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出版者:人民音乐出版社

作者:铃木镇一

出品人:

页数:141

译者:魏然

出版时间:2003-1

价格:32.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787103026366

丛书系列:

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《弦语的低语：一位大提琴家的音乐旅程》 前言 音乐，是人类情感最直接的表达，而大提琴，以其深沉、温暖、富有感染力的音色，在弦乐家族中独树一帜。它的音域宽广，能够承载从低沉的哀伤到高亢的激昂，从细腻的独白到恢弘的交响。每一个音符，都仿佛蕴含着生命的重量与温度。 这本书，并非一本枯燥的乐理或技巧教程，而是一位大提琴音乐家，在漫长的求索与实践中，对音乐、对乐器、对自我内心世界的深刻体悟与真诚分享。它是一条蜿蜒的河流，记录着我与大提琴相遇、相知、相伴的每一个片段，那些练习室里的汗水、舞台上的光荣、独处时的沉思，以及在音符中寻找到的慰藉与力量。 我希望通过这本书，不仅仅是分享演奏技巧的经验，更是传递一种音乐的态度，一种对艺术的敬畏，以及一种通过音乐与世界对话的方式。这是一场旅程，一段关于声音、情感与生命的探索。 第一章：初遇——命运的低吟 我还记得那个下午，阳光透过泛着灰尘的玻璃窗，在陈旧的琴房里投下斑驳的光影。空气中弥漫着木头特有的清香，以及一种我尚未能准确命名的、属于古老乐器的神秘气息。我，一个懵懂的少年，第一次站在了那件巨大的、流线型的乐器面前。它静默地立在那里，仿佛一位沉睡的巨人，蓄势待发，又带着一丝不容侵犯的庄严。 选择大提琴，并非出于某种深思熟虑的规划，更像是一种冥冥之中的吸引。也许是它低沉而富有磁性的嗓音，在一次不经意的音乐会上一击即中我的灵魂；也许是它在乐团中扮演的“灵魂基石”的角色，那种沉稳而有力的支撑，深深触动了我。总之，当我的指尖第一次触碰到那粗糙而光滑的琴身，当弓毛与琴弦摩擦出第一缕嘶哑而充满潜力的声音时，我知道，某种联系被悄然建立。 最初的练习，是漫长而充满挑战的。左手的按弦疼痛，右手的持弓僵硬，以及那不成调的、仿佛在挣扎的噪音，常常让我感到沮丧。我曾无数次怀疑自己的选择，是否太不自量力。但每当我听到真正的大提琴音乐，那深邃的旋律、饱满的情感，又会像一股力量，将我重新拉回练习室。我开始明白，每一个伟大的音符背后，都蕴藏着无数次重复的练习，无数次微小的调整，以及无数次不屈的尝试。 那个阶段，我像一块海绵，贪婪地吸收着关于大提琴的一切。我阅读泛黄的书籍，模仿前辈大师的指法，甚至对着录音一遍遍地揣摩。我开始理解，音乐并非仅仅是音高的组合，更是一种情感的流淌，一种意境的营造。大提琴的音色，能够如此贴切地表达内心的挣扎、喜悦、悲伤与希望。 第二章：磨砺——雕琢与淬炼 音乐的道路，从来不是一帆风顺的坦途，而是一条需要不断雕琢与淬炼的崎岖小径。进入专业的学习阶段，我才真正体会到“术业有专攻”的意义。指法的精确度、弓法的控制力、音准的把握、节奏的稳定性，每一个环节都要求极致的严谨。 我的老师，一位经验丰富、一丝不苟的老音乐家，成为了我音乐道路上的引路人。他的批评常常尖锐而直接，让我无处遁形。他会要求我一遍遍地重复一个乐句，直到我能够用最放松、最自然的方式将其完美呈现。他会让我去感受每一个音符的“重量”和“颜色”，去思考它们在乐曲中的意义。 “不是把音符弹出来，而是让音符‘活’起来。”这是老师常说的一句话。这句话，对我产生了深远的影响。我开始不再满足于机械的模仿，而是主动去探索乐曲的灵魂。我研究作曲家的生平，理解作品创作的时代背景，体会音乐所要传达的情感。我开始尝试用自己的理解去诠释乐曲，在遵循原著精神的前提下，注入属于自己的“声音”。 练习室，成了我的第二个家。清晨，我会被晨光唤醒，开始一天的练习；午后，我在琴弦的摩擦声中度过；夜晚，当城市归于宁静，我的琴声依然在低语。枯燥的音阶、琶音、练习曲，成为了我肌肉记忆的基石，也成为了我情感表达的载体。我学会了如何通过调整弓速、弓压、接触点，来创造出丰富多变的音色。我学会了如何在左手找到最舒适、最有效率的按弦方式。 每一次的进步，都伴随着无数次的跌倒与爬起。我曾因为一个高难度乐段的反复失败而失声痛哭，也曾因为一次精湛的演奏而欣喜若狂。这些经历，都如同淬火，将我锻造成更坚韧、更成熟的音乐人。我开始明白，真正的技艺，不仅仅是手指的灵活，更是内心的沉淀和对音乐的虔诚。 第三章：对话——与大师的灵魂共鸣 音乐，是一种跨越时空的情感对话。当我开始深入研究那些伟大的作品，尤其是那些由历史上的大师们创作或演奏的经典时，我仿佛与他们的灵魂产生了共鸣。 巴赫的无伴奏大提琴组曲，是我学习生涯中绕不开的一座高峰。它们简洁而深刻，每一个音符都充满了哲学意味。在演奏巴赫的作品时，我需要放下一切杂念，倾听内心的声音，去体会那些纯粹的旋律与和声。我仿佛能看到巴赫坐在管风琴前，神圣而庄严地创作的景象。每一次的演绎，都是一次与这位音乐巨匠的对话，一次对神性与人性的探索。 勃拉姆斯、德沃夏克、柴可夫斯基……这些作曲家的协奏曲，是我不断挑战自我的目标。他们的作品，充满了戏剧性、激情与深刻的情感。在与管弦乐队的合作中，我学会了如何在大乐章的宏伟背景下，将大提琴的旋律以最动人的方式呈现。我需要理解乐团的整体织体，找到自己的位置，与整个乐队融为一体，共同讲述一个完整的故事。 同时，我也沉醉于那些伟大的演奏家们的录音。卡萨尔斯、傅尼叶、罗斯特罗波维奇……他们的演绎，如同璀璨的星辰，照亮了我前行的道路。我仔细分析他们的音色、节奏、情感处理，学习他们如何将枯燥的技巧转化为富有生命力的音乐。我曾无数次地播放他们的录音，试图从中捕捉到他们演奏的精髓，但很快我意识到，模仿只是初级阶段，最终还是要找到属于自己的声音。 “模仿是学习的开始，但要敢于创新。”这是我在一次大师班上听到的教诲。我开始尝试在经典作品中加入自己的理解，用更现代的视角去诠释。这并非是对原作的亵渎，而是对音乐生命力的延续。我希望我的演奏，能够让当代的听众，也能感受到那些跨越几个世纪的音乐的魅力。 第四章：表达——情感的潮汐与低语 音乐最动人的力量，在于它能够触及我们内心最深处的情感。作为一名大提琴演奏者，我深知，技巧是基础，但情感才是音乐的灵魂。 我曾经历过人生的低谷，也曾体会过生命的喜悦。当我坐在琴凳上，握住琴弓时，这些复杂的情感都会自然而然地流淌到音符之中。当我演奏那些悲伤的乐章时，我能够感受到泪水在眼中打转，但我的手指依然坚定地在琴弦上舞动，将这份哀伤升华。当我演奏那些充满力量的乐章时，我能够感受到一股能量在身体里奔涌，让我的演奏充满激情与感染力。 我还记得有一次，在一次小型音乐会中，我选择了一首相对冷门但情感极为充沛的作品。演出结束后，一位老听众走到我面前，告诉我，我的演奏勾起了他一段尘封已久的回忆，让他感动不已。那一刻，我感到无比的欣慰。我明白，音乐不仅仅是表演，更是一种连接，一种治愈，一种分享。 在我的音乐旅程中，我逐渐认识到，大提琴的音色，特别适合表达那些难以言说的情感。它可以是孤独的叹息，可以是温柔的安慰，可以是压抑的愤怒，也可以是奔腾的爱意。我的任务，就是用我的演奏，将这些复杂的情感，以最真诚、最动人的方式传递给听众。 我开始尝试创作自己的音乐，用大提琴来讲述我的故事。这些作品，可能不如大师们的作品那样宏伟，但它们充满了我的个人印记，是我内心世界的真实写照。我希望通过这些创作，能够与更多的听众建立更深层次的连接。 第五章：未来——未竟的旋律 音乐的探索，永无止境。即使我已经在音乐的道路上走了很远，我依然觉得，自己像一个初学者，对音乐的理解，依然充满了未知。 我渴望继续学习，继续探索。我希望能够接触到更多不同风格的音乐，学习不同的演奏技法。我希望能够与更多优秀的音乐家合作，碰撞出新的火花。我希望能够将我的音乐带到更远的地方，让更多的人感受到大提琴的魅力。 同时，我也将继续致力于音乐的教育。我希望能够将我所学到的经验，我的感悟，传递给下一代音乐人。我希望他们能够像我一样，热爱音乐，并且能够用音乐表达自己，用音乐与世界对话。 这本书，记录了我音乐旅程中的一部分。它并非终点，而是一个新的起点。我期待着，在未来的日子里，我的大提琴，依然能够发出动人的弦语，继续讲述着属于我，也属于每一个热爱音乐的人的故事。 结语 弦语的低语，是大提琴的生命，也是我灵魂的回响。它穿越时空，连接你我。愿这趟音乐的旅程，能为你带来一丝慰藉，一份启发，或者仅仅是一段美好的陪伴。 愿音乐，永远与你同在。

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这本书的封面设计，嗯，怎么说呢，有点……朴实无华，仿佛直接从上世纪的音乐学院图书馆里搬出来的。初次拿到手的时候，我甚至怀疑是不是买错了什么陈旧的乐谱集。内页的排版也确实没什么现代感，字体偏小，纸张的质感也偏黄，看起来像是经过了无数次翻阅和练习的痕迹。不过，当我真正开始翻阅内容时，那种略显过时的外观就被抛诸脑后了。它里面的练习曲目编排逻辑非常清晰，从最基础的音阶把位到复杂的换把技巧，循序渐进得让人感到踏实。特别是对于初学者来说，很多看似枯燥的基本功练习，都被作者巧妙地融入了一些富有旋律性的片段中，不至于让人在枯燥中轻易放弃。比如第一部分对弓法控制的讲解，它没有堆砌晦涩的理论术语，而是通过非常形象的比喻，让你一下子就能理解‘在哪里’发力、‘如何’控制重量，这对于我们这些没有名师在旁指导的自学者来说，简直是及时雨。我花了整整一周的时间，只是对照着里面的范例，反复琢磨那些看似简单的长弓练习，发现之前自己一直以来对弓速和弓压的理解都有偏差，这本书帮我重新打下了坚实的基础。那种感觉就像是，你一直学着跑，这本书却告诉你，正确的走路姿势是什么，而一旦掌握了正确的站姿，跑起来自然就事半功倍了。

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这本书在选材上体现出一种对古典曲目根基的坚定不移。如果你期待里面有大量改编自流行金曲的炫技片段，那你可能会失望。这里的曲目库更像是古典音乐世界的“基石工程”，扎实、稳固、不花哨。它的大部分选段都源自巴赫、贝多芬那个时代对器乐演奏提出的基本要求，即清晰的对位、匀称的音色和精确的节奏感。对于需要准备考级或者进入专业音乐院校的演奏者而言，这本书简直是必备的“标准答案”。我尤其喜欢其中关于复调作品的处理章节，它不仅仅告诉你两个声部应该同时出现，而是细致地划分了主旋律声部和伴奏声部的音量对比、音色区分，甚至建议了左手按弦的力度差异。这使得原本听起来模糊不清的多声部练习，变得层次分明，犹如一幅清晰的立体画卷。我曾尝试用其他一些强调快速炫技的教材来练习巴赫的无伴奏组曲，结果总是顾此失彼，要么节奏跑偏，要么音色过于单薄。直到我回归到这本书的指导下，才真正体会到古典大提琴演奏的“内功心法”所在。

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从装帧和实用性的角度来看，这本书的实用价值是极高的，尽管它的设计美学可能不符合当代审美。最让我感到贴心的是，它在每个练习单元的末尾，都会附带一个“自我检查清单”。这个清单不是那种敷衍的“你拉得好吗？”之类的模糊问题，而是非常具体的、可量化的项目。例如：“本次练习中，换把A到D的音准是否保持在五音分以内？”或者“长弓练习的起始和结束音是否平稳无杂音？”这种近乎工程师般的严谨态度，极大地帮助我建立了自我纠错的能力。我不再需要时刻依赖老师的实时反馈，因为这本书已经提前预设了所有我可能犯的错误，并提供了相应的检验标准。这让我的练习效率提高了一大截，因为我知道每一次练习的落脚点在哪里，目标明确，执行起来自然更有方向感。它就像一个全天候待命的、极其挑剔但绝对公正的陪练，虽然有时被它提出的高要求弄得心力交瘁，但每次完成挑战后，那种技艺精进的成就感是任何其他教材都无法比拟的。

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说实话，这本书的某些章节，读起来简直像是在阅读一篇深入的哲学论述，而非简单的练习册。它不满足于告诉你“怎么做”，它更想让你明白“为什么这么做”。例如，在讨论如何处理连奏与断奏的层次感时，作者花了大量的篇幅去探讨“呼吸”在弦乐演奏中的重要性。他将大提琴的换弓动作与人体的吸气呼气过程进行类比，将乐句的起伏比作情绪的波动。这完全超出了技术指导的范畴，直接触及了音乐表达的核心。我记得我当时读到那一段时，停下了手中的琴弓，闭上眼睛想了很久。这让我意识到，我之前可能过于关注手指的机械运动，而忽略了身体作为一个整体，如何与乐器进行对话。这种深层次的引导，对于那些已经有一定基础，渴望从“演奏者”蜕变为“音乐家”的进阶者来说，价值无可估量。它迫使你去思考每一个音符背后的意图，去挖掘作曲家想要传达的情感，从而让你的演奏不再是简单的音符复述，而是一种有生命力的诠释。这种对艺术性的极致追求，是很多现代教材所缺失的。

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这本书的结构安排，简直就是一场精心策划的“进阶迷宫”，你必须按部就班地走，否则很容易迷失方向。我特别欣赏作者在引入新的演奏技法时所采取的“对比教学法”。比如，在讲解揉弦的细腻度时，它会先用一段清晰但略显生硬的示范，让你感受到没有揉弦的音色是多么的单薄；紧接着，紧随其后的就是一段饱满、富有歌唱性的揉弦练习，这种强烈的听觉反差，极大地激发了我去攻克这项难关的决心。很多其他教材可能会把揉弦分成A、B、C几个小点去讲解，让你感觉是零散的任务，但这本书是将这些技巧融入到具体的、具有音乐性的短句中，让你在‘做音乐’的过程中学会‘练技巧’，而不是为了‘练技巧’而练技巧。我记得有一个关于换把的练习，它不是简单地给出把位标记，而是详细分析了换把时左手指尖与琴弦的接触角度变化，甚至精确到了需要“轻轻地滑行”还是“果断地跳跃”，这种细腻到令人发指的描述，让那些曾经让我头疼不已的音准问题，逐渐迎刃而解。我个人感觉，如果能配合录音材料一起使用，效果会更佳，因为它提供的是一种思维框架，而声音才是检验这个框架是否有效的最直接证据。

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哈哈

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堅定跨過先輩們的x體。

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