具体描述
本书是一部全面认识中国画的工具书。该书阐述了中国画的作者、作品、画论、画法、题款、用印、流派以及中国画的各种形式和装裱等，第一节，便刊有“中国绘画简史”的内容。全书约21万余字，插图2000余幅及技法示例图180余幅，图文并茂。读者只要一书在手，可以通读，也可以捡自己所需要的章节来细读。书中所述，有属知识性，有属理论性，足可使览之者开卷有益。
作者简介
目录信息
读后感
一本中国画学科的通典 ——读《中国画百事通》 范达明 浙江人民美术出版社出版的《中国画百事通》（2004年12月版，郎承文主编），是一本在中国画方面没有采用辞书格式与体例，却在内涵的容量与力度上具有接近辞书价值与功能的普及类专业读物。 本书的优点与特色，我觉得大致...
评分一本中国画学科的通典 ——读《中国画百事通》 范达明 浙江人民美术出版社出版的《中国画百事通》（2004年12月版，郎承文主编），是一本在中国画方面没有采用辞书格式与体例，却在内涵的容量与力度上具有接近辞书价值与功能的普及类专业读物。 本书的优点与特色，我觉得大致...
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评分一本中国画学科的通典 ——读《中国画百事通》 范达明 浙江人民美术出版社出版的《中国画百事通》（2004年12月版，郎承文主编），是一本在中国画方面没有采用辞书格式与体例，却在内涵的容量与力度上具有接近辞书价值与功能的普及类专业读物。 本书的优点与特色，我觉得大致...
用户评价
坦白说，我对中国画的了解，一直以来都比较零散，很多概念和名词对我来说都比较模糊。《中国画百事通》这本书，在这一点上做得非常出色。它不像某些学术著作那样，堆砌了大量我难以理解的专业术语，而是用一种更加亲切、更容易接受的方式，为我一一讲解。我记得它有一个章节，专门讲解了中国画的“皴法”。我之前只知道有“皴法”这个词，但具体有哪些皴法，它们各自有什么特点，又是如何表现不同的山石纹理的，一直都很模糊。这本书并没有直接给我一个皴法的列表，而是通过展示不同画家运用不同皴法的具体作品，比如“披麻皴”、“斧劈皴”、“雨点皴”等等，并详细分析了这些皴法在描绘山石的形态、质感以及光影效果上的作用。通过这些鲜活的例子，我才真正理解了这些抽象的技法是如何赋予画面生命力的。同样，对于“设色”的讲解，它也不是简单地罗列颜色名称，而是会分析不同时代、不同流派的画家是如何运用色彩来营造氛围，表现情感，以及色彩在中国画中的象征意义。这种“案例式”的讲解，让我能够更容易地将理论知识与实际作品联系起来，从而加深理解。
评分读完《中国画百事通》之后，我才真正意识到，中国画并非我之前想象的那么“古板”。这本书为我打开了一个全新的视角，让我看到了中国画在不同历史时期所展现出的蓬勃生命力和创新精神。我记得书中有一部分，重点介绍了“扬州画派”的艺术家们，他们是如何在传统绘画的基础上，大胆突破，追求个性的解放和艺术的创新。书中对金农的“漆书”和“牛”的描绘，以及郑燮的“兰竹”和“怪石”，都让我看到了中国画在材料、技法和表现内容上的多样性。它并没有简单地将这些创新艺术家定位为“叛逆者”，而是深入分析了他们所处的时代背景，以及他们为何会选择走这样一条与众不同的道路。同时，书中也描绘了近现代以来，中国画在吸收西方艺术元素的同时，是如何在坚守民族特色的前提下，不断寻求发展和突破的。比如，傅抱石先生的“散点透视”和“抱石皴”，以及李可染先生的“积墨”和“牛”，都展示了他们在传承与创新之间做出的卓越贡献。这本书让我意识到，中国画的魅力，恰恰在于它能够不断地吸纳新的元素，不断地与时俱进，从而保持其旺盛的生命力。它让我看到了一个充满活力、不断发展的中国画艺术世界。
评分我一直对中国画在不同历史时期所展现出的独特风格和时代精神非常感兴趣，而《中国画百事通》这本书，在这方面为我提供了极为宝贵的洞察。《中国画百事通》这本书，它并没有简单地按照朝代顺序来介绍，而是更注重从艺术发展的逻辑和风格的演变来展开。我记得书中有一部分，专门探讨了“南北宗论”在中国画史上的影响，它详细分析了“南宗”强调笔墨趣味、写意抒情，“北宗”注重勾勒填色、工致写实的艺术主张，以及这些主张如何影响了不同时期画家的创作。它不是简单地将画家划分到某个流派，而是深入分析了他们作品中体现出的共性与个性，以及他们之间在艺术理念和技法上的传承与创新。我特别欣赏它对不同时期“山水画”风格变化的梳理，比如从唐代的雄浑壮阔，到宋代的精雅细腻，再到元代的文人写意，以及明清的各种流派纷呈。它会分析不同时期山水画在构图、笔墨、设色等方面的特点，以及这些特点是如何反映当时的社会文化背景和审美趣味的。这本书让我认识到，中国画的发展并非是线性的，而是充满了各种复杂的因素，包括个人风格、流派传承、时代思潮等等。通过这些细致的分析，我能够更清晰地理解中国画的演进过程，也能更深刻地体会到不同时代所赋予中国画独特的艺术魅力。
评分拿到《中国画百事通》之后，我迫不及待地翻阅起来。起初，我以为它会像市面上很多介绍中国画的书籍一样，以时间线为主导，从古代一直讲到当代。然而，这本书的开篇方式却让我眼前一亮，它似乎并没有急于铺陈历史的宏大叙事，而是从一些更具象、更贴近日常生活的角度切入。我记得第一章似乎在探讨“画”这个字本身在中国文化中的意义，以及它在古代社会的不同职能。这让我感到非常新奇，因为我从未想过从“字”的角度去理解绘画。接着，它又很自然地过渡到了古代绘画的材料，比如笔、墨、纸、砚的制作工艺和它们各自的特点，以及这些材料如何影响了中国画的风格和表现力。我从未如此细致地了解过一张宣纸的质地、墨的浓淡变化对画面意境的影响，甚至一块砚台的雕刻工艺，都能从中看到古代匠人的心血和智慧。这本书并没有直接告诉我哪个朝代的山水画最伟大，而是通过讲解这些基础性的知识，让我明白，伟大的作品是如何在这些基础之上诞生的。我特别欣赏它这种“由表及里”的讲解方式，它不是直接把你扔进一个复杂的艺术世界，而是先为你打下坚实的基础，让你能够带着更清晰的认知去欣赏那些更宏大的艺术成就。这种循序渐进的引导，让我这个初学者感到非常轻松和受用。我甚至开始对那些古代文人墨客在书房里精心研磨墨汁、铺展宣纸的场景产生了浓厚的兴趣。
评分在阅读《中国画百事通》的过程中，我尤其被书中对中国画“写意”精神的阐释所打动。我一直觉得中国画最吸引人的地方，就在于它不拘泥于形似，而是追求“神似”，追求一种“言有尽而意无穷”的境界。这本书恰恰把这种“写意”的精髓，通过一个个生动的案例，展现在我面前。它并没有空泛地谈论“写意”二字，而是深入分析了写意花鸟画中，如何通过寥寥几笔，就能勾勒出鸟儿的神态，花朵的娇艳；又如写意山水画中，如何通过笔墨的挥洒，营造出山川的壮阔与气势。我记得书中有一节，专门讲解了齐白石先生的虾，他如何仅仅通过墨色的浓淡变化和几根简单的线条，就能画出虾在水中游动的灵动感和透明感，这种“形在意先，意在笔外”的艺术处理方式，让我赞叹不已。又比如，徐悲鸿先生在吸收西方素描技法的同时，如何将其融入中国画的笔墨之中，创造出既有西方造型的严谨，又有中国写意神韵的独特风格。这些都让我看到，“写意”并非是对自然的简单概括，而是一种高度提炼、高度概括，并且带有强烈主观情感的艺术表达。这本书让我明白，“写意”是中国画的灵魂所在，它赋予了中国画独特的生命力和艺术魅力，也让我更愿意去品味那些看似简单，实则意味深长的笔墨。
评分作为一名对中国传统文化有着浓厚兴趣的普通读者，我一直希望能找到一本既能让我了解中国画的宏观发展脉络，又能深入体会其中细微之妙的书籍。《中国画百事通》恰恰满足了我的这一愿望。它不仅仅是罗列历史事件和画家名字，更注重挖掘中国画背后的文化基因和哲学思想。我记得书中有一部分，探讨了中国画与“天人合一”的哲学观是如何相互契合的，它通过分析山水画中人与自然的和谐关系，以及花鸟画中对生命力的赞美，让我深刻体会到，中国画不仅仅是一种视觉艺术，更是一种对宇宙人生观的表达。它会分析古人如何通过绘画来寄托情怀，如何通过笔墨来抒发胸中丘壑。此外，书中还涉及了中国画在不同历史时期，如何与文学、诗歌、书法等其他艺术形式相互渗透、彼此影响。比如，宋代的院体画如何受到皇家审美的青睐，元代的文人画又为何与诗、书、印紧密结合，形成“四绝”的独特艺术风格。这些跨学科的解读，让我能够从更广阔的视野来理解中国画的丰富性和多样性，也让我看到了中国画作为一种承载着深厚文化底蕴的艺术形式，是如何在不同时期，以不同的面貌与时代精神对话的。
评分我一直对中国画中那些“意境”的营造感到十分着迷，但常常苦于无法言传。比如，一幅山水画，寥寥几笔，就能勾勒出云雾缭绕的山峦，几点墨色，就能表现出深邃的意境。而在《中国画百事通》中，我惊喜地发现，它并没有用枯燥的理论去解释“意境”，而是通过对具体画作的解读，让我恍然大悟。我记得有一节专门讲了“留白”的艺术，它并没有简单地说“留白很重要”，而是通过分析几位大师的作品，比如马远的“山水十二景”中那些似有若无的云雾，或者宋徽宗的“芙蓉锦鸡图”中简洁的背景，来展示留白是如何引发观者无限的想象，如何在画面中创造出呼吸的空间，让景物更加生动，让情感更加充沛。这本书的讲解方式非常生动，它会把抽象的概念具体化，让你能够“看”到意境是如何被创造出来的。而且，它还涉及了中国画中“气韵生动”的说法，它不是空洞的口号，而是通过对线条、墨色的运用，甚至对画家精神状态的描绘，来揭示这种“气韵”是如何在画面中流淌的。读这本书，我感觉就像是有一位经验丰富的老师，手把手地教我如何去“读”懂一幅画，如何去体会画家内心的情感和对自然的感悟。这种“知其然，更知其所以然”的学习过程，让我对中国画的理解不再停留在表面，而是能深入到其精神内核。
评分《中国画百事通》这本书，带给我的最大惊喜之一，便是它对于中国画中“意境”营造的深入剖析。在阅读之前，我总是觉得“意境”是一个非常玄乎的概念，难以捉摸。但这本书却用非常具象、非常生动的方式，为我揭示了“意境”是如何通过笔墨、色彩、构图等多种元素巧妙结合而产生的。我记得书中有一章，专门讨论了“留白”在中国画中的妙用。它并没有简单地说“留白很重要”，而是通过展示几位不同画家，比如马远、夏珪等人的山水画作品，来分析他们是如何运用大片的留白来表现云雾、远山，从而营造出辽阔、幽远、宁静的意境。那些似有若无的笔墨，那些似被风吹散的云烟，都仿佛拥有生命一般，触动着观者的心灵。同时，书中也详细分析了如何通过“墨分五色”，以及不同皴法的运用，来表现山石的质感、层次和体积感，从而进一步丰富画面的意境。它让我明白，“意境”不是凭空而来的，而是通过画家对自然的观察、对情感的体悟，以及对笔墨技巧的精湛运用，最终在画面中得以呈现。这本书不仅仅是教我“看”中国画，更是教我如何“品”中国画，如何去感受画面背后所蕴含的丰富情感和哲学思考，这对我而言，是一次非常深刻的艺术启迪。
评分在翻阅《中国画百事通》的过程中，我印象最深刻的是它对中国画中“师承”与“创新”之间微妙关系的探讨。很多时候，我们谈论艺术家，总是强调他们的独特风格和创新之处，但这本书却非常细致地梳理了中国画发展过程中，“师承”所扮演的重要角色。它会介绍某位大家是如何学习前人技法，是如何在传统的基础上进行融会贯通，然后才逐渐形成自己独特的面貌。比如，在讲到宋代山水画时，它可能会先介绍荆浩、关仝等人的开创性贡献，然后过渡到李成、范宽等人的发展，并分析他们之间在笔墨、构图上的联系与差异。这种讲解方式，让我能够清晰地看到中国画艺术传承的脉络，明白“创新”并非凭空而来，而是在深厚传统土壤上的孕育和生长。同时，它也并没有因此而忽略创新本身的重要性。它会重点分析那些在时代变革中，敢于突破传统束缚，引入新元素、新技法的画家，比如元代文人画的兴起，或者近现代中国画的革新。通过这些分析，我理解到，真正的创新，是在尊重传统的基础上，对艺术语言的深化和拓展，是一种对时代精神的回应。这本书让我认识到，中国画的生命力，恰恰在于这种传承与创新的辩证统一，而不是简单的重复或者激进的颠覆。
评分这本书的书名是《中国画百事通》，但说实话，我拿到这本书的时候，其实抱着一种非常复杂的心情。作为一个对中国画算不上是专业，但绝对是充满好奇和喜爱的人，我总觉得“百事通”这个词，预示着这本书会涵盖太多太多，从历史源流到各个朝代的代表性画家，从题材的划分到技法的演变，甚至可能是各个流派的风格特点，以及当代中国画的发展趋势。我设想过它会像一本百科全书一样，事无巨细地展现在我面前，让我能够快速地查阅到关于中国画的任何一个我感兴趣的点。我期待它能像一位博学的老者，用温和而清晰的语言，为我一一解答心中关于中国画的种种疑问。比如，我想知道唐宋时期山水画的巅峰究竟体现在哪些具体作品和画家身上？他们的构图有什么独到之处？而到了元明清时期，文人画又是如何兴起的？又有哪些画家以其独特的笔墨语言，在中国画史上留下了浓墨重彩的一笔？更不用说近现代以来，中国画在吸收西方艺术元素的同时，又是如何保持自身独特魅力的？我希望这本书能提供给我一个清晰的脉络，让我能够循序渐进地了解中国画的博大精深。同时，我也希望它能在众多繁杂的信息中，提炼出最精华的部分，让我这个非专业读者也能领略到中国画的无穷魅力。我尤其关心那些在技法上如何突破和创新的部分，比如笔墨的运用，色彩的搭配，以及构图的巧妙之处，这些都是构成中国画灵魂的关键要素。我希望这本书不仅仅是知识的堆砌，更能引发我深入的思考，让我能够从更深层次去理解中国画的审美意境和文化内涵。
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