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出版者:三民

作者:平珩一主編

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1996年11月01日

价格:NT$ 300

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isbn号码:9789571423463

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现代舞蹈的演变与审美新思潮 本书全面梳理了二十世纪以来，尤其是二战后至今的现代舞蹈发展脉络，深入剖析了不同流派兴起背后的社会文化语境、哲学思辨与技术革新。 本书摒弃了传统舞蹈史的线性叙事，转而聚焦于“身体作为表达媒介”的根本性转变。我们不再将舞蹈视为一种纯粹的技艺展示，而是将其置于全球化、后结构主义思潮与技术革命的交汇点上进行考察。 第一部分：现代舞的“非自然”探寻（1900s - 1950s） 本部分追溯了现代舞从反抗古典芭蕾僵化美学中诞生的早期动力。重点探讨了伊莎多拉·邓肯（Isadora Duncan）对古希腊理想的回归尝试，以及玛莎·葛兰姆（Martha Graham）的“收缩与释放”（Contraction and Release）理论如何将内在情感的张力外化为具象的身体语言。 核心议题： 身体自主权与个体精神世界的表达。我们分析了葛兰姆体系如何与弗洛伊德的精神分析理论相呼应，探究了她的作品如何揭示美国文化中压抑的女性气质与集体潜意识。此外，荷西·林蒙（José Limón）对重力与摆动的哲学思考，预示着未来现代舞对“运动本质”的更深层追问。 第二部分：后现代的解构与语境重置（1960s - 1970s） “后现代”不仅仅是风格上的转变，它是一场对“什么是舞蹈”的根本性质疑。本书详细考察了默斯·坎宁安（Merce Cunningham）如何通过引入“机会过程”（Chance Operations）和空间非中心化，彻底切断了动作与叙事、情感之间的必然联系。我们深入分析了约翰·凯奇（John Cage）的音乐哲学对坎宁安编舞方法的决定性影响。 焦点案例： 崔莎·布朗（Trisha Brown）和纽约实验剧场（Judson Dance Theater）。这一时期的舞者们将日常动作——行走、奔跑、跌倒——提升到艺术表达的层面。本书通过分析布朗早期作品中对任务（Task）的重复执行，揭示了极简主义美学如何渗透到身体实践中，挑战观众对于“技巧性”的固有期待。我们探讨了舞蹈的语境如何从剧场转移到街道、屋顶，空间本身成为作品的变量之一。 第三部分：身体政治学与文化身份的显影（1980s - 1990s） 随着社会政治议题的激化，舞蹈开始更加直接地介入身份政治、性别研究和后殖民批评。本书探讨了当代编舞家如何利用身体的可见性与不可见性，来讨论边缘群体的经验。 深入分析： 对异域主义的批判： 研究了当代编舞家如何解构和重塑“他者”的身体形象，避免将非西方身体符号化。 技术与躯体的混合： 这一时期，随着电子媒介和投影技术的成熟，探讨了身体与技术界面（Interface）的关系。例如，在一些作品中，身体不再是唯一的焦点，而是作为屏幕上的一个节点，与其他数字信息流共存。 第四部分：当代跨界与身体的无限可能（2000s 至今） 进入新世纪，舞蹈的边界进一步模糊。本书重点关注“跨界”（Interdisciplinarity）现象，分析舞蹈如何与建筑学、人工智能（AI）、即兴剧场以及生态学理论深度融合。 新兴趋势的探讨： 1. “真实性”的消解与即兴的建构： 考察了如西迪·拉比·切尔考伊（Sidi Larbi Cherkaoui）等艺术家如何在全球文化碎片中寻找新的整合方式，并让即兴成为一种可被结构化的表演形式。 2. 生态身体观： 现代科学和环保意识的提升，催生了“生态身体”（Ecological Body）的概念。部分编舞家开始将身体视为生态系统的一部分，探讨人与环境、微生物群落之间的动态关系，这体现在对呼吸、土壤和气味的剧场化处理上。 3. 剧场化体验的转向： 当代许多作品倾向于“沉浸式”或“互动式”体验，要求观众参与到空间和时间结构中。本书分析了这种转变如何回应了数字时代对“在场感”（Liveness）的焦虑与重估。 总结与展望 本书的结论部分并不提供一个固定的“答案”，而是总结了当代舞蹈在面对技术爆炸与身份多元化背景下所展现出的强大适应力与反思能力。它揭示了当代编舞家持续挑战的三个核心领域：时间的非线性处理、空间的流动性重塑，以及“非人”身体（如虚拟形象、机器）与人类身体之间的对话边界。 本书旨在引导读者超越对舞蹈形式的表层理解，进入到对其社会、哲学意义的深度挖掘。

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坦白讲，我对艺术类书籍的耐心通常有限，很多作品在读到一半时就因为术语过多而束之高阁。但《舞蹈欣賞》这本书的语言风格，有一种令人上瘾的“流动感”。它的叙述节奏变化多端，时而如涓涓细流般轻柔地铺陈背景故事，时而又像强劲的鼓点一样，用短促有力的句子精准地敲击出某个关键的审美点。这种节奏感，本身就像是在进行一次微型的舞蹈欣赏。特别值得称赞的是，书中对“声音与静默的张力”这一章节的处理。作者深入探讨了在某些先锋派作品中，录制的声音片段、现场的人声，乃至彻底的寂静，是如何被用作与舞者身体对话的“配角”。他将这种“听觉体验”与“视觉体验”进行了一种近乎哲学的辩证分析，让我开始注意到，原来舞蹈的魅力，很大一部分是“听”出来的，而不是仅仅“看”出来的。这种多维度的引导，极大地丰富了我对现场演出的感知层次。

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这本书最让我感到价值连城的，是它提供了一种实用的、可操作的“自我提升”路径。它不是简单地告知我们“什么才是好的舞蹈”，而是手把手地教我们“如何去欣赏”。书中包含了一些非常实用的练习性建议，比如“尝试用五种不同的方式去描述你看到的同一个旋转”、“闭上眼睛聆听一段音乐，然后想象它对应的肢体动作会是什么样子”。这些练习看似简单，实则是在训练我们大脑中负责“审美转换”的区域。我尝试着运用书中的方法去回看一些旧的演出录像，惊奇地发现，我能捕捉到以前完全忽略的细节：比如舞者在空中停留的那个“微小的犹豫”，或是他们退场时那个“不经意的转身”所蕴含的收尾力量。这本书的最终目的似乎是想解放读者的主观能动性，它提供的知识体系是坚实的，但最终的解读权却完完全全交还给了我们每一个人，这是一种非常高明的引导，让我从一个被动的接受者，转变成了一个主动的、有能力的“共创者”。

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这部《舞蹈欣賞》的问世，无疑为我们这些对舞台艺术心怀敬畏却又不得其门而入的普通爱好者，打开了一扇充满光亮的侧门。我花了整整一个周末沉浸其中，感受最深的是作者那种将晦涩理论转化为可感知体验的功力。书里没有那些高高在上的学院派术语堆砌，反而是用一种近乎散文诗般的笔触，引领我们去观察一个舞者肢体的微妙变化。比如，书中对于“呼吸与重心转移”的解析，不再是干巴巴的物理学描述，而是将其比喻为“一朵花苞在阳光下缓缓展开的生命力”，通过这种极富画面感的比喻，我忽然明白了为什么有些动作看起来如此轻盈，而另一些却带着沉重的宿命感。尤其是在探讨不同流派的起源时，作者似乎带我们穿梭回了历史的街角，不是冰冷的史实罗列，而是将当时的社会情绪、音乐背景，甚至服装的材质，都细致入微地还原出来，让人感觉仿佛置身于19世纪巴黎的某个沙龙，亲眼目睹了芭蕾从古典走向浪漫的那个关键转折点。这种沉浸式的引导，极大地降低了欣赏门槛，让我不再感到“看不懂”的焦虑，而是充满了探索的乐趣。它更像是一本精心准备的“导览手册”，用温暖的灯光照亮了那些曾经令我困惑的艺术角落。

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老实说，我原本以为这会是一本枯燥的教科书，充满了对人体结构和编舞技法的死板分析，结果我大错特错。《舞蹈欣賞》这本书，用一种近乎“八卦”的亲密感，拉近了读者与舞蹈世界的距离。作者似乎非常懂得我们这些业余爱好者最想知道什么——那些台前光鲜亮丽背后的“秘密”。书中对不同“关键人物”的侧写尤其精彩，比如某位现代舞大师的脾气秉性、他对排练现场的控制欲，甚至是他与音乐家之间那种充满火花的合作与冲突，都被描绘得栩栩如生。读到这些轶事时，我常常会忍不住笑出声来，仿佛正在听一位资深剧院经理讲述幕后花絮。更让我惊喜的是，作者对于“服装、灯光与道具”在叙事中的作用分析，简直是教科书级别的。他没有把它们当成附属品，而是视为与舞者共同呼吸的“第三个角色”。例如，当分析一场极简主义作品时，书中对一束固定光线如何精准地切割舞台空间，从而强化舞者“孤独”或“挣扎”的主题，进行了长篇累牍的、极富个人洞察力的解读。这让我重新审视了自己过去对舞台美术的肤浅理解，明白灯光不仅仅是“看清”，更是“表达”的利器。

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这本书的编排结构，可以说是匠心独运，完全打破了我对“艺术鉴赏”类书籍的固有印象。它没有采用传统的“按时间线”或“按流派分类”的线性叙事，而是采用了主题式、碎片化的方式组织内容，读起来一点也不费力。每一章节都可以独立成篇，如同进入了一个个精心设计的艺术展厅，可以随意选择自己感兴趣的展品驻足欣赏。我特别喜欢其中关于“肢体语言的文化差异”这一部分的探讨。作者非常敏锐地指出了，一个在西方文化中表达“喜悦”的开放性姿态，在东方文化中可能被解读为“冒犯”或“失控”。这种跨文化的对比分析，不仅拓宽了我对舞蹈的理解范围，更让我开始反思我们自身文化背景对审美判断的潜在局限性。书中的图文配合也做得极其到位，那些精选的剧照不仅仅是用来“展示”动作，更多的是作为分析的“案例支撑点”，每一张照片下方都有细致的注解，解释了当下正在发生的“能量流动”和“情绪张力”，读完后感觉自己的“审美镜头”被专业地校准和增强了。

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