匈牙利民歌研究

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出版者:
作者:巴托克
出品人:
页数:254
译者:金经言
出版时间:2004-1
价格:22.00元
装帧:
isbn号码:9787810960403
丛书系列:
图书标签:
  • 匈牙利
  • 音乐
  • 巴托克
  • 音樂人類學
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具体描述

巴托克是20世纪最重要的作曲家之一,也是从事比较音乐学研究的成就最卓越的学者之一。这部著作是作者长期研究他本人亲自收集记谱的数千首匈牙利民歌的结晶,不仅对我们了解匈牙利民间音乐有重要的意义,而且对我国的民间音乐学习者和研究者借鉴巴托克的比较研究方法也有很高的价值,是目前国内为数很少的民族音乐学经典性译著。该书附有作者以其独特方式记录的谱例80多页。

跨越巴尔干的音符:保加利亚民间音乐的深度考察 图书名称: 跨越巴尔干的音符:保加利亚民间音乐的深度考察 内容简介: 本书是一部全面而深入的学术专著,旨在系统梳理和剖析保加利亚民间音乐的复杂肌理、历史演变及其在现代社会中的独特地位。我们摒弃对常见文化符号的简单罗列,转而聚焦于构成保加利亚音乐灵魂的深层结构、地方差异以及与社会、历史和精神信仰的紧密互动。 第一部分:巴尔干的声场地理与音乐方言 本书首先建立了保加利亚民间音乐的地理学框架。我们不满足于将音乐简单划分为“北方”与“南方”,而是深入探讨了具有鲜明音乐特征的七个主要地区:索菲亚盆地、皮林马其顿、罗多彼山脉、特拉基亚低地、巴尔干山脉(Stara Planina)、多瑙河平原以及黑海沿岸地区。 罗多彼山脉的“隐秘之声”: 重点分析了罗多彼地区特有的“单声部叙事歌谣”(Oral Ballads)的结构复杂性,这些歌谣常伴随卡瓦(Kaval,牧羊笛)或加达卡(Gadulka,擦弦乐器),其旋律线往往采用微小的音程变化(如四分之一音程),挑战了西方十二平均律的认知体系。我们探讨了这些歌曲在羊群放牧、家庭仪式中的功能性,以及它们如何通过口头传承,保持了极高的地域纯粹性。 皮林地区的“复调的张力”: 详细考察了皮林地区(特别是伊林登起义影响深远的区域)的复调音乐。这并非我们通常理解的和谐对位,而是一种基于“固定音型”(Drone)的交织旋律,其中两个或三个声部以极不和谐的音程(如大二度或小九度)进行对置,创造出强烈的张力美感。我们分析了这种张力与该地区长期以来反抗外来统治的历史经验之间的潜在关联。 多瑙河平原的“节奏之舞”: 对比分析了多瑙河沿岸地区,特别是鲁塞尼亚(Ruse)周边,音乐节奏的显著特征。这里的节奏型,如 7/8 (rachenitsa) 和 9/8 (kopanitsa),在记谱和演奏实践中展现出令人眼花缭乱的复杂性。我们利用音谱分析法,揭示了这些节奏型中隐藏的“二元划分”(如3+2+2+2)与“三元划分”(如3+3+3)的灵活转换机制,这与当地的集体劳动和庆祝活动紧密相关。 第二部分:乐器学、演奏技艺与声音美学 本部分将保加利亚民间音乐的特色归因于其独特的乐器群落和演奏者的精湛技艺。 卡瓦(Kaval)的呼吸艺术: 对卡瓦的构造、指孔分布及其引发的泛音系列进行了严谨的声学分析。我们区分了高音区的“尖锐”与低音区的“圆润”,并探讨了演奏者如何利用唇部和呼吸控制,在不改变指法的情况下,实现音高微调(microtonal inflections),这是西方长笛演奏技法中极为罕见的现象。 古达卡(Gadulka)的共振与支撑: 详细阐述了加达卡作为主要旋律伴奏乐器的作用。其独特的弓法(通常是向下推弓而非拉弓)产生了一种持续的、略带“摩擦感”的音色,这为叙事歌谣提供了坚实的听觉基础。我们比较了不同地区的琴体木材选择对手工琴音色衰减和泛音丰富度的影响。 塔潘鼓(Tapan)的动态控制: 塔潘作为主要的打击乐器,其重要性远超单纯的节奏支撑。我们分析了演奏者如何使用不同硬度的鼓槌敲击鼓面的不同部位,实现从轻微的“点缀”到猛烈的“爆发”的动态范围,这直接影响了群体舞蹈(Horo)的集体心理。 第三部分:歌唱传统与文本的社会功能 保加利亚民间音乐的核心在于其歌词和演唱技巧,本书对此进行了深入的文本学和人类学考察。 女性歌唱的“情感释放”: 专门设立章节研究保加利亚女性的集体歌唱(尤其是“散开式”或“收束式”的对位)。这种唱法往往不使用统一的节拍,而是允许个体歌手在保持核心旋律框架的同时,进行即兴的装饰音和时值的微调,形成一种“结构松散但精神统一”的效果。我们探讨了这种歌唱模式在婚礼、哀悼仪式中的心理宣泄功能。 “隐喻”与“指涉”: 文本分析超越了对歌词字面意义的解读。例如,对“白色山羊”、“黑眼睛的牧羊女”等常见意象的分析,揭示了其在特定历史时期(如奥斯曼统治下)作为政治或社会抗议的委婉表达方式(veiled protest)。 仪式音乐的“界限穿越”: 考察了与生命周期事件(出生、成年、死亡)相关的音乐类型。我们分析了这些仪式音乐如何通过音高、节奏的非日常性特征,帮助参与者从世俗时间过渡到神圣时间,强调了音乐在维护社区社会结构中的仪式学作用。 结论:民间音乐的当代张力与存续挑战 最后,本书反思了民间音乐在后社会主义时代所面临的挑战。我们探讨了“世界音乐”(World Music)市场对传统音乐形式的“风格化”和“简化”倾向,以及乡村人口流失对口头传承链条的破坏。通过对比民族志案例研究,本书论证了保加利亚民间音乐的持续活力并非源于其对异域听众的迎合,而在于其自身内部结构对地方历史记忆的忠实承载。 本书的撰写,立足于二十世纪七十年代至今的田野调查资料、档案录音的声学分析,以及对资深民间艺人(如罗多彼的 Stoyanka Papakonstantinova 和皮林的 Yordan Marinov 等)的深度访谈,为世界民族音乐学领域提供了一部关于保加利亚音乐深度互文性的重要参考。

作者简介

目录信息

绪论
甲纲 匈牙利农民音乐的古老风格
第一亚纲 每句唱词为8个和12个音节的曲调
第二亚纲 每句唱词为6个音节的曲调
第三亚纲 每句唱词为7个音节的曲调
第四亚纲 每句唱词为11个音节的曲调
第五亚纲 每句唱词为10个音节的曲调
第六亚纲 每句唱词为9个音节的曲调
小结
乙纲 匈牙利农民音乐的新风格
小结
丙纲 匈牙利农民音乐的特殊曲调
第一亚纲
第二亚纲
第三亚纲
第四亚纲
第五亚纲 有科罗梅卡节奏的4旋律句曲调
第六、第七亚纲
小结
结束语
附录
一 地名目录
二 引用的资料及版本目录
三 相关音乐作品的一些说明
谱例
一 符号用法说明
二 关于各谱例的说明
三 谱例中的印刷错误
四 谱例
译后记
出版补言
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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这部巨著的问世,无疑是音乐学界的一枚重磅炸弹,它以一种近乎人类学田野调查的严谨态度,深入到匈牙利这片土地的肌理之中,挖掘出那些深藏于民间歌谣里的历史脉络与民族精神。作者似乎并未满足于对旋律和调式的表面分析,而是将焦点投向了歌曲的社会功能、流传环境乃至演唱者的个人生命体验。我读到一些关于特定地区——比如马扎尔平原与特兰西瓦尼亚边境地带——歌谣在婚礼、葬礼乃至劳作场景中的具体运用时,那种强烈的现场感几乎要将我拉入历史的场景之中。尤其值得称道的是,书中对“口头传承的变异性”的讨论,作者细致地比对了不同时期、不同地域收集到的同一首民歌的多个版本,并试图勾勒出这种变异背后的文化动因,这远非简单的乐谱抄录所能企及,它提供了一种理解文化活力的独特视角。书中对乐器伴奏与无伴奏演唱之间张力的剖析也相当精辟,让人反思“纯粹”民歌的定义,并意识到音乐的生命力恰恰在于其不断的适应与重塑。阅读过程如同跟随一位学识渊博的向导,在知识的迷宫中穿梭,每一步都充满了发现的惊喜。

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这本书最让我感到温暖和亲切的,是其中流露出的对“人”的关注,而非仅仅对“音乐材料”的关注。作者在考察那些古老的、仅存于少数偏远村落的“哭嫁歌”时,花费了大量笔墨去描绘那些演唱者——多是年迈的女性——她们的眼神、手势以及在演唱过程中的情绪波动。书中收录了许多原始田野记录中的口述访谈片段,这些片段虽是片段,却如同闪烁的火花,照亮了冰冷的数据分析背后那些活生生的人。一位老妇人讲述自己年轻时唱过的歌谣,以及那首歌谣如何与她失去的亲人产生联系的细节,读来令人潸然泪下。这提醒我们,民歌不仅仅是历史的遗存,它们更是个体记忆与情感的容器。这种人文主义的底色,使得这本书在学术的殿堂里,依然保持着一份难得的人间的烟火气,让人在学习知识的同时,也接受了一次深刻的情感洗礼。它让我重新思考了“文化遗产”的真正重量。

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我必须承认,这本书的专业性是毋庸置疑的,但其行文的逻辑推进速度,对于习惯了快节奏阅读的当代读者来说,可能需要一个适应期。作者在论述复杂的五度圈关系或特定的调式转调技巧时,其语言的密度非常高,充满了专业的术语和精密的乐理分析,仿佛回到了大学时代攻读乐理课的情景。不过,这种深度也正是其价值所在。比如,书中关于匈牙利-斯拉夫语区交界地带,那些旋律中常见的“半音阶色彩”的成因分析,作者用了整整三章的篇幅来系统梳理,从音高体系的差异到声带适应性的探讨,层层递进,逻辑链条环环相扣,让人不得不佩服其钻研的恒心。虽然有些段落需要反复阅读才能完全消化其精髓,但一旦领悟,对特定音乐现象的理解便会得到质的飞跃。它更像是一部工具书与学术专著的完美结合体,需要读者投入时间与精力去“解码”,但回报是丰厚的知识积累。

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这本书最让我感到震撼的,在于它所展现出的跨学科研究的深度与广度。它绝不是一部孤立的音乐学著作,更像是一部融合了社会学、历史学乃至一定程度上的民族心理学的综合报告。作者在探讨某些战争叙事歌曲的演变时,竟然巧妙地引用了同时期奥匈帝国官方档案中的行政记录,用以佐证民间叙事的真实性与偏离性。这种“用历史文本印证歌词流变”的扎实研究方法,使得书中所有的论断都具有极强的说服力,完全摒弃了空泛的浪漫主义臆想。尤其是在分析十九世纪民族复兴运动如何“标准化”和“国家化”民间音乐资源时,作者表现出了极高的批判性视角,他没有盲目赞颂,而是冷静地揭示了国家意识形态如何作用于民间文化载体的过程。这让我意识到,民歌从来都不是“自然生长”的产物,它们始终处于权力与认同的角力场中。对于任何想要探究文化符号如何被建构的学者来说,这本书提供了一个极佳的案例模型。

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初翻开这本厚重的典籍,首先映入眼帘的并非枯燥的理论推导,而是一种近乎诗意的文本叙述风格。作者的文字功力令人惊叹,他仿佛是一位高明的说书人,将那些古老的旋律包装在引人入胜的故事框架里。例如,书中对一些关于“牧羊人的悲歌”的分析,不仅仅停留在音高与节奏上,而是将其与匈牙利历史上那些迁徙与失落的记忆紧密地联系起来,这种文学性的介入,极大地降低了专业研究的门槛,使得非音乐专业的读者也能被深深吸引。更妙的是,作者在描述某些罕见乐器(如中世纪流传下来的某种弓弦乐器)在现代民歌表演中的“幽灵般”回归时,所用的比喻十分形象,让人仿佛能听见那些穿越时空的微弱声响。这本书的布局也十分巧妙,它不是按时间线索推进,而是围绕几个核心的“文化母题”展开论述,使得整本书的结构既有逻辑的严密性,又不失阅读上的韵律感。这绝对是一部需要细细品味的著作,值得在壁炉边、伴着一杯浓郁的红酒,慢慢去感受其中蕴含的深厚人文关怀。

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复杂程度超出我的预期

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可以感受到学者的严谨、认真,只是如果论述段落能直接搭配上谱例而不是要往返翻阅谱例就更棒了∠( ᐛ 」∠)_

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