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出版者:藝術

作者:熊　寥　撰文沙志明　圖說

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:19960000

价格:272.00元

装帧:

isbn号码:9789576722271

丛书系列:

图书标签:

• 紫砂
• 工艺
• 陶瓷
• 茶具
• 收藏
• 艺术
• 中国文化
• 宜兴
• 传统工艺
• 文玩

《东方瓷韵：从宋代窑口到现代创新》 本书将带领读者穿越八百年的时光长河，探寻中国陶瓷艺术的辉煌历程。我们从“中国紫砂”这个广为人知的文化符号出发，但本书的视野却远不止于此，而是将目光投向更广阔的陶瓷领域，展现中国陶瓷文化的博大精深。 第一章：宋韵流芳——汝、官、哥、定、钧的艺术传奇 我们将从宋代五大名窑的极致之美拉开帷幕。汝窑的“雨过天青”，温润如玉，素雅绝伦，仿佛蕴含着天地间最纯粹的精华。官窑的浑厚大气，哥窑的“金丝铁线”，定窑的“白如玉”，钧窑的“窑变万彩”，无不代表着中国古代陶瓷工艺的巅峰。我们会深入探讨这些名窑的烧制技艺、釉色特点、器型风格，以及它们在宋代社会中的地位和影响。通过对传世珍品的细致解读，感受宋代文人雅士的审美情趣和对“器”的极致追求。 第二章：青花依旧——元明清瓷器的新篇章 元代青花瓷的雄浑奔放，开启了中国瓷器的新纪元。从景德镇的崛起，到“元青花”的惊艳世界，本书将细致梳理这一时期瓷器的创新与发展。明代永乐、宣德的青花，以其精湛的钴料运用和丰富的纹饰，达到了艺术与技术的完美结合。嘉靖、万历的青花，则展现了更加世俗化和生活化的风格。进入清代，康熙、雍正、乾隆三朝的彩瓷更是将中国瓷器推向了另一个高峰。珐琅彩的细腻华美，粉彩的柔和雅致，以及转心瓶、镂空瓶等复杂工艺的出现，都体现了当时精湛的制作水平和皇帝的审美导向。我们将从这些器物的釉色、造型、装饰等方面，深入剖析不同时期中国瓷器的艺术特点和时代烙印。 第三章：瓷上乾坤——彩绘、雕塑与器物的功能 除了釉色和烧制工艺，中国瓷器在色彩运用、装饰技法和器物造型方面也展现出无穷的创造力。本书将专题探讨瓷器上的彩绘艺术，从釉下彩的青花、釉上彩的五彩、斗彩，到景德镇创新的粉彩、珐琅彩，每一种彩绘技法都承载着不同的审美意趣和文化内涵。同时，我们也会关注瓷器的雕塑性，如瓶、尊、炉等器物的立体造型，以及贴花、印花等装饰技法，它们如何与器物的实用功能相结合，共同构成了完整的艺术品。从文房雅玩到生活用具，瓷器的功能性在艺术性中得到了完美的体现。 第四章：岭南遗珠——潮州窑与民间陶瓷的生命力 跳出宫廷与名窑的范畴，本书将目光投向中国陶瓷的另一片沃土——民间陶瓷。以潮州窑为代表的南方窑口，孕育了独特的民间陶瓷风格。潮州窑的青瓷、青花瓷、以及晚期带有浓郁地方特色的彩绘瓷，展现了中国民间工艺的生命力和创造力。这些瓷器可能没有“官窑”的光环，却更贴近生活，承载着普通民众的喜怒哀乐和审美情趣。我们将深入挖掘这些被忽视的宝藏，展现中国陶瓷文化的多样性和包容性。 第五章：时代新语——中国陶瓷的现代传承与创新 面对西方文化的冲击和现代社会的发展，中国陶瓷艺术并未止步不前。本书的最后一部分将聚焦于中国陶瓷的现代传承与创新。从20世纪初的“古董局”到当代艺术家的新探索，我们将看到中国陶瓷艺术家们如何在继承传统的基础上，融入现代设计理念和材料科学，创造出独具时代特色的新作品。这些作品可能不再局限于传统的器型和釉色，而是更加注重观念表达和个人风格的体现。通过对当代陶瓷艺术家的访谈和作品分析，展现中国陶瓷艺术在当下焕发的勃勃生机。 《东方瓷韵：从宋代窑口到现代创新》并非一本孤立的陶瓷史，它更像是一面镜子，折射出中国文化、社会、经济、科技的变迁。从宋代的雅致到明清的华丽，再到现代的多元，中国陶瓷艺术始终与时代同呼吸、共命运。本书希望通过细致的梳理和深入的解读，让读者在领略中国陶瓷艺术之美的同时，也能感受到其中蕴含的深厚历史文化底蕴和不竭的创新精神。本书不包含“中国紫砂”的具体内容，但它以更宏大的视角，展现了中国陶瓷艺术的整体风貌，为理解“中国紫砂”在整个陶瓷史上的地位和意义，提供了更为广阔的背景。

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我拿到这本《中国紫砂》时，其实是抱着一种挑剔的心态。我对传统工艺美术史类的书籍通常不太感冒，因为很多都是干巴巴的图录加生硬的考据。然而，这本书的视角相当独特，它没有沉溺于对历代名家的简单罗列和赞美，而是巧妙地将紫砂壶的兴盛与当时的社会文化背景、士大夫阶层的审美变迁紧密地关联起来。比如，书中有一段精彩的论述，分析了清代紫砂器上出现的一些繁复装饰，如何呼应了当时的园林艺术和室内陈设风格，这提供了一个全新的解读维度，让我意识到紫砂壶从来就不是孤立存在的艺术品，而是特定时代精神的物质载体。作者的文笔非常老练，那种运筹帷幄的叙事感，让人感觉不是在阅读一本工艺指南，而是在品鉴一部立体的文化史。尤其对宜兴地方风土人情的描绘，那些关于制壶家族的代代传承、水土对陶土的塑造，文字间充满了江南水乡特有的细腻和韧劲。虽然书中不乏专业的学术探讨，但作者总能用一种非常克制且富有韵味的笔触将其包裹起来，使得即便是对历史不甚了解的读者也能轻松领会其中的精髓。这本书无疑提升了紫砂艺术的文化高度。

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我通常不太喜欢那种过于宏大的叙事，但《中国紫砂》在讲述紫砂历史时，却展现出了一种令人信服的平衡感。它没有将紫砂塑造成一个不朽的、高高在上的神话，而是真实地展现了它在不同历史时期的起伏与挣扎。书中对近代紫砂业在动荡时期所遭遇的困境，以及老一辈制壶艺人如何凭着一股执念艰难维系技艺的描述，读来令人动容。这种对“人”的关注，使得紫砂文化不再是冰冷的物件堆砌，而是充满了人情味和奋斗的痕迹。特别是对当代紫砂艺术的探讨部分，作者没有简单地进行褒贬，而是客观地分析了市场化对传统工艺带来的冲击，以及新一代创作者在继承与创新之间艰难的抉择。这种深入肌理的剖析，让我对整个紫砂产业链有了更立体、更成熟的认识，不再只停留在“买卖”层面。它让我明白，每一把壶的背后，都凝聚着匠人的心血、时代的局限和审美的变迁，这种理解，让我在面对任何一把壶时，都会多一份敬畏和尊重。

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这本书的结构安排，体现了作者深厚的功底和清晰的逻辑。它并非简单的时间顺序排列，而是采取了一种“主题单元+历史脉络穿插”的复合式结构，非常适合深度学习者。比如，它会先用一整个章节深入讲解“紫砂泥的矿藏与陈腐”，全面覆盖地质学和材料学的知识点，然后紧接着在后续章节中，将这些理论知识无缝嵌入到对不同历史时期代表作的鉴赏分析中，形成一个完整的知识闭环。这种写作手法，极大地避免了理论与实践脱节的问题。对于我这种喜欢动手实践的人来说，书中关于“成型工艺”的图解部分简直是宝藏。它对“镶身筒”和“打身筒”两种主要成型方式的步骤分解，结合了线条图和工匠实操照片，清晰到连我这个非科班出身的人都能大致勾勒出制壶的流程。这种严谨的结构，使得知识点的巩固和迁移变得非常自然高效。读完后，我感觉自己像是上了一堂为期数月的专业研修课，收获的不仅仅是知识，更是一种系统性的思维框架。

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这本《中国紫砂》的书简直是为我这种半路出家的爱好者量身定做的！我之前对紫砂壶的认识仅限于知道它贵、好看，但一上手泡茶就各种懵圈。这本书的优点在于它没有一上来就堆砌那些拗口的专业术语，而是像一个经验老道的茶馆老板在跟你拉家常。比如，它对不同泥料的介绍，不是简单地罗列成分，而是细致地描述了“泥巴”在手中揉捏时的触感变化，那种温润如玉和略带颗粒感的区别，读起来仿佛能亲手摸到泥料一样。更让我惊喜的是，书中对“砂性”的解读，简直是拨云见日。我以前总觉得紫砂壶的“砂性”是个玄乎的东西，但作者通过大量的实物对比图和泡茶过程中的水流变化解析，清晰地展示了砂性如何影响茶汤的凝聚力和香气的保持。特别是有一章讲到“明代文人壶”的流变，从朴拙到精巧的审美转移，配图的放大细节非常到位，让我第一次理解了为什么同样是朱泥，不同时期的壶会有那么大的神韵差异。读完这部分，我立刻信心大增，感觉自己对紫砂壶的鉴赏水平至少提升了一个台阶，不再是只看表面花纹的门外汉了。这本书的叙事节奏把握得非常好，既有历史的厚重感，又不失实用指导的温度，非常适合想真正“玩懂”紫砂的人。

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说实话，这本书的装帧和印刷质量是第一眼吸引我的地方，拿到手上就感觉分量十足，这不是那种廉价的速食读物。不过，更让我满意的是其图版资料的专业程度。作为一名长期关注拍卖市场的业余藏家，我深知高质量的实物照片对于辨别真伪和研究器型的重要性。这本书在这方面做得极其出色，那些高清的、多角度拍摄的代表性作品，尤其是那些细节处的刻款和泥色过渡，简直可以作为工具书来使用了。比如，书中对“光素器”的解析，每一张对比如图都清晰地展示了“筋纹器”中每一道棱线的力度和收尾的干净程度，这在很多其他书籍中是难以企及的。我甚至发现了一些我之前在展览中未曾注意到的细微差异点，这些差异在书中被用放大镜的方式呈现出来，极大地拓宽了我的观察视野。对我而言，这本书更像是一本“案头秘书”，每当我对某一件器物产生疑惑时，翻开它总能找到权威且直观的参照。它不仅仅是知识的传递，更是一种视觉和认知的训练，让我学会了如何去“看”一件紫砂壶，而不是仅仅“欣赏”它。

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