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出版者:第1版 (2002年1月1日)

作者:上海遍传美术设计

出品人:

页数:1127 页

译者:

出版时间:2002-9

价格:40.0

装帧:平装

isbn号码:9787532452828

丛书系列:

图书标签:

• 1
• 漫画
• 绘画
• 教程
• 入门
• 技巧
• 创作
• 学习
• 动漫
• 兴趣
• 零基础

《一年成为漫画家》 当梦想照进现实：从零开始的创意蜕变之旅 你是否曾被漫画中跌宕起伏的故事、个性鲜明的角色和天马行空的想象力深深吸引？是否也曾幻想过，有一天，自己也能挥洒画笔，创造出属于自己的精彩世界？《一年成为漫画家》并非一本教授你速成的魔法秘籍，而是一场深刻洞察创作者内心世界的旅程，一次对“一年”这个时间概念的全新解读，更是一份关于如何将一腔热血转化为扎实行动的行动指南。 这本书，无关乎天赋的神秘降临，也非技巧的炫目堆砌。它探讨的是，在有限的时间里，如何有效地规划、坚持并最终实现一个看似遥不可及的目标——成为一名能够创作并分享自己漫画的“漫画家”。这里的“漫画家”，并非狭义上指代被市场认可、收入丰厚的专业人士，而是泛指那些能够将脑海中的故事以漫画形式表达出来，并愿意将这份创作分享给世界的任何人。 超越技巧：理解创作的本质 《一年成为漫画家》首先要破除的是一个普遍存在的误区：漫画创作仅仅是绘画技巧的练习。诚然，扎实的绘画功底是必不可少的，但它绝非全部。这本书将引领你深入思考： 故事的灵魂： 什么是好的故事？如何构建引人入胜的情节？如何塑造有血有肉、让读者产生共鸣的角色？故事的创意从何而来？如何捕捉生活中的灵感，将其转化为漫画的基石？ 视觉的语言： 漫画不仅仅是文字和图画的简单结合，它拥有一套独特的视觉语言。本书将引导你理解分镜的奥秘，如何通过画面节奏、视角转换、人物表情和动作来传达情绪、推动叙事，以及如何运用构图和留白来营造氛围。 风格的探索： 并非一开始就追求“独一无二”的风格，而是理解风格是如何在不断的尝试和实践中逐渐形成的。本书将鼓励你大胆尝试不同的绘画风格，从中汲取养分，最终找到最适合自己表达方式的路径。 “一年”的时间哲学：不是赶工，而是沉淀 “一年”这个数字，在这里并非一个简单的倒计时，而是一种时间的哲学。它代表着一种承诺，一种有计划、有目标的投入。书中不会提供“30天学会画眼睛”、“7天掌握人体比例”之类的速成课，而是强调： 系统的学习路径： 如何在一年内，有条不紊地学习漫画创作的各个环节？从基础的素描、透视、人体结构，到漫画特有的分镜、构图、人物设计，再到故事脚本的撰写，本书将勾勒出一个清晰的学习框架，帮助你高效分配时间，避免盲目摸索。 持续的练习与迭代： 进步并非一蹴而就，而是日积月累的成果。《一年成为漫画家》会告诉你，如何制定切实可行的练习计划，如何在练习中发现问题，如何通过不断的修改和优化来提升作品质量。这里的“一年”是一个过程，是不断学习、实践、反思、再学习的循环。 拥抱不完美，坚持到底： 创作的道路上必然充满挑战和挫折。你可能会遇到瓶颈，可能会对自己的作品感到不满。这本书将传递一种积极的心态：拥抱创作过程中的不完美，将其视为成长的阶梯，最重要的是，学会坚持，不因一时的困难而放弃。 从构思到分享：连接梦想与现实的桥梁 《一年成为漫画家》更关注的是如何将脑海中的想法落地，并最终与世界连接。 发掘你的创作动力： 为什么你想成为漫画家？你的作品想要传达什么？理解自己创作的初衷，是支撑你走下去的强大动力。本书会引导你深入挖掘内心的想法，找到最能触动你的主题和故事。 实践性的创作方法： 如何从一个模糊的概念出发，逐步将其细化为可执行的漫画脚本？如何进行人物设定、世界观构建？如何克服“空白页恐惧症”，开始动笔？本书将提供一些实用的创作技巧和方法论，帮助你克服从零到一的困难。 分享的力量： 创作的乐趣不仅仅在于完成，也在于分享。《一年成为漫画家》会鼓励你找到适合自己的平台，将自己的作品展示给他人，并从中获得反馈。这种互动不仅能让你获得成就感，更能帮助你发现自身的不足，明确未来的努力方向。 《一年成为漫画家》是一本写给所有怀揣漫画梦想的“准漫画家”的书。它不承诺奇迹，却提供了一套脚踏实地的路径，让你在一年之中，能够真正地走进漫画创作的世界，感受其中的乐趣与挑战，并最终，让自己的梦想，在一年后的今天，绽放出属于它的色彩。这是一场关于坚持、关于成长、关于实现自我价值的精彩旅程。

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读完这本书，我最大的感受是“被赋权”了，不再觉得漫画创作是少数天才的专属领域。这本书的结构设计非常适合碎片化学习。作者采用了大量“问题-解决”的模式，每一小节都紧紧围绕一个读者可能在实践中遇到的具体困惑。比如，当角色情绪激动时，究竟是该用特写还是仰视角度？书中给出了好几种方案并附带了对比图，这比那种空泛地谈论“要加强表现力”的指导书有效太多了。我尤其赞赏作者在“版权与变现”部分提供的真诚建议。他没有画大饼，而是坦诚地分析了当前漫画行业的不同盈利渠道和风险点，这让读者在学习技艺的同时，也能建立起一个清醒的商业认知。这本书真正做到了“知其然，更知其所以然”，让你在模仿的过程中，也能理解背后的逻辑链条，为将来形成自己的风格打下了坚实的基础。

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这本书简直是打开了我对视觉叙事世界的大门！我一直对漫画创作抱有浓厚的兴趣，但总觉得从何处着手是个令人望而却步的难题。翻开这本书，那种扑面而来的实践性和可操作性真的让人眼前一亮。作者没有过多地纠缠于晦涩难懂的理论，而是像一位经验丰富的老船长，手把手地教你如何扬帆起航。从最初的分镜草图到最终的墨线和网点处理，每一步骤都讲解得细致入微，充满了实战的智慧。我特别欣赏它对于“节奏感”的强调，很多初学者都会忽略这一点，只顾埋头画人物，却忘了漫画是流动的画面组合。书中通过大量的案例分析，清晰地展示了如何通过画面大小、视角变化和留白来控制读者的视线和情绪，这一点对我启发极大。读完前几章，我就迫不及待地拿起笔开始尝试，那些曾经困扰我的“画面卡壳”问题，竟然因为理解了作者提到的“三格定律”而迎刃而解。这不仅仅是一本教你怎么画画的书，更像是一本教你如何“说故事”的工具书，非常适合希望快速建立起系统认知框架的新手。

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坦白说，我抱着“试试看”的心态买了这本书，毕竟市面上关于艺术创作的书籍汗牛充栋，真正能让人坚持读完并付诸行动的不多。然而，这本书的叙事风格极其接地气，完全没有那种高高在上的学院派腔调。作者似乎深知一个零基础爱好者在学习过程中会遇到的所有痛点——例如，如何设计一个不会让人出戏的主角形象？如何让对话框不破坏画面美感？这些细节问题，作者都以一种近乎闺蜜聊天般的语气给出了实用建议。我特别喜欢它关于“世界观构建”的那一章节，它没有让我去写什么宏大的背景史诗，而是聚焦于“最小单元”的设定，比如主角的日常通勤工具、他常去的便利店布局等等，这种由微观到宏观的引导方式，大大降低了我的心理压力，让我觉得创作这件事是可以被拆解、可以被达成的。看完后我感觉自己不再是面对一座无法逾越的大山，而是获得了一张清晰的登山地图，每一步都有明确的标记。对于那些害怕“完美主义”拖垮进度的朋友来说，这本书提供的“快速迭代”的理念简直是救命稻草。

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这本书的装帧和排版设计也值得称赞，这对于一本视觉学习类的书籍来说至关重要。纸张的质感很好，即便是使用马克笔进行临摹练习，墨水也不会轻易洇开，这使得我在练习过程中体验非常顺畅。内容上，它巧妙地平衡了“理论基础”和“商业实践”的比例。前半部分扎实地讲解了人体结构和透视的基础，但它没有停留在那，而是很快地将这些基础知识与“如何适应网络连载的阅读习惯”结合起来。特别是关于“彩色分镜”的讨论，虽然全书主体还是偏向黑白漫画的制作流程，但作者对于色彩心理学和如何用灰阶模拟色彩氛围的讲解，展现了极高的专业水准。我感觉自己不仅仅是在学习如何“画”，更是在学习如何“制作”一套可以投放市场的产品。书中推荐的软件和笔刷设置也极其精准，省去了我大量自己摸索的时间，直接就能上手操作，这对于追求效率的现代创作者来说，简直是福音。

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这本书的深度和广度超出了我最初的预期。它不仅仅停留在教你如何画出漂亮的单页，而是着眼于“如何构建一个可持续的创作流程”。我发现作者对“效率管理”和“自我迭代”的重视程度非常高，这在同类教材中是比较少见的。他将整个“一年计划”分解成了季度目标，每个季度又有详细的里程碑，这种项目管理的思维被巧妙地融入了艺术学习之中。此外，书中对于“镜头语言的电影化处理”的探讨非常精彩，它引入了大量电影学的概念，比如景深、运镜等，帮助我们理解如何让静态的画面产生动态的叙事张力。这种跨界融合的视角，极大地拓宽了我的创作思路。看完后，我不再满足于仅仅模仿我喜欢的风格，而是开始思考，我自己的故事，用什么样的视觉语言表达会最震撼人心。这本书提供的不是模板，而是一套可以让你自己构建模板的底层方法论，实用价值极高。

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