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出版者:遠流

作者:David Bordwell/著

出品人:

页数:512頁

译者:游惠貞

出版时间:1995 年 08 月 10 日

价格:420

装帧:

isbn号码:9789573226024

丛书系列:遠流電影館

图书标签:

• 電影研究
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《鏡頭下的呢喃：影像叙事的解构与重塑》 这部作品并非聚焦于某个特定时代或流派的电影史梳理，也不是对某几位导演创作生涯的详尽剖析。相反，《鏡頭下的呢喃：影像叙事的解构与重塑》是一次对电影“语言”本身的一次深度探寻。它试图剥离影片表面的故事情节、明星光环，直抵构成影像叙事核心的那些最基本、最原始的元素。 我们从最微小的构成单元——“镜头”——出发。什么是镜头？它不仅仅是摄影机捕捉到的画面，更是导演思考的切片，是传递情绪、构建意义的基石。本书将深入探讨不同景别（全景、中景、近景、特写）如何塑造观众对人物和环境的认知，长镜头如何营造沉浸感与时间流动，以及运动镜头（推、拉、摇、移）如何引导视线、暗示人物状态或烘托叙事节奏。我们不满足于仅仅列举这些术语，而是着力解析它们在具体影片中的实际运用，以及它们如何潜移默化地影响着观者的心理感受。 接着，我们将目光投向“剪辑”。剪辑是电影的灵魂，它将零散的镜头碎片巧妙地编织成连贯的叙事。本书将深入剖析不同剪辑手法的功能与效果，例如平行剪辑如何制造悬念与对比，闪回如何填充背景与解释动机，蒙太奇又如何通过画面的并置与跳跃，激发出新的意义和情感。我们还将讨论剪辑在节奏控制上的重要性，如何通过快剪营造紧张感，或通过慢剪抒发抒情。对于叙事结构的不同处理方式，如线性叙事、非线性叙事，本书也会进行细致的比较分析，探讨它们各自带来的叙事张力与观众参与度。 声音，常常被我们忽略，却在电影中扮演着至关重要的角色。《鏡頭下的呢喃》将特别关注“声音设计”的艺术。对白、音效、配乐——它们并非简单的背景补充，而是积极参与叙事的建构。本书将探讨如何通过环境音效营造空间感与氛围，如何利用特殊音效增强戏剧冲突，以及配乐如何成为情感的催化剂，引导观众的情绪走向。我们将研究声音与画面的有机结合，分析声音如何增强画面的表现力，有时甚至能够独立传递信息，构成一种无声的叙事。 色彩，作为一种直观的视觉语言，拥有强大的情感感染力。本书将深入解析“色彩运用”在电影中的深层含义。暖色调与冷色调各自唤起的心理感受，特定色彩的象征意义（如红色代表激情或危险，蓝色代表忧郁或宁静），以及色彩在不同影片中如何被用来塑造人物性格、暗示主题倾向，甚至推动情节发展。我们也将探讨色彩的对比与和谐，以及光影的运用，如何共同营造出独特的视觉风格，并赋予影片更丰富的解读维度。 此外，本书还触及了“构图”与“画面调度”的艺术。一个精心设计的画面构图，往往蕴含着丰富的叙事信息。对角线构图如何制造动感与不稳定，对称构图如何传递秩序与平衡，留白又如何引发观众的想象。画面调度，包括人物在画面中的位置、走位，以及与环境的互动，都能够传递人物关系、权力格局以及内心状态。我们将通过大量的实例，展示这些看似细微的视觉元素，是如何共同作用，塑造出深刻的影像叙事。 《鏡頭下的呢喃：影像叙事的解构与重塑》的最终目的，是希望读者在观影时，能够超越故事本身，更加敏锐地感知到电影语言的精妙之处。它鼓励一种更具批判性和分析性的观影方式，引导读者去“听”镜头下的呢喃，去“读”画面中的潜台词，从而更深刻地理解并欣赏电影作为一种独特艺术形式的魅力。本书不会提供一套放之四海而皆准的“观影秘籍”，而是一场邀请，邀请每一位对影像叙事充满好奇的读者，一同踏上这场探索之旅，共同学习如何更好地解读和重塑我们与电影世界之间那无声而又丰富多彩的对话。

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我刚读完这本关于视觉文化研究的文集，最大的感受就是它极大地拓宽了我的视野。这本书的视角非常新颖，它巧妙地将电影语言置于一个更宏大的符号学场域中进行审视，探讨了影像如何参与到现代身份的构建与解构过程中。作者对“观看权力”的批判性分析尤其犀利，直指那些潜藏在镜头运动和景别选择背后的意识形态操纵。读起来，与其说是在看一本学术著作，不如说是在进行一场思想的探险。语言上，它采取了一种充满活力和辩证性的探讨方式，充满了对既定范式的挑战，读起来酣畅淋漓，毫不晦涩。特别是对数字时代影像泛滥现象的剖析，提出了“信息过载下的感知阈值重设”这一概念，精准地概括了我们当下被动接受信息的生存状态。这本书不仅是写给电影人的，更是写给所有对当代媒介环境感到困惑的普通人的。它迫使我重新审视自己手机屏幕上的每一次滑动、每一次点击，背后隐藏的复杂的权力关系和审美选择。

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这本书的阅读体验简直是一次酣畅淋漓的智力马拉松。它毫不留情地将电影的“魔术”外衣撕开，直面其背后的结构主义和后结构主义的理论内核。我特别喜欢作者在探讨叙事结构时所展现出的那种近乎数学家的精确性，每一个关于镜头切换的讨论，都与叙事焦点的转移、情感张力的酝酿紧密挂钩。它不是那种平铺直叙地告诉你“这部电影拍得好在哪里”，而是通过精密的分析工具，告诉你“为什么它必须以这种方式被拍摄”。例如，书中对“非线性叙事”的梳理，不再是简单地罗列作品，而是追溯了其在现代主义哲学思潮中的根源，并分析了它如何挑战了观众的因果逻辑期待。对我而言，这本书的价值在于它提供了一种“拆解”的技能，让我看电影时，不再被情节牵着走，而是能更主动地去参与到文本的意义生产中去。它对镜头内部的构图美学分析也极为独到，那种对光影层次和物体摆放的细致入微，读完后，我再看任何一帧画面都会下意识地去寻找其背后的“设计意图”。

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坦白说，这本书的理论密度非常高，初读时可能会感到有些吃力，因为它要求读者必须具备一定的电影常识基础，并且愿意投入时间去消化复杂的术语和抽象的概念。然而，一旦跨越了最初的门槛，它所展现出的知识体系的宏大和自洽性便会令人震撼。我尤其赞赏作者对“电影本体论”的坚持，他似乎执着于回答一个核心问题：究竟是什么让“电影”区别于其他艺术形式？书中对“非写实主义”表达的系统梳理，清晰地展示了艺术家们如何在特定的时代背景下，通过扭曲现实的影像手段来达到更深层次的真实。这种对“超越”的追求，贯穿了全书。它不是一本让你放松阅读的读物，更像是一次高强度的思维训练。我发现自己开始习惯用一种更具结构性的眼光去看待每一个电影片段——哪里是引入，哪里是阻断，哪里是张力释放的节点。这本书如同一个精密的工作台，为那些真正想深入挖掘影像秘密的人，提供了最好的工具和最坚实的理论基石。

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这本关于电影理论的著作，以其深邃的洞察力和严谨的论证，彻底颠覆了我对电影艺术的固有认知。作者并未停留在对经典影片的肤浅解读上，而是深入剖析了光影、剪辑、声音等构成电影叙事肌理的底层逻辑。我特别欣赏其构建的“时间碎片化”理论，它精准地捕捉了现代观众在信息洪流中对叙事节奏的微妙期待与适应。阅读过程中，我不断地被引导去反思那些我们习以为常的电影手法背后的文化意图和心理机制。比如，书中对蒙太奇在不同历史阶段的功能演变进行了梳理，不再将其视为单纯的技术手段，而是视为社会思潮的折射镜。那种将电影语言提升到哲学层面探讨的勇气和功力，着实令人叹服。书中的案例选择极其丰富，从早期默片的大师之作到当代欧洲艺术电影的实验性探索，无一不被拆解得丝丝入扣，让人仿佛手持一把精密的解剖刀，重新认识了影像的构造之美。它不提供现成的答案，而是提供了一套强悍的思维框架，足以让任何一个电影爱好者或从业者，从此告别“看热闹”的阶段，进入“解构”与“重构”的深层体验。

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这是一部极具个人风格和实验精神的电影评论集。它不同于学院派的刻板说教，反而洋溢着一种对电影本体的无限热爱与狂热的探索欲。作者似乎更关注那些被主流史观忽视的边缘地带——那些在技术尚未成熟时期的先锋尝试，或者那些因文化壁垒而鲜为人知的国际影展作品。书中对“感官的解放”这一主题的探讨尤为引人入胜。作者认为，真正的电影创新，往往发生在对人类基本感官体验的重置上，而非仅仅是叙事上的翻新。他用极富画面感的文字，描绘了某些特定声音设计如何直接作用于身体的原始反应，这种描述方式非常具有感染力，让人仿佛身临其境，感受到了影像的冲击力。阅读过程中，我感到作者与读者之间建立了一种平等的、共同探索的伙伴关系，他不是高高在上的导师，而是邀请你一同走进这个充满未知可能性的影像迷宫。这本书的行文节奏非常灵活，从对某一个特定运镜的深入剖析，瞬间跳跃到对一个国家电影产业整体性的宏观评价，这种跨度和自由感令人耳目一新。

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