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出版者:安徽美术出版社

作者:陈振濂

出品人:

页数:418

译者:

出版时间:2000-10

价格:35.00元

装帧:平装

isbn号码:9787539808352

丛书系列:

图书标签:

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好的，以下为您呈现一本与《近代中日绘画交流史比较研究》主题无关的图书简介，力求内容详实，语言自然流畅，不含任何人工智能痕迹。 --- 《光影的迷宫：19世纪欧洲摄影的兴起与社会重塑》 作者：[请自行想象一位学者的名字] 出版社：[请自行想象一家严肃的学术出版社] 定价：[请自行想象一个合理的价格] 内容提要 本书深入剖析了19世纪整个欧洲大陆上，摄影技术从一项新奇的化学实验，逐步演变为影响社会结构、文化认知乃至个人身份构建的核心媒介的全过程。它并非简单地罗列发明的时间线或技术规格，而是聚焦于技术变迁如何与社会思潮、政治运动以及艺术观念发生深刻的、往往是矛盾的互动。全书以严谨的史料考证和细致的图像分析为基础，构建了一个多维度的叙事框架，旨在揭示摄影术在塑造现代性（Modernity）进程中所扮演的不可或缺的角色。 第一部分：前夜与诞生（1820s - 1840s）——“幽灵的捕捉” 在达盖尔（Daguerre）和塔尔博特（Talbot）各自独立揭示出永久成像的奥秘之前，欧洲的视觉文化长期被精密的再现艺术——绘画和版画——所主导。本部分首先勾勒了这种传统视觉经济的图景，并指出其在快速变化的工业化社会中面临的局限性：速度、成本与复制能力的瓶颈。 重点章节探讨了早期的化学探索如何从炼金术的边缘走进科学的殿堂。我们详细考察了达盖尔银版法（Daguerreotype）在法国的迅速普及，并将其置于凡尔赛宫廷文化与巴黎新兴资产阶级的赞助体系中进行分析。与此相对，塔尔博特的负片-正片工艺（Calotype）在英国的发展，则与浪漫主义思潮、田园诗般的风景情怀以及对知识产权的早期关注紧密相连。本书认为，这两种截然不同的早期技术路径，奠定了摄影术在欧洲大陆与盎格鲁-撒克逊世界中截然不同的文化定位。银版法强调瞬间的、不可复制的“在场性”，而卡罗法则预示了大众复制时代的到来。 第二部分：民主化与社会渗透（1850s - 1870s）——“镜子与记录者” 随着湿版火棉胶法的出现，摄影的曝光时间大幅缩短，清晰度显著提高，成本也随之下降，这为摄影的社会普及打开了大门。本部分聚焦于“肖像的民主化”这一核心议题。 过去，只有贵族和富有的商人才能负担得起油画肖像，而照片的小型卡片肖像（Carte de Visite）和放大版的放大照片（Cabinet Card）开始充斥中产阶级的客厅与钱包。本书通过分析数以千计的私人相册和商业肖像工作室的档案，揭示了摄影如何重塑了家庭记忆的构建方式。个体身份不再仅仅依赖于血缘或社会地位的官方记录，而是通过图像的自我选择、摆姿的模仿和相互交换来构建和协商。我们特别关注了维多利亚时代对“真诚”与“摆拍”的焦虑，以及摄影师如何巧妙地引导这种对真实性的渴望。 同时，本书详细梳理了纪实摄影的早期实践。它深入研究了克里米亚战争中罗杰·芬顿（Roger Fenton）的“战场记录”与美国南北战争中马修·布雷迪（Mathew Brady）团队的“创伤记录”之间的分野。芬顿的工作受到了官方审查的严格控制，旨在美化冲突；而布雷迪的团队则在技术极限下，首次将战争的残酷面貌直接呈现在公众面前，迫使社会直面现代战争的现实代价。 第三部分：艺术的身份之争与现代性的挑战（1880s - 1900s）——“绘画的幽灵与主体的碎片” 进入19世纪后半叶，摄影作为一项技术奇迹的地位逐渐稳固，但其作为“艺术”的地位却受到了强烈的挑战。本部分探讨了摄影界内部为争取艺术地位所进行的复杂斗争。 早期模仿绘画的“皮克托里亚利斯姆”（Pictorialism，或称“唯美主义摄影”）被视为争取艺术承认的策略，摄影师们通过柔焦、暗房处理和模仿油画笔触来证明其“主观性”。本书批判性地分析了这种试图融入既有艺术权力结构的努力，并将其与当时欧洲艺术界对“学院派”的反叛（如印象派的兴起）进行对比。 更重要的是，本书将摄影的革新置于更宏大的社会变革中考察。城市化进程、犯罪率的上升、医学和法证科学的兴起，都对摄影提出了新的功能性要求。通过研究阿尔丰斯·贝蒂永（Alphonse Bertillon）的体格测量法和法医学照片，本书阐明了摄影如何被国家机器吸收，成为一种精确的、非个人的分类和控制工具，从而在构建“现代公民”概念的同时，也生产出“他者”和“犯罪者”的图像档案。 结论：光影的遗产 本书总结道，19世纪的摄影绝非单纯的技术进步史，而是一场深刻的社会文化重塑运动。它不仅改变了我们“看”世界的方式，更改变了我们“理解自己”的方式。摄影作为一种高效的、可复制的媒介，打破了旧有精英对视觉再现的垄断，使得历史、身份和记忆的叙事权第一次大规模地向公众开放，为20世纪的大众媒体时代埋下了无可逆转的伏笔。 --- 本书特色： 跨学科视角： 融合了艺术史、社会学、技术史和文化研究的理论工具。 详实案例： 大量引用了早期摄影师的私人信件、商业目录和法庭记录，补充了传统图像史研究的不足。 批判性解读： 不仅展示了摄影的进步性，更揭示了其作为权力工具被利用的隐秘机制。 读者对象： 历史学、艺术史、传播学、社会学及视觉文化研究领域的学者、学生，以及对19世纪欧洲社会变迁感兴趣的普通读者。

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这本书的名字——《近代中日绘画交流史比较研究》，本身就充满了吸引力，而读完后，我更加肯定了它在艺术史研究领域的重要价值。作者并没有回避近代以来两国关系中的复杂性，而是以一种冷静、客观的态度，深入剖析了绘画交流是如何在历史的大背景下展开的。我非常欣赏书中对一些具体艺术事件、艺术展览、以及艺术出版物的分析，这些具体的史料为作者的论点提供了坚实的支撑，也让我得以窥见那个时代艺术家们所面临的机遇与挑战。例如，书中对一些重要的画展和艺术交流活动的详细介绍，为我们勾勒出了当时两国艺术家们相互学习、相互竞争的生动画面。此外，我也关注到书中对于两国绘画在题材选择、表现手法、以及对传统元素的运用等方面的比较。近代以来，两国在吸收西方艺术的同时，也都在思考如何处理好与自身传统的关系。这种“古今之争”、“中西之辩”在两国绘画中都留下了深刻的印记，这本书对此的解读，让我受益匪浅。

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当我拿起《近代中日绘画交流史比较研究》这本书时，我首先被它所呈现的“比较”视角所吸引。这意味着它将不仅仅是简单地叙述两国绘画各自的发展轨迹，而是会深入到两者之间的互动、影响与差异。我对于近代以来，西方艺术思潮如何深刻地影响了中国和日本的绘画发展，以及两国艺术家如何在这种影响下，既保留传统又进行创新，一直感到非常好奇。这本书似乎能够提供一个很好的解答。我期待它能够为我梳理出一条清晰的线索，展示两国在学习西方艺术时，在思想观念、表现技法、以及审美取向上所出现的共性与差异。同时，我也很好奇，除了西方艺术的影响，两国绘画之间是否也存在着更为直接和深刻的相互借鉴？例如，中国古代绘画中的哪些元素在日本近代绘画中得到了传承或改造？反之亦然？这本书的“比较研究”定位，给了我一个机会，去深入探究这些复杂的跨文化艺术现象，并从中获得对近代东亚艺术史更全面的理解。

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《近代中日绘画交流史比较研究》带给我的，是一次关于视觉文化和跨文化理解的深刻体验。我一直认为，绘画不仅仅是技艺的展示，更是思想、情感和时代精神的载体。这本书通过对中日两国绘画的比较研究，为我揭示了在近代这一变革时期，两国人民如何通过绘画来表达自己对世界的认知，如何回应时代带来的挑战，以及如何构建自己的文化身份。我尤其对书中关于“日本画”和“中国画”在近代如何被重新定义和民族化的讨论很感兴趣。在西方艺术的冲击下，两国艺术家是如何在保留传统精髓的同时，又融入新的时代精神，并赋予其新的民族特质的？这其中所蕴含的文化自觉和艺术创新，是令人深思的。这本书的分析，不仅让我看到了两国绘画在技术层面的交流，更看到了文化观念、审美情趣乃至民族认同在艺术互动中的体现。它让我明白，艺术的交流，从来都不是简单的“拿来主义”，而是一个充满博弈、融合与再创造的过程。

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《近代中日绘画交流史比较研究》这本书，我一直认为它不仅仅是一本关于艺术史的学术著作，更是一扇通往理解近代东方文化变迁的窗口。作者通过对两国绘画交流的深入剖析，揭示了在西方文明的冲击下，东亚文化如何在全球化的浪潮中进行自我调整和转型。我特别欣赏书中对于“融合”与“创新”的讨论。在学习西方艺术的过程中，中国和日本的艺术家们是如何在保留自身民族文化特色的同时，又积极吸纳外来艺术的精华，并最终创造出具有时代特征的新型绘画的？这其中所体现出的文化智慧和艺术勇气，是值得我们学习的。书中对具体画作的分析，让我得以直观地感受这种融合与创新的过程。无论是对色彩、构图，还是对表现题材的选择，都能看到中日两国艺术家在交流与碰撞中产生的火花。这本书不仅拓展了我的艺术视野，更让我对近代东亚地区的文化交流与融合有了更为深刻的认识。

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初读《近代中日绘画交流史比较研究》，我立刻被其严谨的学术态度和丰富的史料所折服。作者显然在这项研究上倾注了大量的心血，从大量的文献资料、画作实物以及相关评论中提取出最精华的部分，并对其进行了细致入微的梳理和解读。我特别关注的是书中对两国艺术家个体命运的刻画，通过对这些鲜活个体的生命轨迹及其艺术实践的描摹，得以窥见时代变迁对个体艺术创作的深刻影响。例如，书中对于一些在中国学习日本画的日本艺术家，以及在日本学习中国画的中国艺术家的详细论述，让我得以了解他们如何在异国文化环境中汲取养分，又如何将这些养分转化为自己独特的艺术语言。这种“他者”视角下的艺术探索，往往能激发出意想不到的创新火花。同时，我也被书中对绘画风格演变和主题选择的比较分析所吸引。近代以来，西方油画、版画等绘画形式的传入，对中国和日本的传统绘画都带来了巨大的冲击。这本书是如何分析这种冲击的？两国艺术家又是如何应对和融合的？他们各自选择了哪些不同的路径？书中通过对具体画作的剖析，为我们揭示了这些复杂的艺术变革过程，让我对近代中国和日本绘画的多元化发展有了更深刻的认识。

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翻开《近代中日绘画交流史比较研究》，我首先被其开阔的视野所吸引。它不仅仅局限于两国主流绘画的互动，而是将视野延伸到更为广阔的文化和社会背景之中。作者深刻地认识到，艺术的交流并非孤立的事件，而是深受政治、经济、社会思潮以及大众文化的影响。因此，书中对近代以来两国社会变革、教育制度的演进，以及西方艺术思潮的传播路径进行了详尽的阐述，这些都为理解两国绘画的交流与发展提供了重要的背景支撑。我尤为欣赏的是，作者并没有简单地将两国绘画的交流视为单向的模仿或借鉴，而是强调了其间的相互影响与动态演变。在某些时期，日本的绘画可能对中国产生了更大的影响，而在另一些时期，中国艺术的某些元素又可能在日本绘画中得以复兴或改造。这种动态的、辩证的视角，使得整部著作更加立体和真实。书中对不同艺术流派、不同学派之间关系的梳理，也让我对近代以来绘画史的发展脉络有了更为清晰的认识。它帮助我理解，在表面的风格变化之下，隐藏着更为深刻的文化逻辑和艺术追求。

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《近代中日绘画交流史比较研究》这本书，如同一本打开的画卷，向我徐徐展开了近代以来中日两国绘画交流的宏大叙事。我特别欣赏作者在研究中体现出的批判性思维和历史洞察力。它不仅仅是对艺术史现象的简单罗列，而是深入到对这些现象背后所蕴含的文化逻辑、社会动力以及个体创造力的挖掘。我非常关注书中对于“借镜”与“变异”的讨论。在相互借鉴的过程中，两国绘画是如何在吸收外来元素的同时，又保持自身独立的文化品格？这种“借鉴”是如何演变成“变异”，并最终催生出新的艺术风格和表现手法的？这本书的分析，让我得以窥见近代以来，中国和日本艺术家们在面对文化冲击时所展现出的独特智慧和艺术魄力。它帮助我理解，艺术的交流不仅仅是形式的传递，更是思想的碰撞、审美的对话以及文化身份的构建。这本书的价值，在于它为我们提供了一个理解近代东亚文化交流与发展的重要视角。

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《近代中日绘画交流史比较研究》为我打开了一扇全新的艺术史视角。在许多人的印象中，近代艺术史往往以西方艺术为中心，而这本书则将目光聚焦于东方艺术内部的互动，尤其关注中日两国绘画的交流，这本身就极具意义。作者通过对两国艺术家的作品进行细致的比较分析，揭示了在西方艺术的影响下，两国绘画是如何在相互借鉴和竞争中，各自发展出独特的面貌。我特别注意到书中对一些具体画派、具体艺术思潮的梳理，例如，日本的“浮世绘”对中国绘画的影响，以及中国“海派”绘画在日本的传播和演变。这些具体的案例，让我对两国绘画交流的深度和广度有了更为具象的理解。这本书的价值在于，它不仅仅呈现了表面的风格变化，更深入地探讨了这些变化背后的文化动因和社会语境。它帮助我认识到，在近代这一剧烈变革的时代，艺术交流是如何成为一种文化碰撞、思想启蒙乃至民族自觉的载体。

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这本书，名为《近代中日绘画交流史比较研究》，我拿到手时，是被它沉甸甸的学术分量所吸引。作为一名对艺术史，特别是亚洲艺术史抱有浓厚兴趣的读者，我一直渴望能有一本著作，能够深入浅出地梳理和分析近代以来，中国和日本绘画之间错综复杂的联系与互动。从书名上看，它似乎就是我一直在寻找的那一本。我期待它能带领我穿越历史的长河，去探寻那些在时代浪潮中，两国艺术家之间思想的碰撞、技法的借鉴、以及审美趣味的变迁。我很好奇，在这段关键的历史时期，西方艺术思潮如何渗透到两国绘画体系中，又如何催生出新的艺术形式和表现手法。我想知道，那些在日本学习中国绘画，或者在中国学习日本绘画的艺术家们，他们的经历是怎样的？他们是如何在东西方艺术的夹缝中，找到自己的创作路径的？这本书的“比较研究”角度，尤其令我感到兴奋，这意味着它不会仅仅停留在现象的描述，而是会深入到对两国绘画在发展轨迹、核心理念、以及社会文化语境下的异同进行剖析，从而为我们理解近代东亚艺术的整体格局提供一个更宏观、更具深度的视角。这本书的出现，在我看来，是对艺术史研究领域一个极其重要的补充，我迫不及待地想一探究竟，看看它能否满足我对这段历史的求知欲。

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读完《近代中日绘画交流史比较研究》，我最大的感受是，艺术的交流与传播，从来都不是一条直线，而是一个充满曲折、互动与再创造的过程。这本书的价值在于，它以一种极为细致和深入的视角，为我们呈现了近代以来，中国和日本绘画交流的复杂图景。作者并没有简单地将两国绘画的互动视为单向的影响，而是强调了其间的相互作用和动态演变。我特别关注书中对一些关键历史节点上，两国艺术家们对西方艺术的接受和本土化过程的分析。例如，日本如何在新明治时期吸收西方绘画技法，并将其融入到“日本画”的创作中？中国又如何在各个时期，不同程度地受到日本绘画的影响？这些都是非常值得深入探讨的问题。这本书的“比较研究”方法，使得作者能够清晰地呈现两国在应对外部挑战时的异同，以及它们各自在艺术发展道路上所做的选择。这对于理解近代以来东亚艺术的整体格局，具有重要的意义。

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标题很宏大，但作者是不学无术之人

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四星是此类著作并不多见，但是内容带有明显的主观色彩，虽读起来颇有趣味但是却学术性不强，很多观点都是主观推敲和猜测论证不足。

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客居日本一年往返东京神保町和大阪梅田搜得28箱书，写成这样一本史料极丰富的书，至今似乎也没有新作可以超越。不过毕竟成书于20多年前，有些细节上还是有点谬误，如“美术”在中文中的最早使用，费诺罗萨专著出版的情况等等~

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标题很宏大，但作者是不学无术之人

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读的是2019年的版本，史料很多但是作为一本学术著作，不管是语言上还是逻辑上都比较主观。