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出版者:藝術家

作者:林功．箱崎

出品人:

页数:0

译者:廖瑞芬

出版时间:2002年11月20日

价格:NT$ 360

装帧:

isbn号码:9789867957474

丛书系列:

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• 藝術史及理論
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纸面上的山河与光影：探寻中国水墨画的千年文脉 书籍名称： 纸面上的山河与光影：探寻中国水墨画的千年文脉 书籍简介： 本书旨在带领读者进入中国水墨画这一博大精深的艺术领域，系统梳理其从起源到当代的演变历程，深入剖析其独特的审美哲学、技法体系以及在不同历史时期所承载的文化意涵。不同于侧重于材料实践的入门指南，本书将焦点置于“意境”与“气韵”的探究，强调水墨作为一种东方哲学载体的深层价值。 --- 第一部分：墨的哲学——水墨精神的源起与奠基 第一章：从史前陶器到汉代画像石——早期符号的孕育 水墨艺术并非凭空出现，其根基深植于中国古代的“书写性”文化传统。本章追溯了早期岩画、陶器纹饰以及汉代画像石中对线条、虚实关系的初步运用。重点探讨了“书画同源”理论的形成基础，以及早期士人阶层对笔墨载体材料的初步认知——特别是对天然矿物墨与动物胶的早期实践。我们将分析这些前水墨时代的符号如何奠定了后世对“气”与“韵”的追求。 第二章：魏晋风骨与六朝的独立宣言 魏晋时期，玄学思潮兴盛，士人开始从自然中寻找自我精神的寄托。本章详细解读顾恺之的“传神写照”理论，剖析其在人物画中对“骨法用笔”的强调，这标志着水墨画开始脱离纯粹的装饰性或叙事性，转而成为表达个体精神世界的工具。对曹衣带水、吴带当风等典型笔法进行了图文解析，阐释笔墨如何成为承载文人情感的媒介。 第三章：唐代的格局与五代山水的定型 唐代，随着科举制度的发展和文化自信的增强，山水画地位显著提升。李思训的金碧山水与王维的水墨写意形成了鲜明的对照。本章着重分析李昭道的“青绿一派”如何体现盛唐的富丽堂皇，以及王维的“诗中有画，画中有诗”如何确立了水墨文人画的主导地位。五代荆浩、关仝等巨匠，在北方山水画中构建了宏大壮阔的“全景式”构图，为宋代的成熟打下了坚实基础。 第四章：宋代的集大成与院体的精微 宋代是中国艺术史上一个高峰。本章深入剖析“院体画”在徽宗时期的鼎盛，探讨其在花鸟画和界画中对自然细致入微的观察与精准描绘。同时，我们将讨论苏轼、米芾等人对“意笔”的推崇，以及“文人画”与“院体画”之间张力下的相互渗透与促进。宋代美学中对“理”与“韵”的追求，是理解后世水墨技法多样性的关键。 --- 第二部分：笔墨的技法——从皴、擦、点、染到空间布局 第五章：皴法的演变与山石的“肌理” 皴法是中国山水画的“骨架”。本章系统梳理了董源的披麻皴、李唐的斧劈皴、黄公望的披麻（牛毛）皴等数十种主要皴法。我们不仅展示其笔触的外形，更关键的是分析每一种皴法背后所蕴含的哲学思考——例如，如何通过“干皴”表现山体的坚硬与古拙，如何通过“湿皴”表现烟岚的迷蒙与湿润。本章包含对历代名家皴法变化脉络的详细对比图表。 第六章：墨色的层次——淡、浓、焦、宿与渲染的艺术 水墨画的精髓在于“墨分五色”。本章专门探讨墨色的控制与运用，超越了简单的“墨水比例”，转而关注“渗透性”与“层次感”。详细分析了“积墨法”如何产生深邃的立体感，以及“分染法”如何巧妙地模拟光影变化。我们讨论了如何通过“破墨”实现墨色的自然交融，以及如何在近景使用“焦墨”增加画面的力量感。 第七章：点景与留白——虚实相生的空间哲学 在中国传统美学中，“留白”并非空白，而是“未尽之意”和“呼吸之所”。本章探讨中国画空间处理的核心原则——计白当黑。分析点景（如人物、树木、屋舍）在画面中的比例与功能，它们如何引导观者的视线，并赋予广袤的留白以生命力。重点剖析了“散点透视”与“高远、深远、平远”的构图法则如何共同构建出非欧几里得式的空间体验。 第八章：文人画的笔墨语言——写意与逸气 元代四王吴镇一脉确立了文人画的正统地位。本章聚焦于黄公望、倪瓒等大师的笔墨语言。探讨“写意”与“写实”的区别，强调文人画对书法用笔的依赖性。分析“逸气”的来源——即对古人笔意的继承与转化，以及如何通过看似“松弛”的笔触，达成精神上的高度集中与高度自由。 --- 第三部分：流派的冲突与融合——明清至今的革新之路 第九章：明代的地域色彩与画派纷争 明代艺术呈现出多元化趋势。本章对比分析了以沈周、文徵明为代表的“吴门画派”对元代笔墨的温和继承，与董其昌提倡的“南北宗论”对画史的重新解读。同时，探讨了浙派的工笔与院体风格在民间的影响力，以及如何通过这些地域和学派的差异，反观水墨画内部的审美张力。 第十卷：清代的复古与“新安画派”的异军 清代初期，部分画家（如“四王”）致力于对笔墨精微之处的梳理与程式化，以求“集大成”。本章将重点分析此一阶段的理论构建。然而，我们更关注如“新安画派”等地方性画派的崛起，他们如何在一个高度程式化的时代，通过对特定地域（如徽州建筑、皖南山水）的独特描绘，为水墨画注入新的生命力。 第十一章：近代的冲击与徐悲鸿的变革 晚清至民国时期，西方写实主义的传入对中国画界产生了巨大冲击。本章详细梳理了“中西融合”的探索历程，重点分析徐悲鸿如何将素描结构引入中国画，试图在保持水墨精神的前提下，提升其造型的科学性。探讨了这一时期画家们在坚持传统与面向未来之间的艰难抉择。 第十二章：当代的探索与水墨的未来走向 当代水墨艺术正处于一个不断自我定义、自我挑战的阶段。本章探讨了从“新文人画”到实验水墨的多元化发展。分析当代艺术家如何在保持水墨媒介固有特性的同时，引入现代表现手法和观念艺术的元素，探索水墨在当代语境下所能承载的新的社会、人文与生态议题。本书最后，将对水墨画如何在全球化语境下保持其文化独立性进行展望。 --- 本书特点： 史论结合： 绝非简单的技法手册，而是以深入的艺术史观和哲学思辨为基础，阐释技法的历史必然性。 重“意”轻“形”： 侧重于对“气韵生动”、“神思自得”等东方美学概念的精确解读。 深度图例分析： 选取历代经典作品，通过结构化图解，剖析其笔墨的内在逻辑与布局的匠心。 学术严谨，文笔流畅： 语言力求精准而不失文采，适合对中国传统艺术有浓厚兴趣，并希望进行系统性学术研究的读者。

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内容上，这本书的侧重点似乎更偏向于对欧洲传统油画媒介的深度解析，特别是对不同种类油料的提炼过程、不同树脂的化学特性以及它们如何影响颜料的附着力和光泽度的论述，详细得令人叹服。书中用大量的篇幅讲解了如何识别和测试不同批次松节油的纯净度，以及不同媒介调和比例对画面干燥速度和画面深度的微妙影响。举例来说，对于林花油（Linseed Oil）的讲解，它不仅提到了冷压和热压的区别，还深入探讨了碱性处理对油料聚合反应速率的调控机制，这对于那些希望精确控制创作流程的画师来说，简直是宝贵的参考资料。我发现书里提到的一些关于画布底料处理的古老配方，即便在现代合成材料普及的今天，也依然具有极高的参考价值，尤其是在追求古典油画那种历史厚重感的作品中。这部分内容展现了作者深厚的学术功底和对材料科学的深刻理解。

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我注意到这本书在讨论色彩理论时，似乎采用了较为偏向于古典写实主义的视角，重点关注的是颜料在混合过程中如何通过微粒的散射和吸收，产生我们肉眼所观察到的“固有色”与“环境光色”的微妙平衡。书中对于“普鲁士蓝”和“群青”在不同光照条件下的色相偏移进行了大量的光谱分析图表对比，这部分内容显得非常学院派和严谨。它似乎假定读者已经对色彩的物理学原理有所涉猎，因此在讲解上跳过了基础的色轮概念，直接进入到了高级的色相、明度和纯度的精确控制层面。特别是关于如何使用干燥的、未经过油处理的颜料粉末进行“干式混合”以获得更具颗粒感和透明度的色彩层次，这种技法介绍非常具有启发性，它鼓励画家跳出习惯的油彩管挤出的那种媒介限制，去探索颜料本身的纯粹表现力。

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这本书最让我感到意外的是，其中关于画作修复基础知识的章节，虽然篇幅不长，但其专业程度却让人印象深刻。它系统地介绍了画布老化后纤维的脆化过程，以及因湿度变化导致的油层开裂（龟裂）的几种典型模式。书中还图文并茂地演示了如何使用温热的蒸汽对局部区域进行轻微的湿度提升，以期恢复油膜的柔韧性，并强调了操作时必须控制在极其微小的、可逆的范围内。对于如何识别早期使用的“虫胶”或“蜂蜡”作为媒介层是否已经变质，提供了几种简易的嗅觉和触觉判断标准。这种前瞻性的知识，提醒着创作者，我们所创造的作品最终将面对时间的考验，从制作之初就应具备长久保存的意识。这使得整本书的价值超越了一般的技法手册，更像是一本艺术遗产的守护指南。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种细腻的纹理感，拿在手里沉甸甸的，立刻就给人一种“这是一本用心制作的专业书籍”的印象。我尤其喜欢它所选用的纸张，印刷出来的色彩过渡非常自然，那种矿物颜料特有的温润质感，即使只是通过纸张的呈现，也能感受到几分真切。内页的排版布局也十分讲究，留白恰到好处，使得原本复杂的理论知识和大量的图例展示，看起来毫不拥挤，阅读体验极佳。装订工艺似乎也下了不少功夫，翻阅起来十分顺滑，不用担心书页会轻易松散。作为一本关于绘画材料的专业书籍，从材质到视觉呈现的整体美学完成度非常高，这无疑为学习过程增添了不少愉悦感，让人更愿意静下心来仔细钻研其中的每一个细节。对于追求高品质阅读体验的艺术爱好者来说，光是这本书本身的物理形态，就已经值回票价了。它摆在书架上，也是一件赏心悦目的艺术品。

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这本书在对画笔和辅助工具的介绍部分，处理得相当细致入微，完全可以作为一套工具选购的“避坑指南”。它并没有简单地罗列市面上的品牌，而是从猪鬃毛、貂毛、松鼠毛等天然动物毛纤维的物理结构入手，剖析了它们在吸饱颜料后，毛尖卷曲度和弹性系数的变化，以及这种变化如何直接影响落笔时的线条质量和色块的铺展均匀度。书中甚至配有显微镜下的毛发横截面图谱，让人清晰地看到不同等级毛料的内部结构差异。关于画笔的保养和清洗，提供的建议也非常实用，例如针对不同粘度的油画颜料，推荐使用何种溶剂进行初步擦拭，以及如何避免长时间浸泡导致笔根木材膨胀，这些都是实际创作中经常遇到的痛点，而这本书给出了非常具体的操作步骤和注意事项。对于新手而言，这部分知识能让他们避免初期的盲目投入。

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