前衛吉他.

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出版者:麥書
作者:劉旭明
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:20040716
价格:NT$ 600
装帧:
isbn号码:9789578255456
丛书系列:
图书标签:
  • 吉他
  • 前衛音樂
  • 現代音樂
  • 音樂
  • 藝術
  • 文化
  • 演奏
  • 技巧
  • 音樂史
  • 實驗音樂
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具体描述

◎美式教學系統之電吉他專用書籍。

◎從基礎電吉他技巧到各種音樂觀念、型態的應用。

◎最扎實的樂理觀念、最實用的技巧、音階、和弦、節奏、調式訓練。

◎Pop、Rock、Metal、Funk、Blues、Jazz、Latin、Fusion完整分析、進階彈奏。

◎雙CD 教學示範演奏,吉他技術完全自學。

《先声》:一场穿越时空的音乐叙事 《先声》并非一本关于吉他的技术指南,也不是一本聚焦于特定音乐流派的历史考据。它是一部精心编织的音乐叙事,一场跨越时代、跨越文化、深入人心的声音探索。本书以独特的多视角叙事方式,勾勒出一幅宏大而细腻的音乐画卷,带领读者走进那些在人类文明长河中留下深刻印记的旋律背后,探寻它们如何孕育、如何演变、如何触动我们最深层的情感。 故事的起点,可以追溯到远古时代,那些最原始的敲击、吹奏和吟唱,它们是如何在部落的篝火旁,在仪式的祭坛上,传递着生命的信息,凝聚着集体的力量。作者以充满想象力的笔触,重现了这些遥远的音乐片段,让读者仿佛置身于那个粗犷而充满原始生命力的年代。随着文明的进步,音乐的载体和形式日益丰富。从古代文明的颂歌、乐府,到中世纪的宗教吟唱、游吟诗人的歌谣,《先声》细致地描绘了音乐在不同文化土壤中的生长与变迁。它不仅仅是记录音符的流转,更是剖析音乐与社会结构、宗教信仰、哲学思想之间的复杂关联。 书中,读者将有机会遇见那些伟大的音乐家们,但他们并非仅仅是坐在乐器前的表演者。作者将他们置于其所处的时代背景中,展现他们如何受到社会思潮、历史事件的影响,又如何反过来用他们的创作,塑造了那个时代的审美,甚至是人们的思考方式。《先声》将音乐创作的过程描绘成一场与灵感、与自我、与世界的对话。你会看到那些看似偶然的旋律,是如何在作曲家内心无数次的打磨、推敲中成型;你会体会到那些震撼人心的乐章,是如何凝聚着创作者对生命、对情感、对宇宙的深刻洞察。 本书并非孤立地看待音乐,而是将其视为人类经验的有机组成部分。音乐如何与文学、绘画、雕塑等其他艺术形式交织,互相启发,共同构建起人类文明的辉煌殿堂?《先声》通过对不同时期艺术风格的对比分析,揭示了音乐在艺术对话中所扮演的关键角色。它探讨了浪漫主义时期音乐的澎湃情感如何与绘画中的壮丽景观相呼应,印象派音乐的朦胧意境如何与同一时期的绘画风格异曲同工。 《先声》的叙事也充满了对音乐“生命力”的描绘。它追溯那些经典乐曲如何在漫长的岁月中被重新演绎、被赋予新的生命,如何在不同的时代引起不同的共鸣。从古典乐坛的经久不衰,到爵士乐的自由即兴,再到摇滚乐的叛逆呐喊,乃至电子音乐的未来探索,《先声》都试图捕捉音乐不断演进的脉搏,以及它与时代精神的同频共振。它也会触及那些被历史尘封却依旧闪耀的音乐火花,以及那些在边缘地带悄然兴起的、预示着未来走向的声音。 更深层次地,《先声》试图理解音乐何以能够超越语言的界限,直接触及人类心灵最柔软的部分。它会探讨音乐的心理学效应,分析特定旋律、节奏、和声如何影响我们的情绪、记忆,甚至是我们对现实的感知。音乐是如何成为情感的容器,承载我们的喜悦、悲伤、愤怒和希望?它是如何在我们孤独时给予慰藉,在我们振奋时激发勇气? 在《先声》的篇章中,你不会找到关于如何弹奏某个和弦的指令,也不会有关于如何掌握某种演奏技巧的步骤。取而代之的是,你将听到音乐如何从无到有,如何从个人的感悟走向集体的记忆。你将感受到音乐的张力,体验它在时间中的延展,理解它在空间中的回响。本书旨在唤醒读者对音乐本身的敬畏和热爱,鼓励他们以一种更广阔、更深刻的视角去聆听、去感受、去理解这门古老而又永远年轻的艺术。 《先声》是一次对音乐的深度追问,也是一次对人类创造力与情感表达的致敬。它邀请每一位读者,不论你是否是音乐的专业人士,都能在这场声音的旅程中,找到属于自己的共鸣,发现音乐在你生命中所扮演的,那独特而不可替代的角色。它是一面镜子,映照出人类共同的情感光谱;它是一条河流,承载着文明的潮汐;它是一声召唤,邀请你去倾听,去感受,去探索那无止境的音乐宇宙。

作者简介

劉旭明

高雄中學,中原大學土木系,台北傳播藝術學院(TCA)音樂科,中華民國空軍樂隊, 2003美國MI音樂學院( Musicians Institute )G.I.T畢業。

彈奏樂風涵蓋 POP, ROCK, METAL, FUNK, BLUES, LATIN, JAZZ, FUSION 目前從事專業吉他教學,演奏,唱片製作,錄音,以及音樂作家。

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的结构和叙事方式非常与众不同,完全颠覆了我对吉他教材的刻板印象。它不是那种一步步教你弹什么曲子、什么和弦的“教程”,而更像是一次关于音乐哲学和创作精神的深入对话。作者在书中提出的“模糊边界”和“意象化演奏”的概念,让我耳目一新。他鼓励我们不要将吉他局限于某个特定的音乐风格,而是要像一个“声音的探险家”一样,去吸收各种音乐元素,去尝试各种可能性。我特别喜欢他关于“意象化演奏”的讲解,他让我们尝试将脑海中的画面、情绪、甚至是一种感觉,转化为吉他的声音。比如,当我想象一片宁静的湖面时,我的吉他该如何发出那种声音?当我想象一场暴风雨时,我的吉他又该如何表现?这让我开始意识到,音乐不仅仅是音符的组合,更是情感的传达,是意境的营造。我开始尝试在练习时,闭上眼睛,去感受一种情绪,然后用吉他去“画”出这种情绪。虽然这个过程非常抽象,但却让我对音乐有了更深层次的理解。这本书让我明白,吉他演奏的核心不在于技巧的熟练,而在于能否用声音去触动人心,去描绘世界。

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坦白说,这本书的内容对我来说,既是挑战,也是巨大的启发。作者在书中提出的“结构解构”和“时间感知重塑”的概念,完全把我带入了另一个思考维度。他不像传统的吉他书籍那样,关注乐句的构成和音阶的应用,而是从更宏观的角度,去探讨音乐的内在结构和听众的感知体验。我印象最深刻的是,他分析了某些音乐如何通过打破常规的时间流逝感,来制造出一种“失真”或“扭曲”的听觉效果。这让我开始反思,我过去在演奏中是否过于追求线性的流畅,而忽略了通过节奏的变化、速度的对比,来制造更丰富的戏剧性。他鼓励我们去“玩弄”时间,去挑战听众的预期,去创造那种让人意想不到的音乐瞬间。我开始尝试在一些简单的旋律中,故意加入一些突兀的停顿,或者在节奏上进行一些“不合拍”的处理,虽然一开始会让我自己感到有些紧张,但随着练习的深入,我发现这种“错位感”反而能带来一种奇妙的张力和趣味。这本书让我明白,吉他演奏的艺术,不仅仅在于弹奏出优美的旋律,更在于如何运用音乐的元素,去操纵听众的情感和感知。

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这本书我真是爱不释手!从我拿起它到现在,几乎是放不下。它带给我的不仅仅是吉他技巧上的提升,更像是一次心灵的洗礼。作者用一种非常新颖且富有启发性的方式,颠覆了我过去对吉他演奏的理解。他提出的“边缘思考”和“跨界融合”的概念,让我第一次意识到,吉他不仅可以演奏音乐,还可以成为表达思想、传递情感的载体。书中的例子信手拈来,从古典到爵士,从摇滚到电子,每一个段落都像是打开了一扇新的大门。我特别喜欢作者对“失衡美学”的阐述,那种打破常规、挑战听觉习惯的技巧,虽然一开始让我有些不适应,但随着深入阅读,我逐渐体会到其中蕴含的深刻艺术追求。他鼓励读者去探索未知,去拥抱不确定性,这对于我这种总是按部就班练习的吉他手来说,无疑是一次振聋发聩的提醒。我甚至开始尝试将一些非音乐领域的概念,比如建筑学的解构主义,或者绘画的抽象表现主义,融入到我的吉他创作中,虽然过程有些磕磕绊绊,但乐趣无穷。这本书真的让我看到了吉他音乐的无限可能性,也重新激发了我对音乐的热情。我迫不及待地想把书中的一些概念运用到我的实践中,我相信这一定会让我的吉他演奏迈上一个全新的台阶。

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这本关于吉他演奏的书,给我的感觉非常独特,简直像是在阅读一篇哲学论文,只不过主题是吉他。作者在书中探讨的“非线性思维”和“情境即兴”的概念,让我脑洞大开。我过去总以为即兴演奏就是熟记各种音阶和琶音,然后随意组合,但这本书让我明白,真正的即兴是基于对音乐内在逻辑的深刻理解,是对当下情绪和听众反馈的敏锐捕捉。作者用了很多篇幅分析了一些“非传统”吉他手的演奏风格,虽然名字我大多不熟悉,但通过他的文字描述,我仿佛能听到那些打破常规的音符,感受到那些充满张力的节奏。他反复强调“聆听大于演奏”的理念,提醒我们不要沉溺于炫技,而要学会去倾听音乐本身,倾听自己内心的声音。我印象最深的是关于“声音雕塑”的比喻,作者将吉他演奏比作用声音塑造空间,用音色改变听者的感知。这让我意识到,以往我过于关注音符的准确性,而忽略了音色的表现力,忽略了演奏的整体氛围。现在,我会在练习中更加注重拨弦的力度、拨片的选择、甚至是指甲的打磨,试图去探索更丰富、更具个性的音色。这本书让我明白,吉他不仅是乐器,更是一个可以表达复杂情感和深刻思想的艺术工具。

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不得不说,这是一本挑战我固有认知、甚至可以说有些“颠覆性”的吉他书籍。作者的语言风格非常直接,甚至有些犀利,但他提出的观点却极具穿透力。书里有一章是关于“反逻辑的旋律构建”,这对我来说简直是天方夜谭。我一直习惯于按照传统的乐理规则来创作旋律,追求和声的和谐与流畅,但作者却鼓励我去尝试那些“不和谐”的音程,去打破预期的旋律走向,去创造那些听起来“出错”但却充满张力的乐句。他用了很多篇幅来分析一些现代作曲家如何利用噪音、不协和音程来制造戏剧性,并将这些理念巧妙地与吉他演奏联系起来。我开始尝试在即兴演奏中故意加入一些“刺耳”的音,或者在节奏上故意制造一些“断裂感”,起初觉得很别扭,但慢慢地,我开始体会到其中蕴含的释放和张力。这本书让我认识到,音乐的美并非只存在于和谐与平衡之中,有时,恰恰是那些不完美、那些矛盾,才能激发出更强烈的情感共鸣。我甚至开始思考,在我的音乐创作中,是否可以引入一些“混沌理论”的元素,让音乐更加自由、更加不可预测。这本书的阅读体验就像一场智力冒险,每翻一页,都仿佛是在和作者一起探索未知。

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