Solfege, Ear Training, Rhythm, Dictation, and Music Theory pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:University Alabama Press

作者:Marta Arkossy Ghezzo

出品人:

页数:464

译者:

出版时间:2005-6-26

价格:USD 48.75

装帧:Paperback

isbn号码:9780817351472

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 小提琴
• 音乐理论
• 视唱练耳
• 节奏训练
• 乐理
• 听音
• 音乐教育
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• 音乐基础
• 音乐技能
• 音乐教材

《音乐的触角：感知、理解与创造的旅程》 在这纷繁复杂的音乐世界里，我们常常被华丽的旋律、震撼的和声以及精湛的技艺所吸引。然而，在这些光鲜亮丽的外表之下，隐藏着一套更为基础却又至关重要的音乐语言和思维方式。它们如同支撑摩天大楼的地基，又如同画家手中的调色盘，是音乐家进行感知、理解和创造的根本。《音乐的触角》便是一本致力于揭示这些内在规律，引领读者深入音乐肌理，发掘自身音乐潜能的指南。 本书并非旨在教授你如何弹奏某一件乐器，或是演唱某一首歌曲。它的目标更为宏大，也更为根本：训练你的耳朵，让你能够“听见”音乐的本质；培养你的节奏感，让你能够“感受”音乐的脉搏；强化你的乐感，让你能够“理解”音乐的结构；拓展你的音乐视野，让你能够“思考”音乐的意义。 无论你是对音乐充满好奇的初学者，希望夯实基础的音乐爱好者，还是正在寻求突破瓶颈的进阶学习者，都能在这本书中找到一条通往更深层次音乐体验的道路。 第一篇：听觉的觉醒——捕捉音乐的细微之处 人类的听觉是接收音乐信息最直接的通道。然而，我们的大脑在处理声音信息时，往往会过滤掉许多细微的差别，尤其是那些构成音乐骨架的关键元素。本篇将系统地引导你如何有意识地去“听”，将模糊的声音转化为清晰的认识。 音高辨识的艺术： 我们的耳朵可以区分成千上万种不同的音高，但要准确地识别它们之间的关系，需要系统的训练。本书将从最基础的“唱名法”开始，介绍如何将无形的音高转化为可识别的符号。你将学会辨认不同音程（如大二度、小三度、纯五度等）的听觉特征，理解它们所带来的情感色彩和功能。例如，为什么大三度听起来明亮、快乐，而小三度则显得忧伤、沉静？我们将通过大量的听觉练习，让你用耳朵去“感受”这些细微的差异，并最终能够不假思索地辨认出它们。 旋律的流动与记忆： 旋律是音乐的灵魂，是连续音高的线条。本篇将引导你如何去“追踪”旋律的走向，理解其起伏、进行和发展。你将学习如何将听到的旋律在脑海中“复述”出来，即使不识谱，也能凭着记忆和听觉来把握。我们将探讨旋律的构成元素，如乐句、乐段，以及它们之间的连接方式，让你理解一段优美的旋律是如何从简单的音符组合中脱颖而出的。 和声的色彩与对话： 和声是构成音乐厚度和丰富度的关键。它指的是多个音同时发声所产生的效果。本篇将带领你探索和声的奥秘，从最简单的两个音的结合，到复杂的属和弦、导和弦等。你将学习如何辨认不同和弦的音响特征，理解它们之间的“张力”与“解决”，以及它们在音乐推进中所扮演的角色。例如，为什么某个和弦的出现会让你感到一种期待，而另一个和弦的解决则带来舒缓和满足？通过具体的听辨练习，你将能够区分并理解这些和声的“色彩”和“对话”。 音色与质感的辨别： 音乐不仅仅是音高和节奏的组合，乐器或人声的音色也赋予了音乐独特的个性和情感。本篇将拓展你的听觉范围，让你学会辨认不同乐器的音色，理解弦乐的温暖、木管的清澈、铜管的辉煌以及打击乐的力度。你还将学习如何辨别同一个乐器在不同演奏技巧下的音色变化，从而更全面地感知音乐的表现力。 第二篇：节奏的脉搏——捕捉音乐的律动之美 节奏是音乐的骨骼，是赋予音乐生命力的驱动力。没有节奏，再优美的旋律也将失去其舞蹈的灵魂。本篇将深入探索节奏的构成、组织和表现，让你成为一名敏锐的节奏感知者。 基础节奏的识别与重现： 从最基本的四分音符、八分音符、十六分音符，到附点音符、休止符，本篇将清晰地讲解各种基本节奏单位的含义和听觉特征。你将通过大量的拍手、跺脚、口述等实践练习，将抽象的节奏符号转化为身体的律动，从而加深对节奏的理解和记忆。 节拍与拍号的奥秘： 节拍是音乐的“心跳”，而拍号则决定了这种心跳的“步伐”。本篇将深入浅出地讲解二拍子、三拍子、四拍子等常用拍号的特点，以及它们如何在音乐中形成不同的律动感。你将学会如何准确地找到音乐的强拍和弱拍，从而更清晰地把握音乐的整体脉络。 节奏组合与变化： 音乐的节奏并非一成不变，它通过各种组合和变化来营造生动感。本篇将引导你分析复杂的节奏型，理解切分音、三连音等节奏技巧所带来的独特韵律。你将学习如何将听到的复杂节奏分解，并用自己的方式重现出来，培养出强大的节奏模仿和创造能力。 速度与力度的律动： 除了音符的时值，音乐的速度（快慢）和力度（强弱）也是构成节奏感的重要因素。本篇将探讨速度变化（如渐快、渐慢）和力度变化（如渐强、渐弱）如何在音乐中产生情感的起伏和张力，并引导你通过听觉去捕捉和感受这些细微的变化。 第三篇：乐理的桥梁——理解音乐的逻辑与结构 音乐语言并非天马行空的艺术，它拥有严谨的逻辑和清晰的结构。掌握这些基本的乐理知识，如同获得一把解锁音乐内在奥秘的金钥匙。本篇将以清晰易懂的方式，为你构建音乐的知识体系。 音阶与调式的根基： 音阶是构成旋律和和声的基础骨架，而调式则赋予了音乐特定的“色彩”和“性格”。本篇将从最基础的自然大调、自然小调开始，介绍音阶的构成音程关系，以及它们如何形成不同的音乐情绪。你将理解为什么某些调式听起来明亮，而另一些则显得忧郁，并学会辨认常见的调式。 和弦的构建与功能： 在理解了音阶的基础上，本篇将深入讲解和弦的构成原理。你将学习如何从音阶音中构建出三和弦、七和弦，并理解它们在音乐中的基本功能，如主和弦（稳定）、属和弦（紧张）和下属和弦（过渡）。通过对和弦功能的理解，你将能更好地分析音乐的走向，甚至预测下一步的和声发展。 音乐的语言：记谱法的解读： 记谱法是记录和传递音乐信息的重要工具。本篇将为你解读五线谱、简谱等常见的记谱方式，让你能够读懂乐谱上的音高、时值、表情记号等信息。掌握记谱法，意味着你能够将听到的音乐转化为文字，也将为你的学习和创作打开更广阔的空间。 音乐的组织：曲式结构的解析： 任何一段音乐，无论长短，都有其内在的组织结构。本篇将介绍简单的曲式结构，如二部曲式、三部曲式，以及更复杂的变奏曲式、回旋曲式等。你将学会如何识别乐曲中的主题、重复、对比和发展，从而更深刻地理解音乐的整体布局和逻辑。 第四篇：创作的萌芽——将感知转化为表达 理论的知识最终是为了服务于实践。本篇将鼓励你将所学到的听觉、节奏和乐理知识运用到实际的音乐创造中，即使只是小小的尝试，也能点燃你创作的火花。 旋律的即兴与构思： 在掌握了音阶和调式后，你可以开始尝试即兴创作简单的旋律。本书将提供一些引导性的练习，让你从模仿开始，逐渐培养出自己创作旋律的能力。你将学习如何利用已有的乐句进行变奏和发展，以及如何为一段旋律寻找合适的和声伴奏。 节奏的填充与变化： 尝试为一段简单的旋律添加不同的节奏型，或者为一段节奏型构思出旋律。你将通过大量的练习，理解节奏与旋律之间的相互作用，以及如何通过节奏的变化来增强音乐的表现力。 基础的和声进行实践： 在了解了基本和弦功能后，你可以尝试自己编写简单的和声进行。本书将提供一些常见的和弦进行模式，并鼓励你进行探索和尝试，从而初步体验到创作和声的乐趣。 聆听的习惯与反思： 创作的灵感往往来源于大量的聆听。本篇将强调养成主动聆听的习惯，并引导你对听到的音乐进行分析和反思。思考音乐家是如何运用音高、节奏、和声来表达情感和意境的，这将极大地拓展你的音乐思维。 《音乐的触角》并非一本速成的秘籍，而是一段需要耐心和实践的旅程。它鼓励你放慢脚步，用耳朵去感受，用心去理解，用身体去律动。通过本书系统性的引导和大量的实践练习，你将逐渐建立起一套属于自己的音乐感知体系，让你不再仅仅是被动地接受音乐，而是能够真正地“听懂”、“听会”音乐，并在此基础上，为自己打开音乐创造的广阔天地。这是一次唤醒你内在音乐潜能的邀请，让你更深切地体会到音乐的无穷魅力。

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我必须提到这本书在“听力辨别训练”这块内容的不足，这对我一个追求精准辨音能力的学习者来说，是比较致命的。书中提到了和弦的识别，但其提供的例子非常有限，几乎完全集中在基础的三和弦和大七和弦上。当我们遇到更复杂的九和弦、十一和弦，或者那些色彩丰富的小调和弦变体时，书中几乎没有提供任何有效的听辨材料或练习方法。我尝试用书里教的“根音判断法”去识别一段复杂的爵士乐和弦进行，结果完全失灵，因为那些和弦中充满了色彩音和导音，书中的理论知识完全无法覆盖这些情况。此外，关于“调性转换”的听觉训练也过于简单粗暴，仅仅是要求识别升降半音，而没有训练我们如何捕捉到远关系转调时那种“情绪”和“色彩”的剧烈变化。这本书给我的感觉是，它完美地覆盖了18世纪末到19世纪初的欧洲古典音乐听觉训练的“标准范围”，但在面对更现代、更具挑战性的和声语言时，显得力不从心，仿佛工具箱里缺少了几把关键的扳手。

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这本书，说实话，拿到手的时候我还有点小小的期待，毕竟书名包含了这么多音乐学习的核心要素，听起来就像是一本包罗万象的“武功秘籍”。然而，深入阅读后，我发现它更像是一本精心编排的课程大纲，而不是一本可以让人立刻“开打”的实战手册。比如，在介绍“和声分析”的部分，作者采用了非常学术化的语言，堆砌了大量的专业术语，如果没有扎实的乐理基础作为支撑，初学者读起来简直就像在啃一本古老的拉丁文文献。我花费了大量时间试图理解其中关于“弗里吉亚调式”与“利第亚调式”之间的细微差别，书中的解释虽然逻辑清晰，但总觉得缺少了点“人味儿”，没有用生动的例子或者熟悉的曲段来佐证，导致理解停留在概念层面，难以转化为实际的听觉感知。我更希望看到的是，作者能用更直观的方式，比如对比某段巴赫作品和德彪西作品中这两种调式的听感差异，那样学习效果可能会事半功倍。另外，书中的排版设计也略显陈旧，黑白印刷，缺乏必要的图表和色彩辅助，对于需要视觉辅助的乐理学习来说，确实有些吃力。总而言之，它更像是一本为已经具备一定基础的学生准备的参考书，而非面向广大音乐爱好者的入门指南。

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这本书的整体结构安排，说实话，给我一种“大杂烩”的感觉，各个章节之间的联系不够紧密。例如，关于“曲式结构分析”的章节，虽然提到了奏鸣曲式、回旋曲式等经典结构，但这些分析似乎是孤立存在的。它并没有清晰地引导读者，如何将听到的和弦进行（在乐理部分讲解）与旋律的走向（在视唱练耳部分涉及）结合起来，最终映射到宏观的曲式结构上。我阅读到后半部分时，感觉自己像是在学习三门完全不相关的学科：一部分是理论的堆砌，一部分是技巧的训练，另一部分是历史的罗列。这种割裂感极大地影响了学习的连贯性。我期望这本书能提供一个统一的框架，比如从一个简单的赋格片段入手，然后分别展示这个片段中的和声、节奏、旋律线条是如何共同构建出整体的音乐形象的。目前来看，读者需要自己花费巨大的精力去搭建这些知识点之间的桥梁，这无疑增加了学习的门槛和挫败感。对于希望获得全面、系统音乐素养的人来说，这种分散的处理方式是一个明显的缺点。

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我购买这本书的初衷，是想找一本能系统提升我“视唱练耳”能力的工具书。我特别关注了关于“旋律听写”的部分，希望能找到一些循序渐进的练习方法。这本书在这方面确实提供了一些练习题，但问题在于，练习的难度跨度实在太大了，几乎没有中间地带的过渡。前几章的练习是极其简单的三音阶模唱，读起来轻轻松松，让我一度怀疑自己买错了书，以为这是一本给幼儿园小朋友准备的教材。然而，当我翻到后面的“复杂节奏与不协和音程的听写”时，难度突然跳跃到了一个专业音乐学院二年级的水平。那些快速的、包含大量半音和不规则重音的八小节旋律，对于我这种业余自学者来说，简直是灾难。更令人沮丧的是，书中对于如何“训练耳朵”去捕捉这些细微变化的技巧描述少得可怜，更多的是“你听到了就写下来”的简单指令。我尝试着根据书里的提示进行练习，结果是效率极低，听了十几遍才能勉强分辨出某个经过音的走向。我希望书中能有关于“内部听觉想象力”培养的专题，比如如何通过默唱来校准听觉的准确性，但这些关键的“内功心法”在书中完全是缺失的。

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关于节奏训练的部分，这本书的处理方式让我感到有些刻板。音乐的节奏感，我认为很大程度上来源于身体的律动和对时间流逝的内在把握，而不是纯粹的数学计算。书中对节奏的讲解，几乎完全是基于“拍子和子分割”的理论模型，用大量的分数和符号来定义二分音符、四分音符、附点音符以及各种复杂的复合拍号。这使得学习过程变得异常枯燥，像是在解一道道复杂的数学题。我尝试跟着书上的指示，用节拍器进行训练，但很快就觉得僵硬和不自然。例如，当涉及到三连音和四连音的交替出现时，书中的文字描述只是简单地告知读者“将一个拍子平均分为三份或四份”，却没有深入探讨在实际演奏中如何保持整体的流畅性和弹性。我购买这本书时，期待能找到一些提升“Groove感”和“律动感”的练习，也许是通过模仿特定的音乐风格，比如拉丁音乐或爵士乐的切分节奏。然而，这本书似乎将节奏视为一种需要精确机械复制的对象，而非一种可以自由呼吸的音乐元素，这与我对现代音乐节奏的理解存在很大的分歧。

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