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出版者:人民教育出版社

作者:陈自明

出品人:

页数:266

译者:

出版时间:2004-11

价格:18.70元

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isbn号码:9787107171826

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世界音乐巡礼：从古老节奏到现代旋律的恢弘画卷 本书并非仅仅聚焦于某一特定区域的音乐，而是以一种更宏观的视角，带领读者踏上一场横跨全球的音乐探索之旅。我们旨在揭示音乐作为人类共通语言的魅力，展现其如何跨越地理、文化、历史的界限，孕育出丰富多彩的表现形式。我们将深入探究那些塑造了人类音乐审美、影响了无数创作者的伟大传统，从古老文明的神秘回响，到近代社会变革中的激昂呐喊，再到当下多元文化交融下的创新尝试。 第一章：音乐的起源与早期回响 音乐的种子，在人类文明的曙光中悄然播撒。本章将追溯人类最早的音乐实践，从史前时期敲击石块、吹奏骨笛发出的朴素声响，到早期文明中祭祀仪式、劳作歌谣的节奏与旋律。我们将审视那些在世界各地遗留下来的古老乐器，例如非洲的鼓、亚洲的笛子、美洲的骨哨，分析它们在当时的社会功能和宗教意义。通过对古代壁画、文字记载的解读，我们力图重现那些失落的声音，感受音乐作为人类情感表达、社群凝聚、精神寄托的最初形态。 我们也将关注古希腊音乐理论的遗产，它不仅为西方音乐的理性发展奠定了基础，其对音律、调式、和谐的探索，也对后世的音乐哲学产生了深远影响。从毕达哥拉斯的音程理论，到亚里士多德关于音乐与伦理的论述，这些思想至今仍闪耀着智慧的光芒。同时，我们也会将目光投向东方，探究古代中国、印度、埃及等文明的音乐传统，了解它们独特的记谱方式、乐器形制以及在宗教、宫廷、民间生活中的地位。这些早期音乐的探索，将为我们理解音乐的普世性以及其发展演变的轨迹提供重要的视角。 第二章：跨越大陆的音乐对话：欧洲的辉煌与变革 欧洲大陆，作为世界音乐史上的重要舞台，孕育了无数经典之作。本章将重点梳理欧洲音乐的发展脉络，从古罗马的宗教音乐，到中世纪格里高利圣咏的庄严与神圣。我们将深入探讨复调音乐的兴起，如早期复音的探索，以及其如何逐渐发展成为巴洛克时期宏大的赋格与康塔塔。 文艺复兴时期，音乐的世俗化趋势日益明显，牧歌、香颂等体裁的繁荣，展现了音乐在表达个人情感、描绘生活场景方面的潜力。巴洛克时期的器乐发展尤为瞩目，协奏曲、奏鸣曲等形式的成熟，以及维瓦尔第、巴赫、亨德尔等大师的创作，将音乐的戏剧性与情感表现力推向新的高峰。 古典主义时期，以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的作曲家，将奏鸣曲式、交响曲等形式推向了极致，以其清晰的结构、均衡的旋律、深刻的情感内涵，塑造了西方音乐的古典典范。浪漫主义时期，音乐的情感表达变得更为自由奔放，肖邦、李斯特、瓦格纳等人的作品，以其浓烈的情感、瑰丽的想象、以及对民族精神的讴歌，触动了无数听众的心灵。 此外，本章还将关注欧洲民间音乐的丰富性，例如爱尔兰的凯尔特民谣、西班牙的弗拉明戈、北欧的民间歌谣等，它们以质朴的旋律、鲜明的地域特色，反映了不同民族的生活习俗与精神风貌。我们将探讨这些民间音乐如何与学院派音乐相互影响，共同丰富着欧洲音乐的宝库。 第三章：东方旋律的魅力：亚洲音乐的古韵新声 亚洲，这片古老而充满活力的土地，孕育了世界上最古老、最复杂的音乐传统之一。本章将带领读者领略亚洲音乐的独特魅力。我们将从印度古典音乐开始，深入探究其精妙的拉格（Raga）与塔拉（Tala）系统，感受其冥想般的深度与即兴创作的自由。我们将了解印度传统乐器如西塔琴、塔布拉鼓的演奏技法，以及它在宗教仪式、宫廷表演中的重要作用。 中国音乐，作为拥有数千年历史的文明，其丰富的宫廷雅乐、民间戏曲、传统器乐，展现了独特的哲学思想与审美情趣。我们将探讨五声音阶、七声音阶的应用，以及古琴、琵琶、二胡等传统乐器的演奏特点。京剧、昆曲等戏曲音乐的唱腔、伴奏，更是承载了深厚的文化底蕴。 日本音乐，以其独特的“雅乐”（Gagaku）体系，保留了古代宫廷音乐的精致与仪式感。能剧、歌舞伎的音乐，则以其独特的声腔、节奏和打击乐，营造出独特的戏剧氛围。我们还将触及韩国的“盘索里”（Pansori）和“农乐”（Nongak），感受它们质朴而富有生命力的节奏与旋律。 东南亚音乐，如印尼的甘美兰（Gamelan）音乐，以其独特的金属打击乐合奏，创造出丰富而迷幻的音响效果。泰国的传统宫廷音乐、越南的“宫腔”（Ca trù）等，也都展现了各自鲜明的特色。 本章还将探讨亚洲音乐的现代化进程，现代流行音乐如何借鉴传统元素，以及不同文化之间的音乐交流与融合。我们将看到，古老的东方旋律，如何在新的时代焕发出勃勃生机。 第四章：非洲的脉动与节奏：生命的赞歌 非洲，被誉为“音乐的故乡”，其音乐充满了原始的生命力与强大的感染力。本章将深入非洲大陆，感受其令人振奋的音乐节奏与多元的音乐文化。我们将关注非洲鼓乐的核心地位，分析其在社会活动、宗教仪式、故事讲述中的作用。不同的鼓点、节奏模式，承载着不同的意义和信息，构成了非洲音乐独特的语言。 除了鼓乐，非洲的吹奏乐器、弦乐器、以及人声合唱，也同样丰富多彩。马林巴、卡林巴（拇指琴）、尼科尔琴等乐器，发出的独特音色，充满了异域风情。我们将了解非洲传统的合唱方式，以及其在社区生活中的重要性。 非洲音乐的节奏感是其最显著的特征之一。多节奏的叠加、复杂的切分音，使得非洲音乐充满了动感与活力。我们也将探讨非洲音乐的“呼应”（Call and Response）形式，这种音乐组织方式不仅体现在演唱中，也体现在乐器演奏和身体律动中，强调了互动与参与。 此外，本章还将关注非洲音乐的传承方式，口传心授在非洲音乐文化中扮演着至关重要的角色。我们将探讨非洲音乐与舞蹈、戏剧、以及日常生活之间的紧密联系，展现音乐如何渗透到非洲人民生活的方方面面。现代非洲音乐，如非洲流行音乐（Afropop）、非洲爵士等，更是将传统元素与现代音乐风格相结合，在全球范围内产生了巨大影响。 第五章：新大陆的融合之声：北美与大洋洲的音乐图景 新大陆，承载着世界各地移民带来的丰富音乐遗产，并在与原住民音乐的碰撞与融合中，孕育出独特的音乐风格。本章将目光投向北美与大洋洲。 在北美，我们首先要提及原住民音乐的古老旋律。从北美原住民的鼓乐、歌谣，到他们独特的乐器，都蕴含着深厚的文化积淀和与自然的紧密联系。随后，欧洲殖民者带来的音乐，如古典音乐、民间歌曲，与非洲裔美国人带来的音乐形式，如蓝调（Blues）、爵士乐（Jazz）、福音音乐（Gospel），以及后来的摇滚乐（Rock and Roll）、乡村音乐（Country Music）、嘻哈（Hip Hop）等，共同构成了一幅多元而充满活力的音乐画卷。我们将深入探究这些音乐风格的起源、发展，以及它们如何成为美国乃至世界流行音乐的重要源头。 大洋洲，以其独特的岛屿文化，呈现出别样的音乐风貌。澳大利亚原住民的迪吉里杜（Didgeridoo）演奏，以其悠长而神秘的音色，吸引着世人的目光。太平洋岛屿，如夏威夷的尤克里里（Ukulele）弹唱，斐济的传统歌曲，都充满了热带风情和独特的韵律。我们将了解这些地区音乐的特点，以及它们如何与现代音乐元素进行融合。 本章还将探讨移民文化对北美与大洋洲音乐的深远影响，以及不同族裔音乐的交流与碰撞，如何催生出前所未有的音乐创新。我们将看到，新大陆的音乐，是历史、文化、民族大融合的生动体现。 第六章：音乐的未来：全球化浪潮下的创新与边界 进入21世纪，全球化进程以前所未有的速度重塑着音乐的面貌。本章将展望音乐的未来，探讨在全球化浪潮下，音乐的创新与边界。我们将关注不同音乐风格之间的界限日益模糊的现象，例如电子音乐与传统音乐的融合，世界音乐（World Music）的兴起，以及跨国界的音乐合作与交流。 数字技术的飞速发展，为音乐的创作、传播和消费带来了革命性的变化。流媒体平台、在线音乐社区，使得音乐的获取变得前所未有的便捷，同时也催生了新的音乐产业模式。本章将探讨数字音乐对音乐产业、音乐人和听众的影响。 我们还将关注音乐在社会变革中的作用，例如抗议歌曲、社会运动中的音乐，以及音乐如何成为连接不同文化、促进理解的桥梁。同时，我们将审视当下音乐创作中出现的性别、政治、社会议题，以及音乐如何反映和回应这些问题。 最后，我们将思考音乐的未来走向，是走向更为统一的全球化风格，还是会继续保留和发展出更加多元、独特的区域性音乐传统？音乐的边界在哪里？创新又将如何突破这些边界？本书的最后一章，将带领读者一起思考这些充满挑战与机遇的问题，为这段世界音乐的巡礼画上一个引人深思的句号。 通过这场跨越时空的音乐之旅，我们希望读者能够更深刻地理解音乐的普世价值，欣赏不同文化背景下的音乐之美，并从中获得启迪与共鸣。音乐，作为人类情感的载体、文化的镜子、心灵的慰藉，将永远在我们共同的世界里回响，奏响属于全人类的壮丽乐章。

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这本书的价值，很大程度上源于它对“拉丁美洲”这一宏大概念的解构和重塑。作者并没有将拉丁美洲视为一个同质化的音乐区域，而是极其细致地划分出了不同的文化地理单元，并为每个单元配备了独特的声音标识。阅读体验中，最让我感到振奋的是作者对技术在音乐传播中所扮演角色的分析。他没有简单地赞美录音技术带来的便利，而是深刻探讨了电台、唱片工业如何标准化了某些音乐形式，同时也无意中边缘化了那些难以录制或商业化的本土小调。这种对现代性冲击的反思，使得全书具有了很强的当代意义。我深感作者在研究过程中所付出的努力——不仅仅是收集音乐资料，更是要理解支撑这些音乐存在的整个生活方式、经济结构乃至政治气候。整本书的论证逻辑严密，论据详实，读起来让人感到一种踏实和信服，仿佛作者正牵着我的手，穿梭于墨西哥的广场和哥伦比亚的咖啡种植园之间，亲身聆听那些历史的回响。这绝对是一部需要反复品读、并且每次都能发现新亮点的深度之作。

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坦率地说，当我翻开这本厚厚的著作时，我原本预期会看到一本堆砌了大量音乐术语的学术论文集，但实际的体验却大相径庭。作者的写作技巧高超，他成功地将复杂的音乐理论——比如关于加勒比海地区复调结构或者复杂的波萨诺瓦和弦进行——用一种极其直观且富有画面感的方式呈现出来。阅读过程中，我甚至不需要打开任何音乐播放器，就能在脑海中“听”到那些乐章的起伏。这全归功于作者高超的“翻译”能力，他能将抽象的音符转化为具体的文化体验。举个例子，他在描述牙买加雷鬼乐时，用的词汇不是晦涩的乐理术语，而是“沉重如潮汐、带着先知般低语的节奏”，这立刻就将读者带入了那种特定的氛围之中。更令人称奇的是，书中对不同音乐流派之间影响和渗透的描绘，其精细程度令人咋舌。它清晰地展示了爵士乐如何经由新奥尔良传入墨西哥，如何与当地的民间音乐融合，最终催生出全新的风格。这种“音乐基因图谱”的绘制，展现了作者非凡的学术视野和耐心，绝非轻易之作。

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这本书的叙事节奏和语言风格，简直就像一首精心编排的探戈——时而缓慢内敛，时而爆发激烈。我尤其赞赏作者在处理敏感的文化挪用和身份认同议题时的那种审慎与洞察力。谈到阿根廷探戈，书中没有简单地将其浪漫化，而是毫不避讳地揭示了它最初在布宜诺斯艾利斯底层社会（特别是妓院和码头区）的边缘起源，以及后来如何被上流社会“净化”并推向世界舞台的过程。这种对音乐“身份污点”的坦诚记录，极大地提升了全书的批判性价值。与我之前读过的几本专注于音乐理论分析的著作相比，这本书更像是一部文化史诗。它不仅仅告诉你“是什么”，更告诉你“为什么会是这样”。书中对音乐家个人命运的描摹也十分动人，比如某位墨西哥流浪歌手如何在新旧交替的时代里挣扎求生，他的歌曲成为了那个时代社会情绪的晴雨表。这种将宏大历史叙事与个体命运交织的手法，让冰冷的音乐史变得有血有肉，充满了人性光辉与挣扎的张力。对我而言，阅读过程本身就是一种情感的过山车，时而被激昂的节奏所点燃，时而为历史的无奈而唏嘘。

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这部关于拉丁美洲音乐的著作，在我看来，简直就是一把通往那个热情奔放、色彩斑斓世界的钥匙。首先被吸引的是它对不同区域音乐流派的细致梳理，远超我预期的深度。例如，书中对古巴的颂歌（Son Cubano）如何演变、如何影响了萨尔萨舞曲的脉络分析，简直是教科书级别的。作者没有停留在简单的介绍，而是深入挖掘了社会背景对音乐形式的塑造作用，比如贫困和殖民历史如何催生了某些底层民众的表达方式，最终这些形式又被主流文化吸收和重塑。我特别欣赏的是，作者在讨论巴西桑巴时，不仅仅是描述其节奏的复杂性，而是穿插了大量关于里约热内卢狂欢节的社会学观察，这种跨学科的视角让理解变得立体而丰富。阅读过程中，我感觉自己仿佛在米格尔·德·塞万提斯图书馆里，面对着一摞泛黄的乐谱和历史文献，那种沉浸感是其他泛泛而谈的音乐书籍无法给予的。书中的大量脚注和参考文献清单也为进一步探索提供了坚实的基础，显示了作者扎实的研究功底，绝非空中楼阁般的臆想之作。特别是关于安第斯山脉地区土著音乐的章节，作者似乎亲身走访了那些偏远村落，细致记录了乐器的制作工艺和仪式的用途，让人深切感受到音乐与信仰、土地之间那种密不可分的古老联系。

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这本书在结构安排上展现出一种近乎建筑学的美感，每一章的过渡都处理得无比自然流畅，没有那种生硬的章节分隔感。我特别欣赏作者对“边缘与中心”这一主题的反复探讨，这似乎是贯穿全书的一条暗线。例如，在讲述阿根廷探戈的兴盛之后，作者立刻转向了其被“流放”到欧洲，并在巴黎重获新生，最终反哺阿根廷本土的过程。这种“走出去又走回来”的文化循环，被作者描绘得淋漓尽致，凸显了文化权力流动的复杂性。此外，书中对女性音乐家在父权社会中如何通过音乐进行抗争与表达的论述，篇幅虽不长但力度十足，充满了对被压抑声音的尊重和聚焦。我尤其喜欢作者在分析某些民间音乐时所采用的口述历史方法，他引用了大量的访谈记录，使得那些原本只存在于口头传说中的故事得以被文字固化和尊重，这无疑是对文化遗产的巨大贡献。读完后，我感觉对拉丁美洲的理解不再是停留在Tango和Salsa的表层认知上，而是深入到了其社会肌理和精神内核。

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国内只此一本……

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ErX6/ 分块儿清晰。拉美音乐的“索引”。

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陈自明写的文笔尚可，有对于我这样的门外汉

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陈自明写的文笔尚可，有对于我这样的门外汉

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是结合着大航海的历史来看的，国内讲这方面的资料的确不太多，看完最深刻的一个体会：拉丁美洲音乐其实就是哥伦布大交换的产物，印、欧、非三种音乐的混合体。里面介绍不少拉丁美洲各个国家的历史、人种构成，对于理解国家版图、拉丁音乐会很有帮助，如果单独看会比较不容易看进去。