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出版者:浙江大学出版社

作者:陈斌

出品人:

页数:263

译者:

出版时间:2004

价格:15.00元

装帧:

isbn号码:9787308040433

丛书系列:

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好的，以下是一本名为《光影流转：电影美术设计的前世今生》的图书简介，内容详实，力求展现专业深度与历史厚度： --- 光影流转：电影美术设计的前世今生 深入探索视觉叙事的灵魂：从默片时代的布景到数字时代的无限可能 图书简介 《光影流转：电影美术设计的前世今生》是一部全面、深入且极具洞察力的学术专著，旨在系统梳理和剖析电影美术设计——这门融合了艺术史、建筑学、工业设计和叙事理论的综合性学科——的发展脉络、核心技法及其在当代电影制作中的决定性作用。本书并非仅仅停留在对经典影片美术风格的简单罗列，而是着重探讨美术设计如何作为一种无声的叙事语言，与剧本、摄影、表演共同构建起观众对一个虚构世界的认知与情感共鸣。 第一部分：起源与奠基——默片时代的视觉魔法与早期工业化 本书的开篇追溯至电影艺术的萌芽阶段。在默片时代，色彩的缺失反而催生了对光影、构图和实体布景的极致依赖。我们将详细分析早期制片厂如爱迪生公司、派拉蒙等如何通过搭建早期的“场景车间”来标准化场景的生产。重点章节将聚焦于德国表现主义电影的崛起，如《卡里加里博士的小屋》，解析其如何利用非欧几里得的、扭曲的几何布景，直观地表达人物的内在心理状态，确立了美术设计服务于主题思想的先河。 随后，我们进入有声电影时代对美术设计的冲击与革新。对白和灯光的介入，要求布景不再只是背景，而必须具备声学和视觉上的双重功能。这一时期，艺术指导（Art Direction）的概念逐渐成型，电影公司开始设立独立的艺术部门，标志着美术设计成为电影工业体系中不可或缺的一环。 第二部分：黄金时代的华章——风格的熔炉与经典美学的确立 二十世纪三四十年代，好莱坞步入黄金时代，各类风格在此熔炉中淬炼成熟。《光影流转》用大量篇幅剖析了这一时期几位大师级艺术指导的贡献。例如，深入探讨威廉·卡梅隆·门茨斯（William Cameron Menzies）在《乱世佳人》中如何通过宏大且极具层次感的布景，展现美国南方的气魄与颓败；以及德斯蒂·莱昂斯（ যে 達斯蒂・里 昂斯）在黑色电影（Film Noir）中如何运用极简的布景元素、强烈的明暗对比（Chiaroscuro）和标志性的窗框阴影，营造出弥漫性的不安与宿命感。 本部分还详细考察了欧洲电影对本土文化元素的应用。从法国的诗意现实主义到意大利的现实主义运动，美术设计如何从奢华的舞台感转向对真实环境的尊重与重构，为后续的国际电影风格的多元发展打下坚实基础。 第三部分：现代主义的转向——空间、解构与反思 二战后，电影语言进入现代主义阶段。美术设计开始质疑传统布景的“真实性”与“美观性”。本书将分析新浪潮运动中对自然光和实景拍摄的偏好，以及如何通过“非设计”的设计，让场景本身成为角色。 重点关注意大利新现实主义（如德西卡的作品）如何利用废墟、贫民窟等真实环境，模糊了“布景”与“现实”的界限。同时，我们也探讨了在科幻与史诗片中，如《2001：太空漫游》等作品，如何首次将未来主义的建筑学理念引入主流叙事，美术指导与特效团队的早期协作模式浮出水面，预示着未来的技术变革。 第四部分：技术的革命与数字时代的融合 进入七八十年代，随着微缩模型、透视画板以及早期计算机图形技术的引入，电影美术设计的工具箱被彻底拓宽。《光影流转》详细梳理了这一技术飞跃的关键节点。 从《星球大战》系列对“磨损感”和“实用未来主义”的追求，到《银翼杀手》中对赛博朋克（Cyberpunk）城市环境的精细建构，本书阐释了这些设计如何在有限的物理制作条件下，利用新材料和新视角，创造出令人信服的宏大世界观。 本书的后半部分聚焦于二十一世纪的数字革命。我们将深入剖析计算机生成图像（CGI）和虚拟制景（Virtual Production）技术对传统美术部门带来的颠覆性影响。例如，数字化集合（Digital Sets）如何解放了物理空间的限制，但同时也对艺术家的“空间想象力”提出了新的要求——从实体雕塑家转变为“像素建筑师”。探讨如何平衡实景拍摄（Practical Effects）的质感与数字渲染的无限可能性，是当代美术设计面临的核心议题。 第五部分：跨文化视野与未来趋势 最后，本书拓展至全球视野，比较了亚洲电影（如日本的物哀美学在美术中的体现，或香港动作片对城市空间的独特利用）与欧美体系的差异。同时，探讨了增强现实（AR）和沉浸式体验（Immersive Experience）对未来电影美术设计的影响，以及美术指导在游戏设计、主题公园开发等领域角色的延伸。 《光影流转》不仅是电影专业学生的案头必备，也是对所有热爱电影艺术、热衷于探究视觉叙事背后的复杂工艺的观众，提供的一张详尽的地图。它揭示了每一帧画面背后，那些关于空间、光影、材料与情感的精心考量与不懈追求。 ---

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看后记，看得出两位作者都是年轻的专业研究者，挑了这个鲜有人涉足的领域写书，本来是要接受读者的敬意的，但是他们的治学态度应该批评，看看附录的几份单子就知道了。 附表2金鸡奖最佳音乐奖揪错如下： 第十三届 应为 第十四届 金馥载 应为 金复载 出现两个“第二十届”，二...  

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这本《影视音乐》的书，说实话，我刚拿到手的时候，心里是有点犯嘀咕的。我是一个骨灰级的影迷，更痴迷于那些能把画面和情感瞬间升华的配乐。我期待的是那种能深入剖析约翰·威廉姆斯是如何用铜管乐烘托出史诗感的史诗，或者汉斯·季默那些标志性的、充满颗粒感的音景是如何在诺兰的电影中构建时间与空间的。《影视音乐》这个名字太宽泛了，像一块巨大的海绵，我不知道它里面到底吸纳了多少干货。翻开目录，我心里咯噔一下，里面讲的很多音乐理论和历史发展脉络，虽然学术性很强，但总感觉少了点什么——那种直击人心的“为什么这段音乐让你落泪”的灵魂拷问。比如，书中花了很大篇幅去讲解二十世纪初欧洲歌剧对早期好莱坞配乐的影响，数据详实，引用精准，但我更想知道的是，当主题旋律响起时，作曲家当时在午夜的录音棚里是如何拿捏那个情感的微小颤动。它更像一本教科书，严谨、全面，但对于一个只想沉浸在《教父》的萨克斯风里不愿出来的老乐迷来说，它显得有点“高高在上”了。我希望它能更“脏”一点，更“感性”一点，少一点对和弦进行的教科书式解读，多一点对那些光影交错中，音乐如何成为角色的内心独白的细腻描摹。

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我曾经非常期待这本书能对近十年来的流媒体原创剧集的配乐风格做出深入的探讨，特别是那些融合了地域性民乐和现代电子乐的创新尝试。我心中的“影视音乐”概念，早就跳脱出了好莱坞的经典范式。当我翻到后半部分时，发现它对近二十年的流媒体爆炸式增长带来的配乐多元化趋势，仅仅是草草带过，更像是对“新趋势”的一种礼节性提及，而非深入剖析。书中大量篇幅依然聚焦于“黄金时代”和“新好莱坞”时期那些里程碑式的作品，这些作品当然重要，但它们已经有太多太多的书籍和纪录片去论述了。我更想看到的是，新的技术（比如AI辅助创作）如何正在悄然改变配乐师的工作流程，或者某部小众但配乐极具风格的欧洲独立电影是如何在预算有限的情况下，用极少的乐器打造出史诗感。这本书给我的感觉是，它在历史的长河中巡航得非常稳健，但对于那些正在激荡的、充满不确定性的“新水域”，它选择放慢了船速，甚至有些保守了。

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这本书的排版和资料的引用，简直是强迫症患者的福音。每一章的注释都详细到令人发指，参考文献列表厚得可以当枕头。我尝试从里面寻找一些“八卦”或者那些被主流评论忽略的幕后花絮，比如某位大牌配乐大师在创作某个著名片段时遭遇的灵感枯竭，或者与导演之间的“史诗级”争吵。然而，这本书展现给我的，是一个高度“去人化”的音乐世界。它把音乐创作过程抽象化为一系列可分析的结构和技术手段。例如，在讨论“悬念”的营造时，它会精准地给出半音阶的使用频率和节奏模进的数学关系，这无疑是精确的。但是，我总觉得，艺术的魅力往往在于那些“不精确”的地方——那种违反规则的、一闪而过的直觉。这本书让我仿佛站在一个巨大的、布满精密仪器的实验室里观察音乐的构造，我能看到所有的齿轮都在完美转动，但我错过了欣赏音乐厅里灯光打在小提琴弓弦上那一刻的流光溢彩。它太注重“骨架”的支撑，而对“血肉”的丰满着墨较少。

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坦白讲，这本书对非专业人士来说，阅读门槛略高。它不是那种可以随便翻开一页，就能立刻获得愉悦感的“伴读良品”。里面的术语密度非常高，比如对“Leitmotif”在不同作曲家处理下的细微差别分析，需要读者本身具备一定的音乐基础知识才能跟上思路。我是一个喜欢在通勤路上享受阅读乐趣的读者，通常希望书籍能提供一种流畅的、无阻碍的体验。但这本《影视音乐》，要求你时刻保持高度的专注，像在解一道复杂的数学题。它没有太多引人入胜的小故事来串联起枯燥的理论段落。例如，在讨论交响配乐的结构时，它倾向于用图表和段落分析来解释，而不是通过讲述一个具体场景的配乐是如何一步步从空白画布变成恢弘乐章的过程。对我来说，它更像是一部等待被拆解和研究的“工具书”，而不是一本能与心灵进行共鸣的“故事书”。我阅读完后，感觉知识体系是建立起来了，但“感动”却被留在了书本之外。

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拿到这本书后，我花了整整一个周末来消化，感觉自己像是在上完了一堂强度极高的专业大师课，大脑皮层被各种术语和历史节点轰炸了一番。我的关注点一向比较“尖锐”，我总想知道那些幕后工作的“黑科技”——比如，在数字音频工作站（DAW）普及之前，录音师是如何处理那些巨大的管弦乐队的声场平衡的？这本书里对录音棚技术的介绍，更多是从声学原理入手，强调了混响和延时的物理特性，这对于理解声音的本质无疑是有益的。但是，我发现它对具体到某部电影，比如《角斗士》中丽莎·杰拉德那空灵的吟唱是如何被捕捉和融入汉斯·季默那磅礴的交响乐中的那种“现场感”的描述，着墨不多。它似乎更热衷于在宏观上梳理从早期的默片伴奏到后来的电子乐合成器时代的演变轨迹，这使得整本书的基调偏向于一种冷静的、历史学的梳理。说实在的，这本书很“硬核”，它适合那些想成为电影配乐理论家的学生，但对我这个只想知道“为什么那一声鼓点能震碎我的耳膜”的普通观众而言，它给我提供了地图，却没有指明我最想去探访的那座宝藏的入口。

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不想解释。。。过几天要被的书。。。

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背书被到恶心????

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我草，作者还有程晋好不好！我们老师虽然头发少了点，但也不能不把人家当回事儿啊！~

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不想解释。。。过几天要被的书。。。

评分☆☆☆☆☆

不想解释。。。过几天要被的书。。。