嶺南派畫法2 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:藝術圖書

作者:盧清遠

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1990年01月23日

价格:NT$ 480

装帧:

isbn号码:9789579045063

丛书系列:

图书标签:

• 岭南画派
• 中国画
• 绘画技法
• 艺术
• 美术
• 岭南风格
• 传统绘画
• 绘画教学
• 艺术史
• 广东画派

岭南画派的传承与创新：从历史脉络到当代实践 本书精选自二十世纪以来岭南画派历代大家及中坚力量的精品力作，以全新的视角和严谨的学术梳理，深度剖析了岭南画派“折衷中外，融汇古今”的核心精神及其在中国近现代美术史上的独特地位。本书旨在为读者构建一个全面、立体、深入的岭南画派知识体系，涵盖其艺术思想的演变、技法革新的实践，以及对当代艺术语境的回应与影响。 第一部分：溯源与奠基——岭南画派的“折衷”之道 岭南画派，作为中国近现代美术史上最具影响力的画派之一，其独特的艺术道路与岭南地区开放包容的地域文化密不可分。本书首先追溯了其孕育的社会文化土壤——晚清民初的社会变革与中西文化碰撞的大背景。 一、康有为与“折衷”思想的理论基石 本书详细探讨了康有为《广艺舟双楫》中所倡导的“折衷”理论，如何成为岭南画派的思想先声。不同于传统文人画的纯粹内敛，康有为倡导吸收西方写实精神，以“写真”入画，为岭南画派的革新提供了理论武器。书中不仅分析了康氏理论对早期岭南画家的影响，更辨析了其与当时其他画派（如海派、京津画派）在“折衷”理解上的细微差异，突显了岭南体系的独特性。 二、岭南三大家：革新的先锋 重点聚焦于奠基人——“岭南三大家”：高剑父、陈树人、何剑士。 1. 高剑父：融合的探索者。 深入解析高剑父早年东渡日本学习日本“新画”的经历，以及他如何将其引入岭南画风。书中通过对其代表作的细致品读，剖析其如何将日本画的晕染、赋色技巧与中国传统水墨相结合，创造出“新国画”的雏形。特别关注其在花鸟画中对光影的运用，以及在山水画中对现代构图的尝试。 2. 陈树人：文人精神的回归与拓展。 考察陈树人将传统国画的笔墨趣味与写生观察相结合的实践。与高剑父偏向“西化”不同，陈树人更注重在传统基础上进行“提炼”，尤其在其描绘南国风光与人物题材时，所展现出的温润细腻的笔触和深厚的文化底蕴。 3. 何剑士：扎根传统，寄托乡愁。 分析何剑士如何继承晚清画风，尤其擅长描绘岭南特有的题材，如雄狮猛虎、荔枝菠萝等。其作品在气势与细节之间找到了完美的平衡点，是岭南画派中保持传统文脉强度的重要代表。 第二部分：技法之变——岭南画派的“活的传统” 岭南画派最引人注目的成就之一，在于其对传统笔墨的颠覆与重塑。本书将笔墨技术视为其艺术哲学的物化表现，进行深入剖析。 一、水墨的革命：晕染与泼洒 本书详细拆解了岭南画家如何运用“水”的语言。他们大量借鉴了日本画的渲染技法，尤其是在表现花卉的晶莹剔透和山石的湿润感时，突破了传统国画中以线条勾勒为主的范式。 “半边着色法”与“撞色法”： 分析了画家如何通过控制水分和色料的比例，实现色彩之间的自然过渡与碰撞，产生传统拓印或套色难以企及的层次感和厚重感。 对西画光影的吸收： 探讨了画家如何通过墨色的深浅变化和干湿对比，在二维平面上创造出近似于西画中“明暗法”的光感，尤其体现在对飞禽走兽眼睛和叶脉的处理上。 二、题材的拓宽：写生精神的回归 岭南画派强调“写真”而非“摹古”，写生不再仅仅是记录物象，更是画家观察自然、体悟生命的过程。本书展示了画家们如何深入生活，将南国四季的独特风貌——无论是亚热带的繁茂植物，还是香港、澳门的都市景观，都纳入创作视野。这种对“当下生活”的关注，极大地拓宽了国画的表现领域。 第三部分：传承与发展——战后至当代的力量 在岭南三大家之后，画派经历了几代人的发展，不断吸收新知，保持活力。本书着重介绍了几位在不同时期对画派发展产生深远影响的关键人物及其贡献。 一、承先启后的中坚力量 重点分析了在香港、广州、澳门三地形成的三大分支的艺术特征。例如，探讨了部分画家如何将传统水墨的笔法与现代构图相结合，使作品更具现代雕塑感和力量感。分析了他们如何在高压的城市化进程中，通过重拾传统题材（如竹兰梅菊），反思现代性的冲击，表达对故土的深厚情感。 二、当代语境下的再创造 本书的后半部分关注当前活跃的岭南画派中生代及新生代艺术家。他们面对的挑战更为复杂：全球化、数字媒体的冲击，以及对艺术本体论的深刻反思。 笔墨语言的当代转化： 研究当代画家如何运用更抽象、更具表现主义色彩的方式来处理笔墨，使传统的水墨语言能够承载现代人的焦虑与哲思。 媒介的拓展： 观察部分艺术家如何将岭南画法的色彩概念和渲染技巧延伸至装置艺术、影像艺术中，探寻“岭南精神”在多媒介环境下的生命力。 三、学术总结：岭南画派的恒久价值 最终，本书总结了岭南画派对中国美术史的贡献：它成功地证明了中国传统艺术并非封闭的古董，而是具有强大生命力的“活的传统”。它以实际行动解决了“如何在新时代画出中国自己的画”的世纪难题，其“中西融合、古今贯通”的经验，至今仍是中国美术教育与创作领域需要深入借鉴的宝贵财富。 本书配有大量高清彩图和线描稿分析，旨在提供一个既有学术深度，又富于视觉享受的岭南画派研究指南。

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这本书的结构组织严谨得近乎完美，它就像是一张精心绘制的路线图，引导着一个初学者或者想要精进技艺的画家，从最基础的功课一步步攀登到高阶的创作境界。章节的递进逻辑非常清晰，前后的知识点之间有着稳固的支撑和承接关系，没有任何突兀或跳跃感。它没有把所有内容一股脑地堆砌在一起，而是将复杂的技法分解成一个个可以被吸收的小模块，确保读者能够扎实地消化每一步。尤其欣赏它在每一小节末尾设置的“自检清单”或者“练习目标”，这让阅读不再是被动接受，而是变成了主动参与的过程。我发现自己会不自觉地按照书中的建议进行练习，并且能立即感受到进步。这种结构化的学习路径，极大地提升了学习的效率和乐趣，让人有种“跟着这本书走，一定能有所成”的强烈信心。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，纸张的手感非常细腻，印刷的色彩过渡自然而又不失冲击力，看得出装帧者在细节上是下了很大功夫的。我特别喜欢那种略带纹理的封面，拿在手里有一种沉甸甸的质感，仿佛触摸到了某种古老的艺术气息。内页的排版也做得极为考究，字体的选择既保证了阅读的舒适度，又与整体的艺术氛围相得益彰。每一页的留白都恰到好处，使得原本密集的文字和图示在视觉上得到了极大的舒展，让人在翻阅过程中心情愉悦，不会有视觉疲劳感。而且，书脊的装订工艺看起来非常牢固，即便是经常翻阅也不会有松散的担忧，这对于一本需要反复参阅的工具书来说，简直是太重要了。从整体的物理感受上来说，这已经超越了一本普通的画册或技法指南，更像是一件可以收藏的艺术品。这种对实物细节的重视，往往预示着内容本身也应该是经过精心打磨的，让我对即将深入阅读的内容充满了期待和敬意。

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这本书在细节图示和示范作品的呈现上，达到了令人惊叹的专业水准。对于技法展示，作者提供的局部放大图和步骤分解图，清晰度极高，连毛笔运行的轨迹和墨色的浓淡变化都捕捉得淋漓尽致，这些图例的价值甚至超过了冗长的文字说明。我们都知道，传统绘画的精髓往往就在那些一闪而过的、难以捕捉的细节中，而这本书恰恰在这方面做到了极致。更值得称赞的是，书中收录的范例作品风格多样，既有对传统经典的致敬和解析，也有作者本人融合现代审美的创新尝试，这为读者提供了广阔的借鉴空间。这不仅仅是一本关于“如何画”的书，更是一本“可以画什么”的灵感库。通过对这些高质量视觉材料的反复揣摩，我感觉自己的审美阈值也在潜移默化中被提升了。

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我本来对某一类题材的创作一直心存困惑，总觉得自己的作品缺乏一种内在的“精气神”，缺乏那种难以言喻的韵味。然而，翻阅这本书后，那种迷茫感仿佛被一束光照亮了。书中对于“气韵”的探讨，并非是空泛的哲学思辨，而是紧密地结合了具体的绘画步骤和观察角度。它教会我如何去“看”——不仅仅是看物体的形状和颜色，更是要去看它们之间的联系、去感受它们所处的环境和历史的沉淀。其中关于“意在笔先”的论述，让我对创作流程有了全新的认知，明白了构思远比落笔更为重要。作者通过拆解大师的经典作品案例，清晰地展示了如何将抽象的“意境”通过具体的墨法、皴法、留白等技法巧妙地融入画面之中。这种由内而外的修炼方法，真正触及了艺术创作的内核，让我感觉自己不再是单纯地在模仿技巧，而是在学习如何表达自我。

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这本书的文字叙述风格，简直就是一股清流，它完全没有那种高高在上、晦涩难懂的学术腔调，反而是用一种非常亲切、娓娓道来的口吻，将复杂的理论和技巧阐释得清晰明了。作者似乎是一位经验极其丰富、同时又对教学充满热忱的老师，他总能在关键之处插入一些个人经验的总结，这些“过来人”的肺腑之言，比任何教科书式的定义都要来得实在和生动。比如在讲解某个笔触的力度控制时，他会用一个非常形象的比喻来描述那种微妙的平衡感，让我立刻就能在脑海中构建出一个立体的画面。更让我惊喜的是，作者在行文中始终保持着一种开放性的讨论姿态，他不是在灌输唯一的“真理”，而是在引导读者去思考、去探索最适合自己的表现方式。这种启发式的引导，极大地激发了我想要拿起笔亲自尝试的冲动，而不是仅仅停留在理论的层面。这种如同与一位智者对坐品茗、交流心得的阅读体验，真是令人流连忘返。

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