素描头像②

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出版者:
作者:
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页数:30
译者:
出版时间:2004-12
价格:15.00元
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isbn号码:9787539813394
丛书系列:
图书标签:
  • 素描
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  • 绘画
  • 艺术
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具体描述

素描头像的学习在整个素描的学习中占有十分重要的地位,头像训练是人物素描写生的重要课题之一。了解熟悉人物头部比例结构、形象特征,画好素描头像,是每一个学习素描的学生所必须经历的。因为人物的精神面貌、形象特征主要集中的头部,所以我们学习素描头像的重要性是十分明显的。学习素描头像除了要注意对象的轮子廓、明暗调子、比例、透视、线条、体积、空间以及质感等素描基础概念外,还要熟悉掌握影响头部外形特征的头部解剖知识,以及头部五官的基本比例关系。这些都是初学者系统掌握头像的基本和形体表达的重要知识。明暗画法,以线为主的画法及线面结合画法是刻画素描头像最常用的手法,其中明暗画法用途最广,一般学生在素描头像写生的过程中多使用这种画法。明暗法是借用光影所形成的不同的明暗层次和虚实变化来塑造和表现对象,初学者也比较容易掌握和理解这种方法,同时也很容易出效果。而以线为主画法较少考虑光影,更注意结构及形体转折线的表达,所有线条有轻重虚实、粗细变化,它不同于中国画的线描画法,而有点像造型设计里的结构素描。线面结合画法是一种综合明暗与线的一种画法,速写中常用这种画法。本书主要是针对学生素描头像训练,分不同的课题进行,包括女青年3/4侧面像、男青年正面像、女青年侧面像和老年女性侧面像四个部分。每一内容包括头像知识讲解,以及画法步骤讲解和优秀作品讲评,力争做到内容详实,有很强的指导性,尽可能地给学生以帮助。

《光影塑形:大师经典肖像技法解析》 一、本书概述与定位 《光影塑形:大师经典肖像技法解析》是一部深度聚焦于西方古典与现代肖像画大师的创作理念、技术演变与经典作品赏析的专业艺术理论书籍。本书旨在为绘画学习者、艺术史研究者以及所有热爱人像艺术的读者,提供一个全面而深入的视角,去理解“如何用光影塑造灵魂的轮廓”。 本书的焦点并非单一的素描练习或基础技法演示,而是着眼于“理解”——理解大师们如何通过对光线、结构、色彩(或黑白灰的层次感)的精妙把握,将二维平面上的颜料或炭笔转化为具有三维体积感和内在生命力的个体形象。 二、核心章节结构与内容详述 本书共分为六大部分,循序渐进地构建起一个完整的“肖像认知框架”: 第一部分:视觉的解码——从文艺复兴到巴洛克的结构觉醒 本部分追溯了西方肖像画的源头,重点解析了文艺复兴时期对人体解剖学和透视学的科学应用,以及巴洛克时期戏剧性光影(明暗对比法)的诞生与成熟。 达·芬奇的“晕染法”与内在心理描绘: 详细分析《蒙娜丽莎》中对空气透视的运用,以及如何通过模糊的边缘来捕捉转瞬即逝的表情。本书将重点剖析其对手部和颈部骨骼结构的精准理解如何支撑起微妙的微笑。 卡拉瓦乔的“聚焦光束”: 深入探讨卡拉瓦乔如何利用极端对比(Tenebrism)来制造视觉冲击力,这种光线处理如何服务于叙事性和宗教情感的表达。不同于基础素描中的均匀布光,本书将分析其“非自然光”的舞台性效果。 伦勃朗的“精神之光”: 这一章将成为本书的基石之一。我们不再仅仅讨论“阴影”是什么,而是讨论“伦勃朗的阴影”——如何让光线仿佛从人物的内心深处自然散发出来。书中将以他的自画像系列为例,分析他如何通过不同层次的笔触和对皮肤老化纹理的捕捉,展现时间对灵魂的雕刻。 第二部分:古典学院派的规范与突破 本部分转向18世纪至19世纪,探讨以安格尔、大卫为代表的学院派对“完美形体”的追求,以及浪漫主义对“情绪化线条”的解放。 安格尔的“线条至上”与形体纯净性: 分析学院派如何将解剖学知识提升到近乎抽象的完美地步。书中将展示其作品中如何通过精准的轮廓线来界定体积,而非仅仅依赖阴影的过渡。 戈雅的社会观察与心理阴影: 戈雅的肖像画是连接古典与现代的桥梁。本书将分析他如何利用简化的背景和夸张的面部表情,揭示宫廷人物的腐朽或普通人的痛苦,其光影处理更具讽刺和批判意味。 第三部分:印象派与后印象派对“瞬间”的捕捉 古典肖像追求永恒,而现代肖像则追求“此刻”。本部分专注于光线被分解、色彩被重新定义的时代。 马奈与德加:打破工作室的束缚: 探讨外光对肖像画的影响。书中会对比传统工作室布光与自然光下人物肤色(而非仅仅是明暗)的变化,如何通过对高光的处理,表现面部皮肤在特定环境下的质感。 塞尚的形体几何化重构: 介绍塞尚如何将人物面部视为由圆柱体、球体等基本几何形体构成的集合体。这不是关于如何画出准确的结构,而是关于“如何用色彩块面来构建和稳定体积”。 梵高的笔触能量: 分析梵高如何用强烈的、方向明确的笔触代替了平滑的过渡,这些笔触本身成为了光影和情绪的载体。 第四部分:20世纪的解构与重塑 随着摄影术的普及,肖像画摆脱了单纯记录形象的责任,转向探索更深层的存在主义问题。 立体主义的“多重视角”: 重点解析毕加索如何将人物的面部特征(如鼻子、眼睛)在二维平面上进行拆解和重组,从而在同一时间点呈现人物的不同侧面。这要求读者从根本上理解“面部结构”的非线性认知。 弗洛伊德的内在挤压: 深入探讨卢西安·弗洛伊德(Lucian Freud)对皮肤、脂肪、肌肉层面的“残酷”描绘。本书会详细分析他如何通过厚重的颜料堆积和扭曲的结构,来表现人物内在的紧张感和身体的重量。 第五部分:光影的“非物质化”处理——现代大师的抽象表达 本部分超越了传统意义上的“像不像”,关注如何用最少的元素来暗示最丰富的内容。 培根的“肉体的容器”: 分析培根如何使用强烈的、非写实的色彩和模糊化的轮廓,将人物置于不稳定的空间中,光线成为分割人物与背景的锋利刀刃。 抽象表现主义中的“自性肖像”: 探讨一些艺术家如何用色彩的爆发或线条的宣泄来表达“自我”的概念,这不再是面孔的描绘,而是能量场的捕捉。 第六部分:大师技法的现代应用与转化 本书的结论部分,将理论回归实践,但焦点依然是“理解”而非“模仿”。 从古典到数码的媒介转换: 讨论在现代绘画软件中,如何通过图层混合模式(如叠加、柔光)来模拟伦勃朗或卡拉瓦乔的特殊光影效果,强调核心是理解“光线的作用”,而非工具的属性。 结构与精神的平衡: 总结如何将严谨的解剖学知识(素描的基础)与对人物精神状态的敏锐洞察相结合,最终完成一部具有生命力的肖像作品。 三、本书特色 1. 深度图解分析: 书中每一位大师的作品都配有“光影节点放大图”,精确标注出高光、亮面、灰面、明暗交界线、反光和阴影的定义点,并与作品的实际笔触进行对照解析。 2. 技术史观: 本书不孤立地看待每一位画家,而是将其置于技术与思潮的演变链条中,让读者理解为什么伦勃朗的光影比卡拉瓦乔更内敛,以及为什么塞尚需要几何形体来稳定画面。 3. 超越基础描绘: 本书假设读者已经掌握了基础的明暗关系和结构透视,其核心价值在于阐释“大师如何运用这些基础去传达复杂的人文信息”,即从“画得像”到“画得有灵魂”的跨越。 目标读者: 艺术院校高年级学生、专业画师、艺术史爱好者、有志于深入研究人像艺术的自学者。 总结: 《光影塑形》是一份关于“看见”与“表达”的艺术地图,它引导读者穿梭于数百年的人像艺术长河中,解析那些不朽面孔背后的光与影的秘密语言。

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读后感

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用户评价

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坦白讲,我购买这本书的初衷,是想找一本能快速提高我“出片率”的速成指南。然而,这本书带给我的远不止是快餐式的技巧,而是一种更深层次的审美训练。它在讲解头部比例时,没有停留在传统的“三庭五眼”的简单套用,而是强调了“动态比例”和“主观调整”的重要性。作者反复强调,所有的规则都是为了更好地打破,画面要有生命力,就不能被刻板的公式所束缚。书中大量对比展示了不同大师对同一题材的不同处理方式,这让我开始思考,为什么有的画作能流传百世,而有的只能停留在“完成度很高”的层面。这种从技术层面上升到艺术哲学层面的引导,是我在其他技法书里很少看到的。它鼓励读者去建立自己的审美体系,而不是盲目模仿书中的范画。读完之后,我感觉自己的目光都变得更加挑剔和敏锐了,学会了如何在构图和神态中去追求一种更高维度的“和谐统一”。

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这本厚厚的画册,简直就是我案头上的“技术手册”,而不是那种翻两页就束之高阁的速朽读物。它的实用性高得惊人,尤其是在处理复杂面部特征这一块,简直是“核武器”级别的存在。我之前最头疼的就是眼睛和耳朵的刻画,总是画得呆板或者比例失调。这本书针对这两个“难点”,分别用了好几章的篇幅进行专项突破。关于眼睛,它不仅讲了眼球的球体结构,还详细分解了眼睑的起伏、卧蚕的微妙变化以及睫毛的生长方向与密度。而耳朵的部分,更是令人拍案叫绝,它把复杂的耳廓结构拆解成了几个基本的几何体,让一个看起来杂乱无章的结构变得逻辑清晰、易于理解和记忆。我试着按照书中的步骤重新画了一遍我自己的耳朵(是的,我对着镜子练),那种豁然开朗的感觉,简直比我多画一百张练习稿都要管用。这本书的价值,在于它能将那些看似玄妙的绘画技巧,转化为一套可操作、可复制的工程步骤。

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哎呀,说实话,我原本对这种“老生常谈”的素描书籍兴趣不大,总觉得无非又是那些陈旧的透视和比例口诀。但是,当我深入阅读这本《素描头像②》后,我才发现自己错得离谱。这本书最妙的地方在于它的“人文关怀”,它不仅仅在教你“怎么画”,更在教你“怎么看”。作者对于不同年龄段、不同性别面部骨骼结构和软组织差异的剖析,简直是生物学和美学的完美结合。比如,书中对老年人皱纹走向的分析,不是简单地画出几条线,而是深入探讨了这些皱纹是如何随着肌肉运动和岁月沉淀形成的,这极大地丰富了我对人物表现力的理解。我以前画人像总觉得脸是“僵硬的”一块整体,但读完这几章后,我开始尝试把脸部看作是一个由多个可独立表现的块面和结构组成的复杂系统。书中使用的示范作品风格也十分多样,有偏向学院派的严谨,也有一些带着表现主义色彩的洒脱线条,这拓宽了我对素描表现手法的认知边界,让我不再拘泥于一种固定的画法。

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这本书的装帧和内容排版,体现了出版方对艺术书籍的尊重。纸张厚实,即使用铅笔多次涂抹或用橡皮擦拭,也不会有损坏的担忧。但真正让我印象深刻的,是它对“细节的迭代处理”的详尽描述。很多教材只展示了“完成图”和“草稿”,中间的过渡过程是一笔带过。而这本书,简直是把素描的每一步都进行了“显微镜式”的展示。比如,在塑造鼻子时,它会用三张相邻的插图分别展示“初步定型”、“中间调铺设”和“细节提炼”三个阶段,每一阶段的用笔力度、排线方向,甚至是铅笔的侧锋还是笔尖,都交代得清清楚楚。这对于那些习惯于“一笔到位”或者“反复涂抹”的学习者来说,简直是福音。它教会了我们如何在不同的阶段专注于不同的任务,避免了互相干扰,使得整个作画过程变得有条不紊,效率大大提高。这本书,与其说是教你画画,不如说是帮你建立了一套高效的“视觉生产流程”。

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这部关于素描头像的画册,简直是艺术学习者的福音!我得说,初拿到这本书时,我心里还有点忐忑,毕竟市面上的绘画教程汗牛充栋,真正能让人有醍醐灌顶之感的凤毛麟角。但翻开扉页,那精美的印刷质量和清晰的线条图,立刻就打消了我的疑虑。这本书的编排逻辑非常清晰,它不像有些教程那样上来就堆砌复杂的理论,而是循序渐进地引导读者进入素描的世界。最让我惊喜的是,它对光影的讲解,简直是教科书级别的细腻。作者似乎对光线如何在三维空间中塑造形体有着深刻的洞察,通过大量的实例对比,我终于明白了为什么同一个五官在不同光照下会呈现出截然不同的效果。那些关于明暗交界线、反光和高光的处理技巧,细致到令人发指,真正做到了“授人以渔”。我已经迫不及待地想拿起铅笔,按照书中的步骤,重新审视我过去画的那些头像,相信这本书能把我从“画形似”的初级阶段,带入到“画神韵”的更高境界。对于任何想要在人物素描上寻求突破的朋友来说,这绝对是一本值得收藏和反复研读的宝典。

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