具体描述
基于理论与实践相结合的宗旨，本书紧密结合信息技术应用和教育信息化的发展需要，介绍多媒体课件设计的基本原理及其技术和方法。
全书内容分为基础篇、开发篇和提高篇3大部分。基础篇分4章，主要介绍多媒体计算机辅助教学的概念、多媒体课件设计依据的学习理论、多媒体课件系统开发的方法和步骤及多媒体信息素材采集和编辑的基本方法；开发篇分9章，主要以Authorware 7.O作为课件开发环境，介绍多媒体课件中常见的结构类型和基本教学模式对应各个教学单元、环节的开发制作的具体方法和技术；提高篇分两章，主要介绍系统变量、函数、高级编程和课件中高难度教学环节开发的技巧和方法。
每章章首有明确的教学目标，章末有紧密结合该章内容的“思考与练习”。配书光盘包含全书所有示例源程序文件和所使用的多媒体素材。
本书可作为教育技术专业“多媒体课件设计”课程的教材、师范类各专业教学用书或参考书及中小学教师信息技术培训教程，也可作为广大教师、教育技术工作者的参考书。
电影艺术的视觉语言：从蒙太奇到数字特效 作者：[此处留空，作者信息需根据实际情况填写] 出版社：[此处留空，出版社信息需根据实际情况填写] --- 内容提要 本书深入剖析了电影艺术的核心——视觉语言的构建与演变。我们不关注教学软件的制作流程，而是将焦点完全聚焦于光影、构图、剪辑以及声音在叙事中所扮演的不可替代的角色。全书旨在为电影制作人、理论研究者以及深度电影爱好者提供一套系统的分析框架，用以理解经典电影的叙事密码，并探讨当代数字技术如何重塑这些传统语言。 全书分为四大核心板块，层层递进，构建起对电影本体论的深刻理解。 --- 第一部分：奠基石——光影、构图与空间构建 本部分从电影最基础的物质媒介——光线和二维平面（画面）出发，探讨它们如何被导演转化为具有情感张力的空间叙事工具。我们认为，电影的魅力首先源于对“观看”行为的精确引导。 第一章：光线的雕塑：明暗对比与情感温度。 本章详细解析了光线在非教学环境下的戏剧性作用。从伦勃朗光到逆光剪影，我们考察了不同布光方式如何直接影响观众对角色心理状态的感知。重点分析了卡拉瓦乔式的强烈明暗对比在黑色电影（Film Noir）中的应用，以及自然光在现实主义电影中如何营造“在场感”。书中通过大量的案例分析（如安东尼奥尼和塔可夫斯基的作品），展示了光线如何成为角色内在冲突的外部投射。 第二章：画面的几何学：构图法则的打破与重建。 我们探讨了古典透视法、三分法等传统绘画构图原则在电影中的继承与变异。重点分析了景深（Deep Focus）的哲学意义，尤其是在奥逊·威尔斯和让·雷诺阿的作品中，如何利用深焦镜头迫使观众主动选择关注点，从而实现叙事的复杂性。此外，本章还深入研究了垂直与水平线在构建稳定感或不稳定感方面的心理学效应。 第三章：银幕空间：封闭、开放与舞台调度。 本章侧重于如何利用摄影机运动和场面调度（Mise-en-scène）来定义银幕上的三维空间。从固定机位对剧场感的强调，到跟随镜头对角色主观视角的模拟，我们分析了空间关系如何暗示权力结构或情感疏离。对空间层次感的处理，例如前景、中景和背景的并置，如何创造出多重叙事线索，是本章的核心议题。 --- 第二部分：时间的炼金术——剪辑的节奏与意义 如果说摄影是捕捉瞬间，那么剪辑就是重塑时间。本部分完全脱离了流程化、模块化的剪辑概念，专注于剪辑作为一种艺术语言所产生的认知冲击和情感共鸣。 第四章：蒙太奇理论的谱系：从爱森斯坦到戈达尔。 本章系统梳理了早期苏联蒙太奇学派的理论基础，特别是“冲突性剪辑”的原理。我们详细探讨了知觉蒙太奇（Perceptual Montage）与思想蒙太奇（Intellectual Montage）的差异，并通过对《战舰波将金号》等经典片段的逐帧分析，揭示剪辑如何超越场景衔接，直接向观众灌输观念。随后，我们转入对法国新浪潮“跳接”（Jump Cut）的分析，阐释其如何打破线性时间的幻觉，强调“电影制作”这一行为本身。 第五章：节奏的掌控：长镜头与碎片剪辑的张力。 本章对比了两种极端的时间处理方式。一方面，我们分析了贝拉·塔尔等导演如何利用极长的固定镜头，迫使观众进入一种近乎冥想的状态，体验时间的“真实流逝感”。另一方面，我们考察了现代动作片中快速、碎裂的剪辑如何服务于肾上腺素的爆发，并讨论了其视觉负荷的极限。节奏不仅是速度，更是信息密度与情绪起伏的函数。 第六章：视听的同步与异位：声音与画面的对话。 本章将声音完全视为剪辑的一部分。我们探讨了画外音（Off-screen sound）如何扩展银幕空间，以及同期声在营造真实感和非同期声在制造心理不安感方面的作用。特别关注“声音的对位”（Counterpoint），即画面内容与声音主题相悖时所产生的强大反讽效果。 --- 第三部分：人物的塑造与叙事模式 本部分关注视觉语言如何服务于角色的深度刻画和复杂叙事的展开，完全避开对“教学目标达成”的讨论。 第七章：主观性与客观性：摄影机视角的伦理选择。 我们分析了POV（Point of View）镜头在建立观众共情或制造窥视感之间的微妙平衡。从隐藏在暗处的“全知视角”到紧密跟随角色的“主观视角”，本章探讨了导演通过镜头选择，对叙事信息的控制权进行了怎样的分配，以及这种分配如何影响观众对角色道德的判断。 第八章：符号学解读：服装、道具与隐喻系统。 本章将电影中的元素视为一种视觉符号系统。颜色不再是单纯的装饰，而是被赋予特定文化或心理含义的编码。我们分析了道具（如《公民凯恩》中的“玫瑰花蕾”）如何作为叙事核心的象征物，贯穿始终。这部分强调的是符号的生成和消解过程，而非工具的功能介绍。 第九章：经典叙事结构的反思：线性与非线性时间的挑战。 本章解构了三幕剧的传统框架，并重点研究了非线性叙事（如《低俗小说》《罗拉快跑》）如何利用时间错位来强调命运的偶然性或宿命感。我们关注的是叙事结构本身如何被视觉化，以及观众如何在大脑中重建破碎的时间线。 --- 第四部分：数字时代的视觉变迁与未来 本部分探讨技术革新对既有视觉语言的影响，聚焦于特效与后期制作如何成为新的叙事工具。 第十章：CGI的本体论：真实与幻觉的边界消融。 本章批判性地审视了计算机生成图像（CGI）的发展。我们讨论了“完美”的数字画面对观众“电影感”的侵蚀，以及过度依赖特效如何削弱了早期电影中光影与实景的内在张力。重点分析了数字去老化技术和虚拟替身在伦理和美学上的挑战。 第十一章：色彩校正的心理学：从胶片颗粒到数字调色。 本章深入分析了现代数字调色（Color Grading）如何替代了传统化学冲印对画面的最终定调。通过分析《辛德勒的名单》的黑白处理与《阿凡达》的饱和高对比度，我们探讨了调色板如何成为一种强效的、潜意识的情绪调节器，以及数字流程如何使这种控制达到了前所未有的精度。 第十二章：沉浸式叙事：宽银幕、3D与全景声的未来。 最后，本章展望了下一代电影媒介，如沉浸式体验（VR/AR）和环绕立体声系统，如何从根本上改变观众与叙事空间的关系。我们探讨了当“观看”变成“身处其中”时，传统的构图和剪辑法则是否需要被重写。 --- 本书致力于提供一种严肃、深入的电影艺术批评视角，旨在提升读者对电影作为一种独特视觉媒介的鉴赏能力，并理解其语言系统的复杂性与历史厚度。
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