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出版者:高等教育

作者:王宏建 袁宝林

出品人:

页数:613

译者:

出版时间:1994-7

价格:25.70元

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isbn号码:9787040047707

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《光影的叙事：从具象到抽象的视觉革命》 第一章：凝视的起源——早期人类的符号与图像 在远古的洞穴壁画中，人类的目光首次被艺术捕获。那些用赤铁矿和木炭勾勒出的野牛、马匹和鹿的形象，不仅仅是对狩猎场景的记录，更是人类最早的想象力和对世界的理解。它们是沉默的语言，传递着先民的信仰、祈愿与生存的智慧。本章将追溯艺术的源头，探索早期人类如何通过具象的符号和图像，构建他们与自然、与神秘力量之间的联系。我们将深入研究那些跨越数万年的壁画，分析其构图、色彩的运用，以及它们所蕴含的象征意义，从而理解艺术作为人类精神活动的最初萌芽。 第二章：文明的刻痕——古埃及、古希腊与古罗马的艺术之光 当人类社会进入文明时代，艺术的表达也随之成熟。古埃及的金字塔、陵墓壁画与雕塑，以其严谨的构图、程式化的造型和对永恒的追求，展现了一个神权至上的法老王朝的辉煌。它们是对来世的祈祷，也是对秩序的颂扬。 古希腊人则以对人体的完美追求和对理想美的探索，将艺术推向了新的高峰。从帕特农神庙的宏伟建筑到米洛的维纳斯、丢丢的青年雕塑，无不彰显着理性、和谐与人文精神。古典主义的比例、解剖学的精确，以及对神话故事的生动演绎，塑造了西方艺术的审美基石。 古罗马人继承了希腊的艺术传统，并在此基础上融入了现实主义的精神和对力量、秩序的强调。巨大的斗兽场、凯旋门、写实的肖像雕塑，都体现了罗马帝国的强大与繁荣。本章将重点探讨这些伟大文明如何通过各自独特的艺术语言，记录历史、表达信仰、赞颂权力，并为后世的艺术发展奠定坚实的基础。 第三章：神圣的低语——中世纪欧洲的宗教艺术与哥特之魂 随着罗马帝国的衰落，基督教在欧洲逐渐成为主导力量，艺术也因此被赋予了更强烈的宗教色彩。中世纪的教堂，从罗马式厚重的拱券到哥特式高耸的尖塔，无不充满了神圣的庄严感。拜占庭马赛克的璀璨光辉，描绘着圣经故事和神圣的景象；冰岛手抄本的精美插图，则将宗教故事以细腻的手法呈现。 哥特艺术更是中世纪艺术的巅峰。高耸的教堂、巨大的彩色玻璃窗、纤细的雕塑，共同营造出一种向上飞升、直达天国的神秘氛围。这些艺术作品不再仅仅是装饰，更是向信徒传递教义、激发虔诚的载体。本章将深入剖析中世纪艺术如何服务于宗教信仰，探讨其独特的象征体系、精神内涵以及在特定历史背景下的艺术特征。 第四章：文艺复兴的曙光——人文主义的觉醒与古典的复兴 当历史的钟摆拨向十四世纪，一股强大的思想解放运动——文艺复兴，席卷了欧洲。在对古希腊罗马艺术的重新发掘和学习中，人文主义的思想逐渐取代了中世纪的神权至上。艺术家们开始关注人本身，关注现实世界的美丽与复杂。 达·芬奇的《蒙娜丽莎》神秘的微笑，米开朗琪罗《大卫》健美的身姿，拉斐尔《雅典学院》对哲学家的生动描绘，都标志着艺术进入了一个崭新的时代。透视法的成熟运用，解剖学的精进，以及对色彩和光影的精妙把握，使得艺术作品呈现出前所未有的真实感和生命力。本章将重点讲述文艺复兴时期艺术家们如何将古典艺术的精髓与人文主义精神相结合，如何在绘画、雕塑、建筑等领域取得辉煌成就，以及他们对人类文明的深远影响。 第五章：巴洛克的激情与洛可可的绮丽——感官的盛宴 紧随文艺复兴之后，艺术风格走向了更加奔放和戏剧化的表达。巴洛克艺术以其宏大的构图、强烈的动感、戏剧性的光影对比和丰富的情感张力，营造出一种震撼人心的视觉效果。卡拉瓦乔的明暗对比，贝尼尼雕塑的动态美，鲁本斯画作的丰腴热情，都将观众带入一个充满激情和力量的世界。 而到了十八世纪，洛可可艺术则以其轻盈、细腻、优雅和精致的风格，满足了贵族阶层的审美趣味。柔和的色彩、不对称的曲线、繁复的装饰，以及对爱情、自然、田园生活的描绘，使得洛可可艺术成为一种充满愉悦和享乐的风格。本章将对比分析巴洛克艺术的宏伟叙事与洛可可艺术的细腻情趣，探讨它们在不同社会背景下的艺术特征和审美取向。 第六章：新古典主义的回响与浪漫主义的呐喊——理性与情感的碰撞 在对十八世纪享乐主义的回应中，新古典主义艺术重新强调古典主义的秩序、和谐与理性。大卫的宏伟历史画，以其清晰的构图、庄重的风格和道德的说教，呼唤着对古希腊罗马美德的回归。 然而，对情感的压抑终究无法阻挡浪漫主义的勃兴。艺术家们开始将个人情感、主观体验、对自由的渴望以及对自然的崇拜置于核心地位。德拉克洛瓦充满激情的色彩，戈雅笔下对现实的残酷揭示，透纳描绘大海的磅礴气势，都展现了浪漫主义艺术的强大生命力。本章将深入探讨新古典主义的理性回归与浪漫主义的情感释放之间的艺术辩证关系，分析它们各自的艺术语言和时代意义。 第七章：现实的凝视——现实主义与印象派的革命 十九世纪中期，一股新的艺术潮流——现实主义，横空出世。艺术家们不再满足于描绘历史、神话或虚构的场景，而是将目光投向了当下，关注普通人的生活，描绘工厂、农民、工人等社会现实。库尔贝对农民辛勤劳作的真实刻画，杜米埃对社会现实的讽刺批判，标志着艺术的重心从理想转向了现实。 紧随其后，印象派艺术家们又一次颠覆了传统的绘画观念。他们不再追求细节的精确，而是捕捉光线在物体上的瞬间变化，用破碎的笔触和鲜明的色彩来表现物体的“印象”。莫奈对光影变幻的极致追求，雷诺阿对日常生活欢乐场景的描绘，德加对芭蕾舞者和赛马的生动捕捉，使得艺术进入了一个全新的视觉时代。本章将重点阐释现实主义对社会现实的忠实记录，以及印象派如何通过对光线和色彩的革新，为现代艺术的到来铺平了道路。 第八章：色彩的解构与形式的探索——后印象派及早期现代艺术 印象派的革命性探索并未止步。后印象派艺术家们在继承印象派对色彩和笔触的重视之外，更加强调个体的形式感和情感表达。梵高的炽烈情感，高更对原始色彩的运用，塞尚对物体结构的分析，都为20世纪的艺术发展埋下了伏笔。 紧接着，野兽派、立体派、未来主义等早期现代艺术流派如雨后春笋般涌现。马蒂斯用大胆的色彩颠覆传统，毕加索将物体分解重组，布拉克探索多维度的空间，意大利未来主义者则歌颂机械和速度。这些艺术家们大胆地解构具象，探索新的形式语言，挑战传统的审美边界。本章将梳理从后印象派到早期现代艺术的演进脉络，分析这些流派如何通过对色彩、形式、空间等元素的创新，为后来的抽象艺术打开了大门。 第九章：抽象的诗篇——从点、线、面到纯粹的精神 当具象的束缚被彻底打破，艺术进入了抽象的领域。康定斯基认为色彩和线条本身就具有独立的情感和精神力量，他用非具象的语言创作出充满音乐感的画面。蒙德里安则追求纯粹的几何形式和色彩，希望通过《红、黄、蓝的构成》等作品来表达宇宙的和谐。 抽象表现主义则将情感的释放推向了极致。波洛克“滴画”式的创作方式，罗斯科的大色域作品，都以其巨大的尺寸和强烈的个人情感表达，震撼着观众。本章将深入探讨抽象艺术的起源和发展，分析不同抽象流派的艺术理念和表现手法，理解艺术家如何通过点、线、面、色彩等基本元素，直接触及观众的情感和精神世界，创作出纯粹的视觉诗篇。 第十章：多元的融合与当代的语境——观念、形式与社会的回响 进入二十世纪下半叶至今，艺术呈现出前所未有的多元化和包容性。波普艺术以大众文化为素材，质疑艺术的定义；极简主义追求最纯粹的形式；概念艺术则将思想置于作品本身之上。装置艺术、行为艺术、影像艺术等新兴媒介的出现，极大地拓展了艺术的表现范畴。 当代艺术不再局限于单一的风格或媒介，而是更加关注社会议题、文化反思、科技发展以及个体经验。艺术家们通过各种方式进行跨学科的探索，与观众进行互动，试图引发更深层次的思考。本章将审视当代艺术的丰富面貌，分析不同流派和艺术家的创作实践，探讨艺术如何与社会、科技、哲学等领域发生深刻的融合，以及当代艺术在当下语境中扮演的角色和价值。

评分☆☆☆☆☆

美术概论》为何书 且让我娓娓与你道来 《美术概论》是一本定价为REM25.70圆在图书市场可打八折由王宏建袁宝林主编高等教育出版社出版32开加封面封底编写说明导论后记六百多页封面图为法籍雕塑家利希普茨的作品《人物》内无黑白彩色插图全是黑字白底的书 已买了两个星期 一直...

评分☆☆☆☆☆

刚拿到此书真是头大，读了一章以后开始找方法读它，觉得它还是可以用的，毕竟花银子买了不想浪费银子就默默的含泪看完。 1、中国美术流派P393-451这一章我是借助《中国美术简史》、《中国美学史大纲》叶朗来看的，觉得同时看这些内容很有帮助，查缺补漏，把之前不够清晰的思路...  

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《雕塑的呼吸：空间、材料与形体的对话》这本书，实在称得上是近些年来我读过的艺术类书籍中最具“触感”的一本。它完全颠覆了我对雕塑仅仅是“把石头凿成形状”的刻板印象。作者的笔触极其细腻，仿佛能透过文字感受到作品表面的粗糙与光滑、冰冷与温热。书中对不同材料的物理特性分析达到了近乎“材料学”的深度，例如，如何通过控制大理石的晶体结构来影响光线在作品上的漫反射，从而营造出时间流逝的沧桑感，这段描述读来令人叹为观止。更引人入胜的是，它将空间理论与雕塑创作紧密结合起来。传统艺术教育中常将空间视为背景，但这本书却强调雕塑本身就是对空间的切割与占有。它深入剖析了亨利·摩尔作品中“穿孔”的设计，如何不仅是形态的一部分，更是将周围环境的光线和空气“吸入”作品内部，使雕塑成为一个动态的、与环境共生的实体。全书的结构编排也极为精妙，从古代的纪念性雕塑到现代的动态装置艺术，每一章节都像是一次主题明确的博物馆导览，导游的讲解既充满激情又不失学术的严谨性。读完合上书本，我仿佛能听到空气在作品周围流动的声音。

评分☆☆☆☆☆

《图像的炼金术：符号学在视觉艺术中的应用》这本书，初看书名可能会觉得晦涩难懂，但一旦沉浸其中，就会发现它是一把解开所有视觉谜团的万能钥匙。作者的叙事风格极为犀利，充满了批判性的反思，不像很多艺术史书籍那样只是罗列事实，而是直接深入到“图像是如何欺骗我们”的核心问题。它大量运用了皮尔斯和索绪尔的符号学理论，但高明之处在于，它没有停留在理论的堆砌上，而是将这些抽象的概念转化为对我们日常生活中无处不在的广告、电影镜头甚至是网络表情包的解读工具。书中对“能指”和“所指”的拆解尤其精彩，我曾经困惑于为什么某些广告画面总能轻易地击中我的潜意识，这本书解释了通过精心设计的“视觉陷阱”，如何将商业目的悄无声息地植入我们的认知框架。特别是关于“神话”层面的分析，作者揭示了经典艺术作品如何被不断地挪用、重构，从而服务于当代权力结构。阅读过程中，我不得不时常停下来，重新审视我曾习以为常的视觉世界，那种醍醐灌顶的震撼感，是其他书籍难以给予的。

评分☆☆☆☆☆

《光影的叙事：电影美术的运动轨迹与技术革新》这本书的叙事节奏非常明快，简直像一部剪辑精良的纪录片，将近一个世纪的电影布景和灯光设计史娓娓道来。它不像纯粹的美术史那样聚焦于静止的二维平面，而是把“时间”这个变量纳入了考量，探讨光线如何在运动的画面中塑造人物的情绪和场景的氛围。我特别喜欢作者对“默片时代”灯光的致敬，如何仅凭黑白灰的细微变化，就能营造出弗里茨·朗电影中那种令人窒息的戏剧张力，这简直是对“极简主义”灯光哲学的最佳诠释。随着技术的发展，书中详细介绍了从传统胶片到数字后期合成的每一步技术飞跃对美术指导工作的影响。例如，数字绿幕技术如何解放了场景搭建的物理限制，但也带来了“真实感缺失”的挑战。作者通过分析几部里程碑式的作品，如《公民凯恩》的深焦镜头布光法，到当代科幻大片的宏大场面设计，清晰地勾勒出了电影美术从“舞台化”走向“沉浸式体验”的演变脉络。这本书不仅适合电影爱好者，对于任何对环境叙事感兴趣的人来说，都是极佳的参考读物。

评分☆☆☆☆☆

《色彩的魔力：从感知到表达》这本书简直是为我这种对色彩有种莫名的痴迷，但又苦于无法驾驭它的人量身定做的宝典。作者没有拘泥于枯燥的理论，而是像一位经验丰富的调色师，手把手地教你如何“听懂”色彩的语言。开篇就着重探讨了人眼对不同波长的光线的生理反应，这一点非常新颖，让我立刻意识到色彩并非只是主观感受，背后有着深刻的科学依据。随后，书中对“冷暖色调”的划分进行了极具创意的拓展，不再是简单的红黄蓝划分，而是通过大量实际案例，如室内设计中如何利用低饱和度的冷色调营造宁静氛围，或是在时尚T台上如何运用高对比度的暖色组合来制造视觉冲击。我尤其欣赏它对“色彩情感光谱”的构建，它详尽地列举了不同文化背景下，特定颜色所蕴含的象征意义，比如东方文化中的“红”与西方文化中的“白”，这种跨文化的比较，极大地拓宽了我的视野。书中提供的“色彩搭配练习册”部分，更是实用性极强，我照着上面的步骤尝试调配了几组色卡，竟然奇迹般地调出了以往总觉得“差点意思”的微妙层次感。这本书让我从一个纯粹的“看客”，变成了一个可以主动与色彩对话的参与者，收获远超预期。

评分☆☆☆☆☆

《材质的触感与精神：从工艺美术到当代装置艺术的跨界思考》这本书的风格极其偏向人文哲学，它的论述跳脱了传统的艺术流派划分，更侧重于探讨“人手与物质的交互关系”这一本体论问题。作者的文风非常古典、沉稳，如同在进行一场漫长的、充满哲思的对话。全书的核心论点似乎是：所有艺术形式的根本，都源于人类对原始材料的加工与驯服。它从最简单的陶土烧制、木材榫卯结构讲起，追溯人类文明进步的痕迹，然后自然而然地过渡到对当代装置艺术中“废弃材料”使用的深度剖析。这种从“本源”到“当下”的结构安排，给人一种极强的历史连贯感。书中有一个章节专门探讨了日本“侘寂”（Wabi-Sabi）美学如何通过对材料自然损耗的尊重，提升了作品的精神维度，这与西方追求完美和永恒的主流审美形成了鲜明对比，引人深思。更让我震撼的是，它将当代观念艺术家使用工业材料（如塑料、金属板）的行为，解读为对现代社会“过度制造”的一种反向的、仪式性的“重塑”，而不是单纯的材料堆砌。这本书让人学会的，是如何在看似粗糙、不完美的物质中，发掘出更深层次的生命力和文化印记。

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略略翻了一遍~只能算是一本应试的书~要不是学校要求其实没有多大翻阅价值~

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尼玛居然闭卷！！！！

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尼玛居然闭卷！！！！

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不要因为某party 对马克思哲学带上偏见

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我痛恨伪马主义美学。。。