具体描述
Featuring 50 seminal short films by key animators from around the world, this book discusses the work of early pioneers such as Oskar Fischinger and Jan Svankmajer as well as contemporary animators such as Larry Cuba, Tim Hope and Run Wrake. All of the films included are independently produced personal work. Most of the featured directors make a living in commercial animation but, freed from the constraints of a client brief, they use their short films to experiment with new ideas and techniques, many of which subsequently find their way into commercial applications. Labors of love, these films can take years to complete - each second of the film may consist of up to 25 frames of animation. Grouped according to four main themes, all forms of animation are covered, including 2D, 3D, Claymation, stop frame and web/Flash animation. Each project is accompanied by a 500-word review including comments from the director. Details of software and method along with the internet address of the production company are given in the technical credits.
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用户评价
这本《动画无限》的书，说实话，从封面到内页的排版，都透露着一股子老派的匠人气息。我本来对这类动辄就想“突破边界”的标题有点警惕，总觉得会是空泛的理论堆砌。但翻开第一章，我立刻被作者那种近乎偏执的细节描述给吸引住了。他不是在谈论宏大的“动画艺术哲学”，而是在拆解一帧画面是如何被赋予生命力的——比如一个角色眨眼时，眼皮肌肉群的微小牵动，或是光线穿过透明材质时折射出的微妙色彩变化。这种深入骨髓的技术剖析，简直让人手痒，恨不得立刻跳进自己的工作台，重新审视每一个动画曲线。我尤其欣赏他对于“时间感”的论述，那不仅仅是速度快慢的问题，更是如何通过停顿、蓄力与爆发，来引导观众的情绪流向。书中引用的案例大多来自那些经典到不行的作品，但作者的解读角度极其刁钻，总能从那些被奉为圭臬的瞬间里，挖出一些被业界集体忽略的“技术黑箱”。对于想精进手艺的动画师而言，这本书与其说是指南，不如说是一本高级技艺的“解剖学图谱”，读完后，你再看任何动画，都会不自觉地进入一种“分析模式”，那种“原来如此”的顿悟感，值回票价。
评分老实讲，我买这本书的时候，主要冲着那些业界传奇制作人的访谈去的，以为会读到一些八卦或者行业内幕，结果大出所料。这本书的重点完全放在了“叙事载体”的跨界融合上。作者似乎对“动画”这个词的定义有种近乎苛刻的坚持，他反复强调动画的本质是“运动的幻觉”如何服务于“情感的投射”。书中有几篇章节专门对比了从早期的皮影戏、木偶剧到现代的实时渲染CG之间的逻辑关联，观点极其新颖。比如，他将交互式媒体（比如游戏动画）中的“即时反馈循环”比作是对传统动画“帧间信息缺失”的一种强行弥补，这角度让我耳目一新。阅读过程中，我时不时需要停下来，在脑海中构建他描述的那些理论模型，感觉像是在上一堂高阶的媒介理论课，但又不像课本那样枯燥。那些关于“观众的无意识参与”如何影响动画节奏的讨论，尤其让我这个常年与剧本打交道的创作者受益匪浅。它迫使你思考，你所创造的“运动”本身，是否在不经意间误导了观众的期待。这是一本要求你进行深度思考，并且拒绝简单归纳的“挑战者”之书。
评分这本书给我带来的冲击，主要源于它对“噪音”和“瑕疵”的推崇。在如今追求完美无瑕的数字时代，我们似乎都患上了“洁癖”，任何抖动、卡顿、不连贯都被视为失败的证据。然而，这本书却用大量的篇幅，赞美了那些技术不完美所带来的叙事张力。作者收集了大量早期电影胶片扫描时产生的划痕、跳帧，甚至是被意外曝光的画面，并论证了这些“错误”是如何无意中增强了作品的年代感和情感冲击力。他将这些偶然性视为动画创作中不可或缺的“随机变量”，认为过度的光滑和精确反而会削弱角色的“人性”或故事的“命运感”。这种反主流的观点，让人耳目一新，甚至有点振聋发聩。它鼓励创作者放下对绝对控制的执念，学会与“失控”共舞。对于那些被软件限制了想象力的年轻动画人来说，这本书就像一剂强心针，告诉他们，有时，不完美的表达才是最直击人心的艺术。
评分读完这本厚重的作品，我最大的感受是，作者似乎在试图构建一个超越地域和时代的“动画语法”体系。他不断地在探讨，当我们将运动定义为信息传递时，哪些元素是普适的，哪些是文化特有的糟粕。这本书的结构非常松散，不像传统教材那样层层递进，更像是一个充满灵感的知识碎片集市，需要读者自己去搭建连接。我尤其对其中关于“符号化运动”的章节印象深刻——作者分析了不同文化中，一个“惊讶的跳跃”或“沮丧的低头”在节奏上如何进行转译，才能保持其情感效力。这超越了单纯的技法层面，进入了人类心理学和符号学的交叉地带。我发现，过去我总是在模仿别人的“如何做”，这本书却在教我理解“为什么这样做会有效”。它更像是一本哲学思辨录，用动画这个载体，探讨了人类感知运动和时间的基本模式。这本书不适合想快速学会软件操作的人，它更适合那些想知道“我们为何要创造运动”的资深从业者或理论研究者，它提出的问题，比它给出的答案要深刻得多。
评分这本书的装帧设计简直是场灾难，但内容却令人拍案叫绝。我得承认，我一开始差点就因为它那土气的封面和略显粗糙的纸张给错过了。但这正应了那句话，内里乾坤。这本书的精髓在于它对“非主流”动画形式的致敬与梳理。它没有将篇幅过多地浪费在迪士尼或皮克斯的流水线流程上，反而将大量的篇幅献给了实验动画、定格动画的幕后工艺，甚至是那些利用光学错觉制造的早期动画效果。作者对于材料和物理限制在艺术表达中的决定性作用有着深刻的见解。他用近乎诗意的语言描述了黏土如何被塑形，毛毡如何被定格，以及每一个微小的手工调整如何在最终的影像中产生巨大的“重量感”和“真实感”。对于我这种热衷于手工制作的动画人来说，这简直是久旱逢甘霖。书中的许多步骤图解，虽然排版不佳，但信息密度极高，那种靠经验积累下来的“诀窍”被清晰地记录下来，远比那些浮于表面的教程来得实在。读完后，我感到自己对动画的“物质性”有了全新的认识，不再仅仅将其视为屏幕上的像素流。
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