讨了音乐如何成为寄托个人情操、超越具体物象的载体，以及这种审美追求如何导致了对规范化乐律的某种程度的“超越”或“漠视”。 --- 第六部分：结论与当代意义 作者总结了中国古代乐律学从“天人合一”的哲学指导，如何一步步演化为服务于礼制和实践的工具，最终在近现代音乐体系冲击下走向沉寂的过程。本书强调，深入理解古代乐律学的理论构建，是理解中国传统文化中“声”的意义，并为当代音乐理论创新提供深厚文化根基的关键所在。 --- 本书特色： 理论驱动而非史实堆砌： 以乐律学为骨架，贯穿历代音乐理论的哲学基础，避免了传统音乐史的编年体叙事模式。 跨学科视角： 结合了音韵学、古代哲学（特别是易学和宋明理学）的成果，对乐律的抽象概念进行了多维度阐释。 文本细读： 大量引用并精析了《乐记》、《九宫大成》、《乐律全书》等核心文献中的关键段落，以扎实的文献工作支撑论点。 适合读者： 音乐学、美学、中国哲学史、文化史研究人员及对中国传统文化有深度兴趣的专业人士。

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此书结构布局极为清晰，逻辑脉络如同精心编织的锦缎，层层递进，令人赞叹。它并非简单地按照时间顺序罗列事件，而是以“主题”和“思潮”为纲，将分散在不同历史时期的音乐思想片段进行归类整合，使得读者能够清晰地把握某一美学观念是如何在历史长河中萌芽、发展、演变，直至最终定型或消亡。特别是其在处理跨学科问题时的能力，令人印象深刻；它毫不犹豫地将音乐理论置于当时的哲学、宇宙观乃至社会治理体系之中进行考察，展现出一种高度的综合性视野。这种全景式的视角，帮助我们理解，在古代中国，音乐从未是孤立存在的艺术，而是与天地人伦紧密相连的有机整体。阅读这本书，就像是获得了一把钥匙，开启了通往理解中国传统文化整体面貌的另一扇大门。

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这本书给我的最大震撼在于它对“美学”二字的深刻理解与贯穿。它跳脱了单纯的音乐史编年体叙事，而是着眼于古代士人、乐匠、乃至哲学家如何感知、定义“美”的流动性与永恒性。作者巧妙地将魏晋玄学中的“自然无为”思想与宫廷雅乐中的“中和之美”进行了横向对比，这种跨越了不同时代的思想碰撞，极大地丰富了我们对古典美学范畴的认识。尤其是在论述唐宋文人审美趣味转向时，那种对细节的捕捉，比如某一时期文人对“清微淡远”的偏爱如何影响了乐器的选择和演奏风格，都体现出作者深厚的文化洞察力。这不是一本简单的乐谱解读，而是对一个民族审美情趣演变轨迹的精妙描摹，读完后，你会对中国传统艺术的“意境”二字，有了更深一层的领悟和敬畏。

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翻开这本书，扑面而来的是一股扑面而来的学术气息，但这种气息并非令人望而却步的枯燥，反而有一种令人安心的扎实感。它更像是一份详尽的“文献地图”，为我们指引了通往中国音乐思想源头的诸多路径。那些经过细致考证和注释的古代文献片段，对于我们这些非专业人士来说，简直是及时的甘霖。许多以往模糊不清的乐律记载，在作者的笔下变得清晰可辨，那些晦涩难懂的古代术语，也因为详尽的白话释义而变得触手可及。这种工作本身就极具价值，它极大地降低了研究古代音乐理论的门槛。阅读过程中，我时常会停下来，对照着注释去想象当时演奏的场景，去揣摩那些早已失传的音响图景，这种互动式的阅读体验，远比单纯的理论说教来得生动和令人难忘。可以毫不夸张地说，没有这些细致入微的整理和注释，很多重要的学术成果将永远沉睡于故纸堆中。

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这本关于中国古代音乐哲学的著作，初读之下便觉其内容之深邃，令人难以企及。作者显然是下足了功夫，将那些散落在典籍角落里的只言片语，如同蛛丝马迹般梳理、串联，最终构建起一个宏大而精微的理论体系。书中对“雅”“颂”“变”“征”等核心概念的阐释，并非简单的概念罗列，而是深入到时代背景与社会思潮之中去探寻其根源。尤其是对先秦礼乐制度下音乐伦理的剖析，读来令人茅塞顿开，深感传统文化中那种“乐而不淫，哀而不伤”的境界，在文字中得到了极富张力的再现。它不像一般教材那样干巴巴地堆砌史料，而是将史料作为引子，引导读者去思考音乐在古代社会中扮演的不仅仅是艺术角色，更是一种治理工具和精神载体。那种对古人思维方式的尊重与体察，使得阅读过程像是一场与古代智者的深度对话，尽管内容厚重，但行文间透露出的那种对文化脉络的清晰把握，让人在沉浸之余，对自身所处文化环境的理解也随之得到了提升。

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坦率地说，这本书的阅读体验是挑战性的，但其回报也是巨大的。它仿佛要求读者先具备一定的古文基础，或者至少是愿意投入时间去啃读那些经过严谨论证的考据部分。每每读到作者对某一特定音乐现象进行的多角度、多层次的论证时，总能感受到一种抽丝剥茧般的智力快感。例如，对于“七音”与“五音”在不同历史阶段的权重变化分析，书中引入了许多不同流派的观点进行交锋和辨析，丝毫不回避学术争议，反而将其作为推动思考的动力。这种开放的、具有批判精神的学术态度，使得整本书的论述显得立体而有生命力，而非一言堂的教条。它成功地将看似冷峻的学术研究，转化为一场引人入胜的思想辩论，让读者不自觉地代入其中，参与到这场对古代智慧的现代重构之中。

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研究中国音乐美学必读工具书

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看了嵇康《声无哀乐论》部分，好难啊

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