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出版者:聯經

作者:泰德利比

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页数:0

译者:

出版时间:2000年02月01日

价格:NT$ 480

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isbn号码:9789570820652

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音乐的殿堂与历史的回响：《西方古典音乐赏析指南》 一部深入剖析西方古典音乐史、流派、名家及其不朽作品的权威指南。 本书旨在为所有对西方古典音乐抱持热忱或渴望系统了解其精髓的读者，提供一条清晰、深入且引人入胜的学习路径。我们不满足于肤浅的曲目介绍，而是力求挖掘音乐背后的文化语境、时代精神与作曲家深邃的内心世界，让每一次聆听都成为一次与历史的对话、与伟大的灵魂的交融。 第一部：根源与曙光——中世纪与文艺复兴的奠基 本书的开篇，我们将回溯至西方音乐的源头。在光影交错的修道院与早期宫廷中，音乐如何从单纯的宗教颂歌中缓慢挣脱，孕育出最初的复调结构。 格里高利圣咏的纯净力量： 探讨单音音乐的规范化及其在西方音乐理论中的基础地位。 复调的诞生与发展： 聚焦巴黎圣母院乐派（如佩罗坦）如何以惊人的数学与空间感，构建起早期复调的宏伟框架。 文艺复兴的人文主义之声： 从理想化的均衡转向对人类情感的细腻描摹。我们将深入分析以帕莱斯特里那（Palestrina）为代表的宗教音乐的“纯净之美”，以及雅各布·德斯普雷斯（Josquin des Prez）如何在世俗与宗教题材中展现出日益成熟的对位技巧与文本表达能力。 室内乐的萌芽： 介绍“牧歌”（Madrigal）作为一种将诗歌与音乐完美结合的艺术形式，如何预示了巴洛克时期对戏剧性与个人情感表达的追求。 第二部：辉煌的巴洛克——情感的张力与结构的极致 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐史上结构创新与情感表达的爆发期。这一时期的音乐以其强烈的对比性、装饰的华丽以及对“激情”（Affetti）的系统化处理而著称。 歌剧的诞生与早期发展： 详细解析佛罗伦萨“文艺复兴协会”如何尝试复兴古希腊戏剧的“融汇”理念，催生了蒙特威尔第（Monteverdi）等先驱。歌剧的“宣叙调”与“咏叹调”的结构如何确立，以及清唱剧与神剧的并行发展。 协奏曲的形成与发展： 探讨大协奏曲（Concerto Grosso）中“独奏组”（Concertino）与“合奏组”（Ripieno）的对话张力，以及维瓦尔第（Vivaldi）如何通过其标志性的快速-慢板-快速结构，赋予协奏曲无与伦比的活力。 “上帝的音乐家”——巴赫的世界： 深入剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的音乐哲学。重点解读《平均律键盘曲集》在调性发展中的革命性意义，以及赋格（Fugue）这一艺术形式在《赋格的艺术》中达到的理论与技艺的顶峰。我们还将细致分析其管风琴作品的庄严与康塔塔的宗教深度。 亨德尔的宏大叙事： 对比巴赫的内省，乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Handel）以其戏剧性的旋律天赋，如何通过《弥赛亚》等清唱剧，将音乐的公共性与戏剧张力推向极致。 第三部：古典主义的秩序与优雅——启蒙之光下的平衡美学 古典主义时期（约1730-1820年）是理性、清晰与形式完美追求的时代。音乐从巴洛克的繁复装饰转向了旋律的简洁、结构的均衡以及清晰的和声语言。 奏鸣曲式（Sonata Form）的统治地位： 详细拆解呈示部、发展部与再现部的内在逻辑，理解为何这种结构能成为交响曲、奏鸣曲和四重奏的核心骨架。 维也纳三杰的鼎立： 海顿（Haydn）： “交响曲之父”如何通过对四乐章结构的规范化、对弦乐四重奏的精雕细琢，奠定古典主义音乐的基石。 莫扎特（Mozart）： 探讨其音乐中无与伦比的旋律天赋、与歌剧角色的深刻契合（如《费加罗的婚礼》与《唐璜》），以及他在钢琴协奏曲中展示的对话艺术。 贝多芬（Beethoven）： 分析其如何承接前辈的遗产，并以坚定的意志力打破古典主义的框架。重点分析从早期（继承传统）到中期（英雄气概与个人意志的表达，如第三、五交响曲）再到晚期（对结构与精神深度近乎哲学的探索，如晚期弦乐四重奏）的巨大跨越。 第四部：浪漫的激情与民族的色彩——19世纪的个体解放 19世纪，随着工业革命与社会变革，音乐的主题从客观的和谐转向了主观的、强烈的个人情感表达，同时民族主义思潮也深刻影响了音乐的创作。 浪漫主义的特征： 探讨对“无限”、“崇高”的追求、对异域情调的偏爱、标题音乐的兴起，以及对管弦乐队编制的空前扩张。 钢琴的黄金时代： 肖邦（Chopin）如何将钢琴的技巧与波兰的民族精神、细腻的情感熔于一炉，创造出夜曲、圆舞曲等抒情体裁的典范。以及李斯特（Liszt）对钢琴炫技主义的推向极致，并发展出“交响诗”这一新的器乐叙事形式。 德奥浪漫主义的巨匠： 舒曼（Schumann）的文学性与内省，以及勃拉姆斯（Brahms）对古典形式的坚守与浪漫主义情感的深度融合。 歌剧的巅峰与民族乐派的崛起： 瓦格纳（Wagner）的“主导动机”理论及其对“乐剧”的革命性重构。在意大利，威尔第（Verdi）如何以其对人声的极致掌控力，成为民族精神的象征。同时，东欧及北欧作曲家（如德沃夏克、西贝柳斯）如何从民间音乐中汲取灵感，塑造各自独特的民族音乐语言。 第五部：边界的探索与现代的回响——20世纪至今的音乐图景 20世纪是西方音乐经历剧烈分裂与探索的时代，作曲家们以前所未有的速度挑战着传统听觉的极限。 印象主义的色彩笔触： 德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）如何使用模糊的和声、全新的音色和对自然意象的捕捉，描绘出音乐的“光影”。 原始主义与原始冲动： 斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》如何以其极端的节奏张力，宣告了现代音乐的降临。 调性体系的瓦解： 深入分析勋伯格（Schoenberg）如何系统性地创建十二音体系（Serialism），以及其追随者（如贝尔格、韦伯恩）如何探索无调性音乐的逻辑。 后浪漫主义的延续与革新： 马勒（Mahler）的宏大交响曲中对人类存在意义的终极拷问。 当代的多元面貌： 探讨极简主义（Minimalism，如菲利普·格拉斯）、偶然音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇）以及电子音乐的兴起，如何拓宽了“音乐”的定义边界。 结语：聆听的艺术 本书最后强调，欣赏古典音乐并非一项精英活动，而是一种需要培养的技能。我们提供了理解其结构、历史背景的工具，但最终的领悟，需要听者以开放的心态，回归到音乐最纯粹的聆听体验中去，去感受那穿越时空的、永恒的人类情感的表达。通过对这部音乐史诗的系统回顾，读者将能够以更深厚的学养，进入每一个音符所蕴含的无限宇宙。

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我一直认为，真正的鉴赏能力，来源于对细节的捕捉和对情感的共鸣。这本书在这两方面做得非常出色。它对管弦乐配器的讲解，简直是教科书级别的清晰。比如，书中对木管组与铜管组在描绘特定场景时的功能差异的阐述，让我茅塞顿开。以前听交响乐团合奏，总觉得声音混在一起，现在我能清晰地“分辨”出低音提琴群的沉稳和圆号的温暖，这种具象化的理解，极大地增强了欣赏的乐趣。而且，书中提供的曲目推荐非常具有启发性，很多是我之前忽略的经典，通过作者的引导去聆听，焕发出了全新的生命力。这本书的内容深度和广度，足以支撑一位爱好者进行长期的探索。

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我是一个对音乐史不太敏感的人，以往看书总是容易被年份和人名绕晕。但这本书在叙事结构上的处理非常巧妙。它没有采用那种流水账式的编年体，而是选择了一些更具代表性和故事性的切入点，将音乐的发展脉络巧妙地串联起来。每一次阅读，都感觉自己像是一个时空旅行者，在不同的音乐时代之间穿梭。作者的文笔流畅，没有那种高高在上的学术腔调，反倒充满了对音乐的热爱和敬意。尤其是一些关于作曲家个人生活与创作状态的对比分析，写得极其生动，让人仿佛能看到那些伟大灵魂在面对创作瓶颈时的挣扎与突破。对于提升整体音乐素养的帮助，是立竿见影的。

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这本关于古典音乐鉴赏的指南，简直是打开了一个新世界的大门。我之前对古典音乐的了解仅限于那些耳熟能详的曲目，总觉得深奥难懂，但这本书的编排却让人感觉非常亲切。作者似乎有着一种魔力，能把那些复杂的乐理知识和历史背景，用一种娓娓道来的方式讲述出来。读起来一点也不觉得枯燥，反而像是在听一位知识渊博的长者分享他的心头好。特别是书中对不同时期音乐风格演变的梳理，清晰明了，让我的聆听体验变得更加立体。现在再去听贝多芬的交响曲，不再是简单的旋律堆砌，而是能感受到作曲家创作时的心境和时代烙印。对于那些想深入了解古典音乐，却又苦于没有门路的新手来说，这本书绝对是最好的启蒙读物，它真正做到了“化繁为简，引人入胜”。

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老实说，我买这本书的时候，心里是抱着试试看的态度的，因为市面上这类“鉴赏”类的书籍实在是太多了，很多都写得空泛而矫情。然而，这本书给我的惊喜程度远远超出了预期。它不仅仅停留在介绍作品本身，更深入探讨了音乐是如何与社会、文化交织在一起的。我特别喜欢它在分析某些特定乐章时，那种细腻入微的笔触。它不是简单地告诉你“这个地方很美”，而是会拆解出是哪种配器、哪种和声进行，共同营造出了那种氛围。读完后，我发现自己对音乐的感知力都有了显著的提高，以前听着觉得平淡无奇的地方，现在能捕捉到其中的微妙变化。这不只是一本“看”的书，更是一本“听”的书，它强迫你重新审视自己的聆听习惯，是一次非常彻底的“耳朵的再教育”。

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说实话，这本书的价值远超其定价。它不仅仅是一本介绍性的读物，更像是一本陪伴式的工具书。我尤其欣赏它在处理“主观感受”和“客观分析”之间的平衡。作者并不强求读者必须按照某种既定的标准去“喜欢”某部作品，而是提供了足够的分析工具，让你能够建立起属于自己的鉴赏体系。书中的许多论述逻辑严密，但表达方式又非常平易近人，使得即便是初学者也能轻松入门，而资深爱好者也能从中找到新的思考角度。它成功地打破了古典音乐“高冷”的刻板印象，让更多人愿意走进这个美妙的殿堂，真心推荐给所有对艺术有追求的朋友们。

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