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出版者:科学出版社

作者:尚锋

出品人:

页数:391 页

译者:

出版时间:2005-3

价格:49.0

装帧:平装

isbn号码:9787030150073

丛书系列:

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数字影像艺术的无限可能：从基础到精通的影像处理与视觉设计实战指南 图书名称： 《数字影像艺术的无限可能：从基础到精通的影像处理与视觉设计实战指南》 图书简介 在这个信息爆炸、视觉主导的时代，图像不再仅仅是记录瞬间的工具，而是承载思想、传达情感、构建品牌形象的核心语言。本书旨在为广大摄影爱好者、平面设计师、UI/UX 开发者，乃至所有对数字影像处理抱有热情和探索精神的读者，提供一套全面、深入且极具实战价值的学习路径。我们不局限于单一软件的操作技巧，而是将焦点放在“影像处理的底层逻辑”、“视觉语言的构建”以及“高效的工作流程管理”之上，致力于培养读者形成一套独立、成熟的数字影像创作思维体系。 本书的结构设计遵循循序渐进、理论与实践紧密结合的原则，共分为五大部分，涵盖了从影像科学基础到前沿视觉趋势的完整知识链条。 --- 第一部分：影像科学与基础构建——理解你所处理的“光影” 本部分是全书的基石，旨在帮助读者建立扎实的数字影像科学认知，告别“盲目操作”，实现“精准控制”。 1. 数字影像的本质与色彩理论的重塑： 我们将深入探讨像素、分辨率、位深、色彩空间（如sRGB、Adobe RGB、ProPhoto RGB）的内在联系与差异。重点剖析人眼对色彩的感知机制，并讲解Lab色彩空间在跨平台色彩管理中的关键作用。不同于浅尝辄止的色相、饱和度介绍，我们提供了一套关于色彩调校的系统方法论，确保读者能理解色彩在不同设备和介质上的表现差异。 2. 曝光的艺术与动态范围的驾驭： 曝光不仅仅是光圈、快门和ISO的简单组合。本章详细解析了相机传感器的物理特性（如量子效率、噪点分布），并引入了“曝光铁三角”的现代解构。更重要的是，我们提供了处理极端光比场景（如日出日落、室内外结合）的实战策略，包括多重曝光的创意应用和HDR合成的科学步骤。 3. 镜头语言与图像锐度的探究： 镜头是眼睛的延伸。本部分会解析不同焦距（广角、中焦、长焦）对空间透视和叙事感的影响，并探讨畸变、暗角和色差的本质。针对画质，我们详细分析了锐化在不同阶段的应用（镜头锐化、输出锐化），并介绍了如何科学地评估图像的清晰度，而非仅凭肉眼判断。 --- 第二部分：非线性编辑与流程优化——构建高效的处理管线 本部分聚焦于如何高效地管理海量的影像素材，并建立一套适应专业工作流的非破坏性编辑体系。 1. 强大的素材管理与元数据利用： 讲解如何利用专业的目录工具对项目文件进行分类、标记和检索。重点介绍EXIF、IPTC和XMP元数据的深度应用，如何通过自定义标签快速定位特定时间、地点或主题的图片，实现“所见即所得”的查找效率。 2. 非破坏性工作流的哲学与实践： 我们强调“永远不要直接修改原始文件”的核心理念。本章详细介绍如何利用层级结构、智能对象、蒙版与通道构建可随时回溯的复杂编辑方案。读者将学会如何设计具有逻辑性的图层组命名规范和文件版本控制方法。 3. 批处理与自动化脚本的应用基础： 针对重复性高的任务（如尺寸调整、加水印、基础色彩校正），本节引导读者从手动操作转向自动化。我们将介绍目录工具中的“预设”功能，并简要探讨如何利用脚本语言（如JavaScript或Python的API接口）实现更深层次的流程定制，极大地释放生产力。 --- 第三部分：高级修饰与精细重构——超越表面的视觉重塑 本部分是技术深度的体现，专注于讲解那些能让图像从“合格”迈向“惊艳”的高级修饰技巧。 1. 皮肤的质感与光影的重塑： 彻底告别“磨皮过度”的塑料感。我们系统讲解频率分离技术（Frequency Separation）的原理与应用，区分“纹理层”与“色彩层”的独立处理。此外，还引入了“高光与阴影的微调”，模拟自然光下的皮肤呼吸感，保留毛孔细节的同时实现平滑过渡。 2. 复杂合成的遮罩艺术： 合成不再是简单的图层堆叠。本章深入剖析通道（Channels）在提取复杂边缘（如发丝、透明物体）中的决定性作用。读者将掌握如何结合“通道混合器”、“通道抠图”以及“图层混合模式”来创造出无缝、逼真的多图层融合效果。 3. 空间透视与光线的一致性处理： 在合成多张图片时，光线方向和透视一致性至关重要。本节教授如何通过透视网格工具校正不匹配的几何结构，并利用“光照映射”（Light Mapping）技术，分析源素材的光源方向，并在合成元素上精确添加相应的环境光和投影，确保视觉逻辑的完美统一。 --- 第四部分：风格化与创意表达——打造独特的视觉签名 技术是手段，风格才是目的。本部分旨在引导读者跳出标准模板，形成具有个人辨识度的视觉风格。 1. 调色理论的深度应用——情绪的色彩编码： 讲解如何通过特定的色彩方案（如互补色、类比色、三元色）来烘托特定的情感基调。案例分析将侧重于电影感色彩（如青橙色调）、复古胶片模拟（颗粒与褪色曲线）以及现代极简主义色彩的应用。重点在于理解曲线工具在定义画面“情绪对比度”中的核心地位。 2. 纹理、画笔与笔触的“手写感”： 强调如何利用自定义画笔和纹理叠加来增加图像的“人味”和触感。我们将分享如何设计和使用模拟传统媒介（如水彩、油画、炭笔）的笔刷，以及如何将真实的纹理素材融入数字图像中，为画面注入生命力。 3. 视觉叙事的结构化布局： 从设计角度审视影像。介绍黄金分割、引导线、视觉三角形等构图原理，并探讨如何利用景深控制和焦点引导来明确观众的阅读路径。本章鼓励读者在处理前，先在脑海中构建“信息层级图”。 --- 第五部分：输出、优化与前沿展望 最后一部分关注如何将精美的作品完美呈现到最终的媒介上，并展望未来的技术趋势。 1. 打印与屏幕的色彩匹配： 详细解释ICC Profile（色彩特性文件）的作用，以及如何设置正确的打印色彩空间。涵盖从RGB到CMYK的转换原理，以及如何使用分色预览工具，避免打印成品与屏幕显示效果产生巨大偏差。 2. 网页与移动端的性能优化： 探讨针对不同显示设备的图像压缩策略。讲解感知质量（Perceptual Quality）与文件大小之间的平衡点，介绍渐进式JPEG、WebP等现代格式的优势，以及如何通过优化图像尺寸和元数据来提升网站加载速度。 3. 3D纹理与沉浸式设计基础： 简要介绍数字影像技术在三维环境中的应用，如如何创建高精度PBR（基于物理渲染）材质的法线贴图、粗糙度贴图，为读者进入虚拟现实（VR/AR）和三维场景构建打下基础。 --- 结语： 《数字影像艺术的无限可能》旨在成为一本“常青树”式的工具书，它不追逐软件版本迭代的短期热点，而是聚焦于核心的视觉原理、稳定的技术框架和创意的驱动力。通过对上述五个维度的系统学习，读者将能够自信地驾驭任何主流的数字处理工具，真正做到“随心所欲，而不逾矩”，在数字影像的广阔天地中，雕刻出属于自己的艺术印记。

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与其他书籍相比，这本书在用户体验的细节上处理得极其体贴入微，体现出作者对读者的强烈同理心。最让我觉得贴心的是，书中针对不同操作系统和软件版本之间的细微差异，都做了专门的注释和说明。我曾经买过一本很贵的国外引进版教程，结果回家发现，书里提到的几个快捷键在新版本中已经全部更改，导致我不得不花大量时间去查找对应的新功能。但这本书完全没有这种困扰。它似乎预见到了读者在使用过程中可能遇到的所有“卡点”。例如，在讲解如何精确选择复杂边缘时，它不仅介绍了选择并遮住（Select and Mask）的工作流程，还特别补充了如何针对特定边缘类型（如毛发、半透明物体）进行微调的技巧，并且配有高清的界面截图，清晰地标示了每一个微调滑块的作用。更难得的是，随书附带的资源包（如果有的话，或者它引导你去哪里下载）组织得非常有条理，案例文件和最终成品是分开存放的，并且每个案例都有一个清晰的目录结构说明，这极大地便利了我们对照学习和模仿练习。总而言之，它不是一本冰冷的工具书，而更像是一位耐心、博学且极其细致的导师，手把手地带领你完成每一次技术飞跃。

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天哪，我终于找到了这本号称能把我从PS小白直接送进P图大师殿堂的宝典！说实话，我一开始是抱着将信将疑的态度打开它的，毕竟市面上关于图像处理的书籍汗牛充栋，大多都是那些老生常谈的工具栏介绍和滤镜罗列，看一眼就想打瞌睡。然而，这本书的开篇就展现出一种与众不同的气势。它没有急于展示那些炫技的最终效果图，而是深入探讨了色彩管理和光影的本质原理。我记得其中有一章专门讲解了直方图的阅读技巧，讲得深入浅出，让我这个以前只知道拖动滑块的人，瞬间明白了为什么我的照片总是“灰蒙蒙”的。它强调的不是“按什么按钮”，而是“为什么这么做”。比如，作者用极其细腻的笔触剖析了人眼对不同色温的敏感度差异，并以此为基础推导出了高级曲线调整的底层逻辑。这种从“术”到“道”的过渡，让我这个初学者感到无比踏实，仿佛手里拿到的不是一本操作手册，而是一本武林秘籍的总纲。它对图层混合模式的讲解也别具一格，不再是简单地描述“正片叠底”是变暗，而是结合了色彩学中的光线叠加原理，让我瞬间理解了不同模式在特定场景下的应用目的，而不是盲目试错。这种系统性、理论与实践深度结合的叙事方式，绝对是市面上同类书籍难以匹及的亮点。

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这本书的深度和广度，让我开始重新审视自己对“创意”的理解。它绝对不是那种只教你如何让照片看起来“更漂亮”的速成指南。在讲解一些高级合成场景时，作者展现了惊人的想象力和严谨的逻辑性。我印象非常深刻的是其中关于“景深模拟”的那一节，它没有使用简单的背景虚化工具，而是深入探讨了镜头的光学特性，比如焦外成像（Bokeh）的形状是如何由光圈叶片决定的，以及如何通过调整高光细节来模拟不同品牌镜头的成像风格。这种将摄影物理学和后期软件技术完美融合的论述，简直是为我打开了一扇新的大门。它鼓励读者跳出软件的限制，用更接近物理世界的眼光去看待数字图像的构建。此外，书中对非破坏性编辑理念的贯彻也做到了极致。每一个复杂的调整，作者都会展示如何使用智能对象、蒙版和历史记录画笔，确保原始素材的绝对安全，这对于任何追求专业标准的工作者来说，都是至关重要的职业素养的体现。这种对“可逆性”和“弹性修改”的坚持，让我在实践中充满了信心，不再害怕对文件进行大刀阔斧的修改。

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说实话，我是一个对“流程化”有偏执要求的人，如果一个教程给出的步骤是零散的、互相独立的，我很难将其内化为自己的技能树。这本书最让我感到震撼的，是它构建的那一套完整的“项目驱动型”工作流。它没有按照工具的字母顺序来组织章节，而是围绕几个极具代表性的商业修图需求——比如时尚大片的精修、老照片的修复与上色、以及超现实主义的视觉创作——来组织内容。阅读这些章节时，我感觉自己就像是跟着一位经验丰富的首席修图师在旁边观摩实战。作者非常巧妙地将那些看似孤立的工具和技巧（比如液化、污点修复画笔、高反差保留等）无缝地串联起来，形成了一个高效且可复用的流程模板。举个例子，在处理人物皮肤的章节，作者并没有简单地介绍磨皮插件，而是构建了一个从“基础清洁”到“纹理保留”再到“肤色均匀化”的三层递进体系，每一步都清晰地标注了其对最终视觉效果的贡献度。这种结构性的引导，极大地提升了我的工作效率，因为我现在不是在想“我该用哪个工具”，而是在想“我的流程中，下一步该解决什么问题”。这种对“系统构建”的重视，是其他很多侧重于单个技巧展示的书籍所不具备的。

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这本书的排版和配图简直是艺术品级别的享受！我特别留意了那些案例的展示方式，它们的设计感和逻辑流程，完全颠覆了我对技术书籍的刻板印象。很多技术教程为了追求信息密度，恨不得把屏幕塞满密密麻麻的文字和截图，结果看得人眼花缭乱，重点全无。但这本书的处理方式非常克制且高级。它在讲解一个复杂修饰技巧时，会用一系列极简的、高对比度的步骤图来引导，每一步的截图都精准地框选了关键的操作区域，并且辅以非常精炼的文字说明，几乎没有一句废话。更让我惊喜的是，它在涉及到高端合成技术时，所使用的“环境光照重建”部分。那部分内容远超我预期的深度，它不仅仅教你如何抠图，更是教你如何“重建”一个场景的光影环境，比如如何模拟来自窗户的散射光，或者如何处理物体边缘在不同光源下的固有反光。这种对细节的极致追求，让我感觉自己不是在学习软件操作，而是在进行一场光影的雕塑练习。特别是关于“锐化”那一章节的论述，它没有推荐任何单一的锐化滤镜，而是根据不同的介质（印刷品、网页、大尺寸输出）提出了不同的“锐化路径规划”，这显示出作者深厚的专业功底和对成品质量的苛刻要求。

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